Expositie 3 juni tot en met 25 juli 2021

Deelnemers Groepsexpositie

Fleur Stebis

Aanstormend talent Fleur Stebis, 16 jaar, gaat 27 september in Florence starten met een klassieke kunstopleiding, het schilders programma op ‘the Florence Academy of Art’. Fleur tekent al haar hele leven en vanaf haar twaalfde is ze bewust bezig om zich verder te ontwikkelen. Tot nu toe is ze autodidact en op basis van haar werk is ze aangenomen op de Academy. Nog voordat ze afreist naar Florence heeft ze nog net tijd om te exposeren bij MicksArt Collectief. Welkom om haar werk bewonderen en echt waar: dit is de kans om een echte Fleur Stebis aan te schaffen voor een mooie prijs. Let op we gaan zeker meer van deze dame horen.

Daarvoor is het wel nodig dat haar budget om te gaan studeren verder op orde komt. Omdat Fleur nog zo jong is heeft ze nergens recht op financiële tegemoetkoming. Kunstenaars Henk Helmantel en Egbert Modderman schreven aanbevelingsbrieven voor Fleur zodat ze fondsen en beurzen kan aanschrijven. Daarmee heeft ze al een mooi bedrag binnengehaald om de eerste kosten van te betalen. Haar zus heeft een crowdfundingsactie gestart. Wil je dit jonge talent supporten? Een gift is welkom.

https://gofund.me/66375fb2

Rachel Daeng Ngalle

 Gekscherend heb ik het wel eens over zelfkastijding als het over het werken met glas gaat. 
Mijn objecten zijn van het eerlijke materiaal glas, waar ik veel respect voor heb.Het is veelzijdig en tegelijkertijd meedogenloos en daarvoor een fascinerend materiaal om mee te werken.
 De vele eigenschappen en technische mogelijkheden om het vorm te geven, het door verhitting kunnen samensmelten van kleuren en vervormen door blazen, knippen, buigen of vormen in een mal blijven uitdagen.
Naast geblazen objecten in de speciale Roll-Up techniek, maak ik ook kleine installaties en beelden gevormd in de cire perdue techniek.

Nicole van Oss

Nicole van Oss is geboren in 1964 en woont en werkt in Gemert. Interesse in en bezig zijn met schilderen zijn bij haar al op jonge leeftijd begonnen. Met een schilder als opa en de winkel van haar ouders waarin o.a. verf en behang werden verkocht, is ze opgegroeid tussen de verfpotten.

Natuur is een grote inspiratiebron. Vooral riet heeft een grote aantrekkingskracht. 

Voor Nicole is schilderen van natuur, het weergeven van sfeer.

Als perfectionist houdt ze juist heel erg van imperfectie. Daarmee is voor haar iets perfect.

Nicole werkt voornamelijk met acrylverf of mixed media op doek of paneel en maakt gebruik van paletmessen. Hiermee kan ze eindeloos vormen. Naast schilderen met acrylverf is Nicole gegrepen door encaustic art: schilderen met bijenwas. ‘Natuur schilderen met Natuur… dat voelt goed.’

Froukje Dijkstra

Froukje Dijkstra maakt impressies van gebouwen. Vaak gedetailleerd, maar soms ook heel schetsmatig. Opvallend zijn de strakke lijnvoering, de speelse volumes en het wisselend karakter van het oppervlak: glad, ruw of met kratertjes. Vlakken, vlakverdeling, ritme en herhaling van ritme zijn kenmerken van haar werk. Ook openingen/doorkijkjes spelen mee. Ze probeert zo weinig mogelijk details weer te geven en soms is er met een knipoog naar de werkelijkheid gekeken. De hedendaagse architectuur inspireert haar.   De ordening, het ontwerp en het materiaalgebruik bepalen het resultaat. 
Haar nieuwste werken zijn ruïne-achtige gebouwen waar lichtinval en het verweerde uiterlijk, veroorzaakt door de glazuren, een boeiend beeld en een eigen karakter aan het geheel geven. 

Jouke Schwarz

« Mijn werk is intuïtief en spontaan ontstaan, een progressief proces en een constante zoektocht in plaats van een pad naar een vooraf bepaald eindresultaat. »

Jouke Schwarz is een fulltime muzikant en schilder met internationale bekendheid. Hij is opgegroeid in Santiago, Chili en woont nu ruim 15 jaar in Amsterdam. Zijn schilderijen zijn voornamelijk gericht op het creëren van abstracte representaties van de natuur en de interactie of botsing tussen de door mensen gemaakte en natuurlijke werelden. Zijn creaties zijn verbluffende kleurmozaïeken die tijd, ruimte en spel met contour en afwezigheid in vraag stellen. In zijn nieuwe collectie “Remnants of a Dream” maakt de kunstenaar abstracte schilderijen gebaseerd op fotos van lakens waarbij je verdwaalt in de plooien en schaduwen.

Olga Kovtun

I love working with materials that are giving me a deep feeling, like paper, colour pencil, pastel or tempera. They are 
transparent, don’t predominate; leave a trace, but disappear easily, making room for a new world of feeling.
I like space, like a womb, cozy and warm, from which opens a miraculous world. I do not want to realize, to attach any 
value, or to understand it. I want to experience her mystery, and pass that on. That gives me satisfaction in life.

Gustavo Ramirez

Born and raised in Bogota, Colombia, I have developed my love for art during various studies of graphic design, photography and illustration. After a few years working as an illustrator for children’s books, I have started to experiment with the paper-mache technique while in Barcelona, where I lived in 2000.

Throughout the years, I continuously worked on improving and developing my skills as I kept on creating innovative and truly distinctive pieces. My designs are typically minimalistic in nature, contrasted with detailed bright and colourful patterns.

My creatures have been described as “joyful”, providing “a happy personal connection”.

I currently reside in Berlin, where I have been exhibiting my work frequently. 

Willem van Oijen

Interested in and accustomed with glass from an early age, Willem van Oijen jr. really started to love working with this amazing and beautiful material while he was receiving his glass art education from his father Willem van Oyen sr. (glass artist – painter – sculptor  since 1947)

All his knowledge, experience and artistry he has passed on to his son, who joined his father in his glass art studio BEVO in 1978.  In 1993 he succeeded his father in managing the studio. He masters the techniques of sandblasting and glass-appliqué.

Recently his interest is also focused on techniques like pâte-de –verre and glass-casting, which create more possibilities towards making 3-dimensional sculptures.

Through light, glass becomes alive. Working with glass, in a way, is working with light.

Forms created by design, into or onto glass, are breaking the light, thus creating a three-dimensional radiance inside and around the object, by ways of reflecting and projecting light and shadow patterns.

The result is a melting kind of adaptation with almost every space the glass object is placed in.

This effect intrigues me enormously.”

techniques like melting, fusing, engraving, polishing etc, are often added.

My work ranges from monumental glass-facades in buildings (like churches, city town halls, schools etc.) to free standing panels or objects and sculptures.

An important aspect in my work is that I  try to create an interaction between opposites in the way the surface of an object is worked, the use of color, the difference in radiance of the materials used, the concept and design.

By making use of contrasts creates tension in my work, a tension carefully balanced, consequently resulting in homogeneous but strong objects of art.

The vase or vessel shape in the objects is purely used as a surface, a base to work on. The form or shape is only secondary to the usefulness of the surface and the thickness of the glass, in which by means of different techniques, a design of flowing shapes and lines can be created.

The surface of the blown glass form is reshaped, penetrated and manipulated by the use of deep relief sandblasting/carving, cutting, grinding, polishing, etching and engraving.

Sometimes extra relief is created by adding shapes consisting of small pieces of glass to the surface.

In the end, the form of the vase or vessel will be reshaped into an object “constructed” of intertwined forms and shapes in a changing pattern of frosted and transparent parts.

Because of the transparent “windows” in the compositions, an interactions is created between the design on the front and the design on the back of the object.

As a result of completely using the material and its prime aspect, the transparency, an extra dimension is created into the design.

By using the blown glass in an object in combination with other materials like bronze, stainless steel, steel, wood or stone, the transparency and fragility of glass is accentuated more.

The strong, hard, massive and heavy side of glass is shown in the bigger and solid objects and sculptures.

The block, cylinders or pillars formed by fusing or laminating sheet glass make it possible to sand carve forms and shapes even deeper into the surface. I often combine these sculptures of carved glass with carved wood or stone.  As a result the expression of the sculpture and the materials used, will strengthen each other.

This way I am  exploring, applying and shaping all facets of the material glass in my work.

Tineke Okx

VUILKUNST

Met mijn huidige werk ben ik ongeveer 7 jaar geleden begonnen. 

Camera en computer zijn mijn werktuigen.

Ik ben gefascineerd door plastic zwerfafval, dat door de natuur vervormd en bewerkt is. In de vormen die de natuur ervan maakt, zie ik menselijke of dierlijke wezens. Daar maak ik foto’s van. 

Op de computer bewerk ik de beelden. Ik gebruik de vormen, zoals ik ze vind.

Door ze in een andere context te plaatsen, komen zij tot leven.

PLASTIC WERELD

Het gebruik van plastic is diep doorgedrongen in ons leven. Het is een zegen, maar tegelijkertijd, door het vele afval een ramp. Gaat de mensheid ten onder aan haar eigen ‘plastic wereld’ ? De natuur gaat haar eigen weg. Maakt het de aarde iets uit, of er mensen en dieren op haar huid leven? Er zijn al zo veel levensvormen gekomen en weer verdwenen.

Nu ook microplastics, via de voedselketen in organen van mens en dier doordringen, is dat misschien wel het begin van een mutatie naar geplastificeerde wezens. Zouden mijn wezens, die uit het zwerfvuil ontstaan, de nieuwe aardbewoners zijn?

Verschillende maten van de afbeeldingen zijn mogelijk.  

Eske Koetje

Eske Koetje (1968) woont en werkt in Oudemolen (Dr). Eske is docent geweest in het middelbare beroepsonderwijs te Groningen en Leeuwarden. In 2011 is ze afgestudeerd aan de Kunstacademie Minerva in Groningen. Haar specialisme is schilderen en tekenen van natuurtaferelen en dieren. 

‘Ik ben gek op dieren, als kind al zat ik uren te kijken naar de plaatjes in de dieren-encecopedie, zo fascinerend vond ik dat, al die verschillende dieren. Zelf heb ik samen met mijn man, twee paarden, twee honden en drie katten, een leven zonder dieren kan ik me niet voorstellen’.

Eske is een veelzijdig kunstenaar; ze geeft teken- en schilderlessen aan volwassenen, maakt vrij werk, is lid van het driemanscollectief ‘RInseKoetjeBil’  waar ze live muurschilderingen op locatie mee maakt en ze is begonnen bij ‘Mir Ceramics ‘om op aardewerk te schilderen. Wil je meer weten kijk dan eens op haar Instagram-account .

Erik Zwaga

Erik Zwaga is geboren in Ulft in 1960 en op zijn twintigste begonnen met schilderen. De eerste aanwijzingen kreeg hij van zijn schilderende broer, Theo. Aanvankelijk maakte Eriklandschappen in de trant van de 19e-eeuwse Romantische school. Schelfhout en Koekkoek waren toen zijn grote voorbeelden.

Stillevens waarin de sfeer belangrijker is dan de werkelijke, precieze weergave. De sfeer wordt bepaald door licht en het gedempte kleurgebruik. Ik gebruik vaak de grijs- en bruintinten om mijn sfeer te bepalen; hier en daar worden wat kleuraccenten toegevoegd om de levendigheid te verhogen. Er moet veel licht in de geschilderde voorwerpen komen, telkens breng ik weer het licht terug als het ergens verdwijnt. Ik bezie de voorwerpen die ik schilder, als waren het leven

Maurice la Rooy

Maurice La Rooy (Amsterdam, 1992) graduated in Graphic Design at the Mediacollege Amsterdam in 2012. After realizing that the world of computers and Graphic Design was nog the life he had envisioned he started an apprenticeship, glassblowing, at the Van Tetterode Glass Studio, then owned by his father, Louis La Rooy (1947)

He apprenticed there for two years at which he was the Hot shop Coordinator at this point. He met several of the glass artists in the community and it wasn’t long until he met John Moran whom had just started a Glass Studio in Ghent, Belgium. In 2015 Maurice started working at Gent Glas on a regular basis involving himself in the educational part of the studio. Since 2019 he has been the Studio Coordinator at Gent Glas and is mainly focused on the educational programs that Gent Glas has to offer.

Emy Noya

Schilderijen van Emy Noya zijn een samenspel van vormen en kleuren. Ze schildert zonder vooraf bedacht plan. In haar abstracte, kleurrijke  werk staat de uiteindelijke dynamiek in de compositie centraal. Er is veel variatie in werk en werkwijze, zowel sober, subtiel,  minimalistisch als lyrisch, abstract expressionistisch.

Ze werkt met acrylverf op doek of paneel. Gebruik makend van gemengde technieken  (met o.a. zijdepapier, kranten, zand, aluminiumfolie ) krijgt het werk een prachtige huid en  een bijna organische uitstraling.  

Emy: Al zoekend, uitproberend, ontstaat het schilderij, het eindresultaat is voor mij altijd spannend en verrassend. Schilderen is voor mij een prachtige manier om gevoelens te uiten en indrukken te verwerken.

Rita Siemons

Het maken van sieraden uit edelmetalen heeft Rita altijd gefascineerd. Zij werkt voornamelijk met zilver. Dit samen in combinatie met koper en goud en perspex Ook maakt zij zilveren breiobjecten die het sieraad een extra dimensie geven. Het ontwerp is erg belangrijk, dat is voor haar de kracht dat een sieraad uitstraalt. Het moet een originaliteit hebben en tevens draagbaar zijn. Maar soms is het sieraad een kunstobject op zich.

Roland de l’Orme

Ik ben RJ de l’Orme (Roland) geboren in Haarlem (1987) en ik schilder al mijn hele leven maar de laatste jaren krijgt mijn werk meer richting en vorm. Mijn hart ligt bij de abstracte kunst, maar ik heb ook een voorliefde voor figuratieve kunst en heb een tiental portretten gemaakt. 

Mijn kunsten realiseer ik op hout, canvas en met diverse soorten verf, en ik heb in de laatste 12 jaar een bepaalde techniek ontwikkeld die mij eigen maakt. 

Soms ben ik ook geneigd interessante voorwerpen toe te voegen of te verwerken in het doek die ik gaandeweg tegenkom om het werk zo een extra dimensie te geven. 

Dolfina

Hallo, mijn naam is Dolfina. Je kunt mij het best omschrijven als een enthousiaste fotograaf/kunstenaar met een voorliefde voor oude meesters, Griekse mythologie en surrealisme.
Na mijn studie aan de Amsterdamse Hogeschool voor de Kunst ben 13 jaar lang kunstdocent geweest. Daarna heb ik me jarenlang bezig gehouden met portretfotografie en de laatste tijd voornamelijk werkzaam als beeldend kunstenaar.
Mijn liefde voor fotografie begon toen ik op 5-jarige leeftijd mijn eerste camera kreeg, een Rollei B35. Mijn vader was mijn grote voorbeeld. Van hem leerde ik de fijne kneepjes van het vak, zowel achter de camera als in de Doka.
Momenteel werk ik met Nikon en heb ik de Doka ingeruild voor Photoshop.
Mijn werk kun je het best omschrijven als FineArt. Dit is een kunstvorm die historisch gezien voorkomt in onder andere schilderijen. Door middel van FineArt laat ik mijn artistieke visie, fotografie en een perfecte nabewerking samenkomen. In mijn huidige serie “Holland” draait het om trots zijn op mijn vaderland. De rijke, warme kleuren en het mysterieuze licht in de schilderijen van Rembrandt, Delfts-blauw, tulpen, klompen, drop, de eeuwige Elfstedenkoorts en natuurlijk de oranjegekte.

Carlos Caluwier

Sommige artiesten zijn uniek met de werken die ze creëren.
Carlos Caluwier is één van hen.

Al jaren probeert hij die perfecte vorm te ontwikkelen, een beeld dat alle overbodige elementen weglaat, de pure esthetische rondingen.
Hij deed er jaren over, het kostte hem heel wat zweet, maar hij gaf niet op en uiteindelijk maakte hij het: Cccorpus.
De Cccorpus is een beeld dat zijn uniciteit behoudt, welke grootte of kleur ook, waar ook tentoongesteld.

Gestileerde vormen reikend naar het menselijk figuur zijn de basis van zijn ontwerpen.
Materialen zoals brons, keramiek, polyester en PLA worden gebruikt voor de vorm of drager.
Diverse kleuren, tekeningen en patronen worden de huid van de drager door middel van inkerven, schilderen, patineren en glazuren.
De ontwerpen variëren van 7 cm tot 200 cm.

De werken van Carlos Caluwier hebben een hoge aaibaarheidsfactor en de toeschouwer kan er onuitputtelijk naar kijken.
Carlos werkt in zijn atelier in Zwevegem, Watermolenstraat 3.

Rudolf Knispel

Van nature ben ik creatief en een beetje artistiek. 
Een creatief beroep had goed bij mij gepast, maar om brood op de plank te krijgen, heb ik andere keuzes gemaakt. 
De kunstenaar in mij moest ruimte maken, eerst voor de medewerker en jaren later voor de ondernemer. 
Meer dan 15 jaar heb ik een leergroothandel gehad, werken met leer prikkelde keer op keer mijn creativiteit. Leer is mooi en veelzijdig en je kunt er prachtige dingen mee maken.
Pas na de verkoop van mijn bedrijf en op 70 jarige leeftijd, vond ik de tijd en rust om te ervaren welke vorm van kunst bij mij past.
Nu maak ik allerlei soorten kunstwerken spontaan en in opdracht met leer als basis materiaal.
Mijn creatieve uitspattingen lieten even op zich wachten, maar met mijn 70 jaren jong zit ik vol creatieve ideeën om uit te werken.
Ik vind het mooi om te LEREN en nieuwe dingen uit te proberen.

SIKKO MULDER

MIJN MIXED MEDIA TECHNIEK

In mijn werk gaat het om een combinatie van verschillende technieken.
Een belangrijk onderdeel hiervan vormt het over elkaar aanbrengen van verschillende lagen half transparant architectenpapier. De basis is een grote aquarel op 3 á 4 laags zuurvrij karton.
Met potlood, verf en krijt doorwerken in een werkstuk maakt als het ware een soort grijssluier mogelijk. Deze verfijnde ‘tekenstructuur’ geeft het werk dikwijls een milder voorkomen.
Vanuit structuur en kleur werk ik naar een samengaan van deze elementen.
Een zwak heimwee naar het landschap met al zijn onderwerpen blijft hierbij evident.
Essentie blijft het willen slaan van een brug tussen emotionele directe betrokkenheid en een esthetische uitwerking anderzijds.

Etienne Roete


Wat is Roetisme
 ???

Roetisme is een richting in de schilderkunst,beoefend door Etienne Roete waarbij de tekening gemaakt wordt door middel van een touwtje, welke in het werk aanwezig blijft en voor een reliëf zorgt.Daardoor ontstaat een zéér spontane vormgeving,welke het geheel een Speels karakter meegeeft.Gebruik van Felle kleuren versterkt de aantrekkingskracht van het werk. Het Realisme is herleid tot Herkenbaarheid. De werken doen glimlachen en overstijgen op een subtiele wijze het anekdotische ,ze zijn verrassend en steeds herkenbaar ,ze hebben iets onverwachts! De eigenzinnige authenticiteit heeft te maken met de spontane creatieve persoonlijkheid van Etienne! De term Roetisme is enkel en alleen van toepassing voor de werken die eigenhandig gemaakt zijn door Etienne Roete !

Wilma Wassing

Deventer, 1962

In 1994 is Wilma gestart met boetseren. Bij een kunstencentrum in Assen heeft ze cursussen gevolgd bij diverse docenten en zich zo gaandeweg ontwikkelt van autodidact tot beeldend kunstenaar.

Vanaf 2011 werkt zij beroepsmatig als beeldend kunstenaar. Ze maakt zowel figuratieve als abstracte beelden. Ze beheerst technieken als hakken en boetseren en combineert vaak bijzondere materialen in een beeld.

Haar beelden van hout met keramiek zijn aards en krachtig met een eigen vitaliteit en een vleugje mystiek. Ze heeft een zwak voor stukken hout waar ‘ iets’ mee is; zoals een rare knobbel, vergroeiing of delen die verrot zijn. Dat zijn de stukken die haar inspireren en uitdagen om er mee aan de slag te gaan, het een 2e leven te geven.

Haar bronzen paarden en stieren kenmerken zich meestal door het ontbreken van lichaamsdelen.  Soms zijn het flarden paard of stierentorsen. Alleen dat wat zij belangrijk vindt, laat ze zien. Eigenschappen als moed , kracht, trouw, elegantie, intelligentie worden hierdoor juist versterkt.

De paarden maar ook boten, vleugels, vogels op hoofden symboliseren het thema vrijheid, een essentiële rode draad in haar werk.

Naast beelden maakt ze ter afwisseling graag schalen, potten of dozen van aardewerk. Sommigen rakugestookt of voorzien van een handbeschilderd motief met glazuur.

Wilma werkt vanuit haar atelier De Rode Schuur in Norg. Hier geeft ze ook cursussen keramisch handvormen en workshops raku-stoken.

www.wilmawassing.nl

René van den Berg


Digital Art & Acrylic Painter
René van den Berg ( The Hague ) I Started painting 8 years ago.
I am autodidact painter I love to work with acrylic on canvas, inkt and digital art mixmedia.
I get inspired by the life around me.
My artworks are very colorful and “Straight From The Heart”with a lot of layers.
I have not one style because i love different styles such as,
Digital art
Modern
Figurative art
Abstract
Portrait
At this moment i create mainly digital art.I starten with this january 2020, and didn’t stop
since.
My artworks wich are now in Micks Art Gallery
Formes & Shapes straight from the heart are:
Archival pigment on Hahnemühle German Etching
Hand-signed and numbered
Editions of 20
4 x 50 cm x 70 cm
2 x 50 cm x 50 cm

Hanna van Ginkel

In mijn jeugd tekende en schilderde ik graag. Een opleiding reclametekenen kreeg – wegens andere richting – geen praktisch vervolg. Pas op latere leeftijd heb ik met veel plezier het penseel weer opgepakt.

Ik schilder soms met olieverf maar meestal met acrylverf op doek en exposeer regelmatig.

In ons landschap is onuitputtelijk veel moois te zien. Ik schilder daarom veel natuur gelinkte onderwerpen waarbij momenteel bomen een hoofdrol spelen.

Waarom bomen? Zie het als een eerbetoon. Bomen geven structuur en sfeer aan ons landschap. Ze zijn letterlijk en figuurlijk onze zuurstof. We kunnen niet zonder. Bomen inspireren mij vanwege hun eigen ‘karakter’, waarin ik wil doordringen.

Statige bomen, krachtpatsers, losers, vrolijke, laconieke en bomen die met alle winden meewaaien etc… worden benadrukt in hun vorm.

Mijn schilderijen hebben veelal krachtige lijnen en zijn een geabstraheerd – soms gestileerd – commentaar op de werkelijkheid, met als doel de sfeer van een bepaald (bomen-) landschap te treffen. Lijnen, composities en kleuren zorgen voor de herkenbaarheid van mijn werk. Ik hou van kunst met een duidelijk ‘eigen handschrift’ en probeer dat ook na te streven.

Rineke Hollemans

Rineke Hollemans ( Uitgeest 1950 ) volgde aan de Academie Minerva te Groningen de opleiding grafiek, schilderen en ruimtelijke vormgeving. Naast grafiek, voornamelijk hout-linosneden maakt ze schilderijen in olieverf of acryl, objecten en ontwerpt ze lampen. 

Onderwerpen: bloemen en landschappen
Haar inspiratiebron is het landschap in Europa of ver daar buiten. 

In haar woonomgeving van Assen is de natuur van Drenthe volop aanwezig met een geschiedenis van duizenden jaren. Regelmatig trekt ze er op uit met een schetsboek om het karakter van de groenlanden, velden of stroomdalen vast te leggen. In dit afwisselende landschap met een mozaïk van kleine bosjes, zandduinen, graslanden en heidevelden vindt ze o.a. haar inspiratie. In haar atelier worden de schetsen verder uitgewerkt. Eerst wordt er begonnen met een paar aquarellen of een snelle schets in acrylverf op groot formaat om te onderzoeken waar en hoe een houtsnede gemaakt kan worden. Ofwel er ontstaat eerst een reeks schilderijen in olieverf, zodat het onderwerp van alle kanten bekeken kan worden. Pas dan wordt er een mooi stuk hout gezaagd in het gewenste formaat passend bij het onderwerp: van 10x10cm. tot 100×100 cm., lang en smal 10×60 cm., vierkant 30×30 cm. tot 60×70 cm. Er moet een uitdaging zijn, een bepaalde moeilijkheid die overwonnen moet worden. Een houtsnede maken vereist een grote inzet om het weerbarstige hout iets te laten vertellen over het onderwerp.

Het werk wordt in kleine oplage gedrukt in eigen atelier. Naast hout worden er andere materialen gebruikt, zoals perspex, karton of textiel. Een houtsnede wordt meestal uitgevoerd in de zgn. “legkaart” techniek. Hierbij wordt gebruik gemaakt van één plaat hout, die net als bij een legpuzzel in verschillende stukken wordt gezaagd. Zo kan er met verschillende kleuren tegelijk afgedrukt worden. 

Lid van en medeoprichter van Grafiek vereniging “Holt” Vereniging der Noordelijke Hoogdrukkers

Lid van “DSG” Drents Schilders Genootschap

Deelnemers groepsexpositie vanaf 8 augustus

Gemma Smit

Binnen het essentialisme van De Stijl en het colorisme vindt Gemma de inspiratie om haar proces vorm te geven waardoor iedereen de ruimte krijgt vanuit eigen creativiteit de beleving van haar kunst te ervaren.

Erwin Houssin

Erwin laat zien dat geblazen glasobjecten spelen met licht, transparantie en kleuren.

De drippings zijn een spel van verbuigen, opwarmen en afkoelen,

kleuren van glas tot ze de juiste vorm aannemen.

Michel Verhoef

Het fotowerk van Michel komt in de basis tot stand op straat of in de openbare ruimte, het onderwerp zijn spontane gedragingen in relatie tot die ruimte en tussen mensen onderling waar dan ook in onze wereld.

De vastgelegde momenten zijn zogenaamde ‘beslissende momenten’, uitgevonden door de beroemde fotograaf Henri Cartier Bresson, waarbij de menselijke gedragingen in de basis universeel zijn.

Claudia Eikendal

Papier in al zijn veelzijdigheid. Gekocht, verzameld, maar het liefst zelf gemaakt, samen gevormd tot een nieuw geheel.

Teun Renes

Na jaren lid te zijn geweest van de Liga Nieuwe Beelden te Amsterdam blijft Teun zoekende naar nieuwe uitingen, vormen, materialen om zijn ideeën tot uiting te brengen.

Ali Kleinhuis

Lyrisch-abstract-materie schilderen

Voor Ali is schilderen een samensmelting van materie en verf waarbij niets is wat het lijkt en……. niets blijft wat het was.

Karla Kassenaar

De “Binnenkant” en “Buitenkant” van ons mensen, is wat Karla wil laten zien.

Dit levert totaal verschillende emoties en beelden op. 

Trudy Dales

De figuurtjes van Trudy gaan een eigen dialoog aan met het silhouet van de mens.

Zij komen voort uit de essentie van de mens in zijn vormen taal zoals klimmend, dansend of een zittend figuur.

Hanneke Naterop

Hanneke Naterop schildert figuratief, meestal mensen en een enkele keer landschap of dieren. Ze is voordurend bezig met de vraag hoe de complexiteit van wat ze waarneemt in verf en soms in krijt neer te zetten. De tonen, de beweging, de ruimte de huid de kleur en vooral ook het licht. Hanneke’s werk neemt je mee naar een mysterieuze intieme sfeer waar mensen ritmisch opkomen en verdwijnen in hun omgeving.

“Ik ben in mijn portret-schilderen op zoek naar de gelijkenis zoals ik die ervaar en dat gaat niet alleen over de buitenkant. Al schilderend zie ik hoe de persoon naar voren komt en toets dat aan het beeld wat ik heb. De omgeving in het schilderij gebruik ik om het portret nog verder te versterken”

Marlies Geldof

Marlies Geldof is an artist with a large fascination for bright earth tones, gradients, organic shapes, but also geometry and the human body. 

After exploring different paths in her life, the passion for art and the power of creation proved stronger than anything else. Art has always been a prominent element in her life. Therefore she devoted her life to making various art forms containing resin, crackle, organic structures, the contrasts between those structures and geometry.

Because of her experimental way of creating the artworks keep transforming. That keeps them inspirational to make and keep intriguing the admirer and herself. 

Quote by Marlies: ‘Making art is a lifelong process”

Annette Defoort

I build up the sculpture from the inside. I try to treat the clay as seldom as possible from the outside. My sculptures are archetypes of people and animals.

Every impression of perfection is consciously avoided; the rough, the unpolished, the non-planned and the non-charming is maintained throughout the whole work.

Spontaneity takes control of the process so that the sculpture builds itself without much interfering by myself.

Dimitri Casters

Dimitri Casters heeft zich expressief weten te uiten als een gedreven kunstenaar. De opgedane indrukken of beelden en gebeurtenissen uit het dagelijks leven, die hem hebben geraakt, worden op een eerlijke en sfeervolle manier in beeld gezet. Aanvankelijk beperkte hij zich inhoudelijk tot realistische portretten en surrealistische werken.. Al zoekend naar de perfectie om zijn gedachtengoed beeldend te verwoorden, kregen we van hem een reeks abstracte doeken te zien. Hierin kreeg de lijnvorming en de opbouw van intimistische ingekleurde vlakken een centrale plaats. Vaak trof men in deze werken suggestieve verwijzingen naar de figuratie. 

Het (…) oeuvre van Dimitri Casters is het meest verwant met het abstract expressionisme. Met contrastrijke composities, ritmisch opgebouwd en verrijkt met frisse kleuren, groeit zijn werk uit naar een verrassende beeldvorming die de kijker bekoort. Bovendien slaagt de kunstenaar erin om met suggestieve elementen en gestalten zijn verbondenheid met de medemens en zijn cosmos in beeld te brengen. Het is alsof hij een strijd levert met het leven, maar dan wel met een mistieke benadering van het gegeven. Gebruik makend van een beredeneerde symboliek en een rustgevend evenwicht tussen het zijn en de emotie, weet hij fascinerend uit te pakken. Het geheel oogt als een kleurrijke compositie die als het ware verhalend refereert naar de werkelijkheid om ons heen. Zijn geeigend kleurgebruik, in al zijn schakeringen, weerspiegelt zijn gevoelens van het moment. Elke compositie vertoont een heldere aanzet, vaak doorbroken met een geaccentueerde streep alsof hij worstelt met een onaangename ervaring. De spanning in de opbouw neigt naar speels optimisme. Bovendien slaagt hij erin om het geheel sfeervol om te toveren zodat de kijker er zijn eigen dromen kan bij aan te vullen. Zijn gepassioneerde creativiteitszin draagt een lyrische boodschap uit. Op een spontane wijze geeft Dimitri Casters uiting van zijn zielsverbondenheid en geestelijke verwantschap met het leven. Deze filosofische onderliggende gedachte wordt op een aangrijpende manier beeldend verwoord. Elementen worden harmonisch op doek uitgewerkt, waardoor de kunstenaar op een humaan spirituele manier zijn impressies prijsgeeft. Krachtig van vorm en met een symfonie van kleuren weet hij elke kijker te ontroeren.

Debby de Jong

Ik bevind mij graag in de levende natuur, wat mij inspiratie geeft om speelse keramische objecten te maken van vogels, dieren maar ook abstracte organische vormen. 

Voor het stoken maak gebruik van de elektrische keramiekoven maar ook de aardse, traditionele manier van Raku stoken trekt. De hitte, de vlammen, de rook en geur. 

Het woord Raku betekent zoveel als vreugde en geluk, precies wat het werken met klei mij geeft.

Suco Sarkinovic

Suco Sarkinovic completed his art studies in the former Yugoslavia. Since then Suco has worked on impressive works of art, often

inspired by history, philosophy and religion. Humanism and the Renaissance have a major influence on his work in particular. Sometimes, there is time for a beautiful drawing, often of a good friend or acquaintance.

Sonja Roosenhart

Passie voor kunst

Vanaf het moment dat ik een penseel in mijn handen gedrukt kreeg, wist ik het: ik had mijn passie gevonden. Ondertussen ben ik vele schilderijen verder en blijf ik mezelf ontwikkelen. Ik vind het schilderen van dieren en stillevens heerlijk, maar portretten zijn ook fantastisch om te doen. Gelukkig hoef ik niet te kiezen.

In mijn werk ben ik niet op zoek naar perfectie, maar naar emotie. Het mooiste compliment dat je me kan geven is dan ook dat een schilderij iets in je losmaakt, dan heb ik pas het goed gedaan.

John Striegel


Striegel (1958) is beeldenmaker, docent en inrichter van exposities. Sinds zijn opleiding docent Kunst en Cultuur is hij geïnteresseerd in het werken met hout. Hij begint met het maken van zelf ontworpen meubels. Pas later gaat hij aan de gang met beeldhouwen.

Voor zijn beelden gebruikt hij voornamelijk fruitbomen- en wilgenhout, waarbij vaak de oorspronkelijke, natuurlijke vorm van het hout als uitgangspunt dient.

Bij de ‘muzikanten’ probeert John, veelal op kubistische wijze, de expressie, de gevoeligheid en het enthousiasme van de muzikant te laten zien, zodat je de muzikant ziet spelen en de muziek als het ware hoort. 

Mainkunstenaars


Why being creative works best when working together – The power of two.’

There they are, in their studio, covered by aprons and welding jackets, welding masks, welder’s goggles and earmuffs, bending over steel.

Particles of dust and sparks of light everywhere. The cold, hard, raw and rigid material is being transformed into a form, a sculpture. When ready it’s not just a sculpture hanging on the wall.

It comes towards you, supported by the ever-changing play of shadow and light.
Here they are creating, thinking, discussing, adjusting, cursing, sawing, laughing, welding and wondering. Their sense of humour is ever-present.

Small pieces of steel get connected to become a story, a figure, a sculpture, a portrait. Sometimes commissioned, sometimes free form.

For them, every work is a new opportunity to rediscover the material, to find new techniques and different angles. Always exploring new possibilities, based on not knowing, never playing safe.

Ien Sluyters (1973) and Marjon Deul (1966) are artist duo Mainkunstenaars. Both educated at the Art Academy in Arendonk (Belgium). During their education they learned that there is power in their collaboration and partnership. They discovered the power of the pair. They create sculptures (of steel or clay) and assembled art. Their work is displayed in several galleries.

Nanon Morsink


Nanon calls herself a mixed media artist because she works with many different materials and techniques. However, lately she has mainly been working with textile materials. She paints on pre-printed fabrics, sometimes uses embroidery on them and knits objects.
‘Woman’ is the most recent theme in Nanon’s work. She makes many portraits of women, not so much to represent them as realistically as possible, but to give a kind of reflection of ‘the woman’. Nanon: “Maybe I am all those portraits together myself?”

Characteristic of all work is that there always seems to be something in between the spectator and the depicted. There is always a layer in between so that the depicted is never completely visible, it does not expose itself completely. But therefore, the spectator can never be fully perceived from the point of view of the person portrayed. It’s a kind of conversation between the two of them; there remain mutual secrets, built-in security, own interpretations, etc.
Sometimes, such an intermediate layer is a painted layer with a pattern from the background that has been painted back over the foreground image. Sometimes, Nanon embroíders this background pattern over the painted image. And in the case of the knitted objects, there is often a covered face with no facial features visible.
The women depicted are always strong characters who often look at you frontally behind their ‘voile’, but at the same time they have a kind of vulnerability.

Nanon is from The Netherlands, but since 2017 she is working in Spain where she currently lives. She regularly exhibits in Spain, The Netherlands and beyond. In September 2019, her work was shown at the World Textile Biennial in Madrid where she was awarded with the second price for ‘Photography Textile Art’, and she recently exhibited in Chicago, Illinois.

Jaar Exposanten 2021

Pauline Luiten


Ik ben een laatbloeier. Pas halverwege de veertig kwam ik via een vriendin terecht op de kunstacademie in Maas-Mechelen. Na 25 jaar horeca wist ik het meteen: hiér ben ik op mijn plek, hier kan ik doen wat ik écht graag wil.

Op de academie leerde ik om door middel van tekenen en vormgeven mijn overtuigingen en bijbehorende emoties in beeld te brengen. Als mensen vroegen ’Wat is het verhaal achter deze tekening?’ dacht ik altijd, er is geen verhaal, ik vind het gewoon een mooi plaatje. Gaandeweg kwam ik er achter dat er wel degelijk verhaal in mijn beelden zat, mijn verhaal. Het voelde enorm bevrijdend om eindelijk beeld te kunnen geven aan mijn gedachten en emoties.

Ik weet nu dat beelden kunnen versterken. Of dat nu een artikel, een boek, een levensverhaal, een mededeling of lesmateriaal is. De lezer kan zich door een afbeelding meer verbonden voelen met de kern van het verhaal. Ik word er heel blij van om dat te mogen doen.

Mag ik jouw verhaal laten zien?

Willem Rasing


”Script for a jester’s tear” is de titel van mijn serie
olieverfwerken hier in Micksart. Een liefdesgedicht van rockband Marillion, geschreven door zanger Fish. Na 50 jaar niet meer met olieverf te hebben gewerkt vanwege het moeilijke karakter van dit materiaal besloot ik het toch weer eens te gaan proberen voor mijn geplande expositie in 2018 in Amsterdam. Helaas kreeg ik eind 2017 een ernstig herseninfarct die mij linkszijdig totaal verlamd maakte.
Balancerend op 1 been met tussendoor veel rustpauzes was het een principekwestie, therapie en uitdaging deze expositie doorgang te laten vinden. Hetgeen ook lukte.

ArtspaceArtX

Vanaf jonge leeftijd ben ik al geïnteresseerd in kunst. Deze passie is tot uiting gekomen in schilderen, muziek en focust zich nu op digitale collage kunst. Online ben ik bekend als ArtspaceArtx, waar het dynamische platform Instagram het medium is om mijn kunst te delen met de wereld .

 De kunstwerken starten met een globaal idee, een visie of droombeeld dat inspiratie vindt in de natuur, het heelal en onze moderne samenleving. Deze ideeën mengen zich tot een toegankelijk totaalbeeld, omringd door surrealisme. Het nodigt de kijker uit om te dromen, om de grenzen tussen fictie en realiteit om te buigen en nieuwe werelden te betreden.

Door te spelen met kleurgebruik, perspectief en compositie wordt de kijker uitgedaagd en ontstaat er een unieke kijk op de kunst.

Door kunst heb ik connecties kunnen vormen over de hele wereld. Door samenwerkingen prikkel ik mijzelf om nieuwe perspectieven te werpen op mijn kunst en altijd te blijven evolueren.

Ik nodig u graag uit voor een bezoek in mijn werelden.

Georges de Groot

VOOR GEORGES DE GROOT (1974) ZIJN TEKENEN, SCHILDEREN EN BOETSEREN EEN RODE DRAAD IN ZIJN LEVEN.

Door zijn rijke fantasie ontstaan er in zijn schilderijen en beelden eigenzinnige wezens die je laten verwonderen over hun zijn. Ieder werk vertelt zijn eigen verhaal waarin vorm en kleur je doen verrassen. Zijn inspiratie haalt hij uit de dierenwereld en sprookjes, maar ook de Middeleeuwen en de oertijd zijn dankbare onderwerpen. Een leeg doek krijgt van Georges de Groot een achtergrond met structuur wat zijn werk extra diepte en levendigheid geeft. De schilderijen, vol van kleur en expressie, drukken positivisme uit. De beelden van keramiek zijn veelal opgebouwd uit verschillende lagen en bevatten verrassende elementen. De bijzondere wezens van keramiek van Georges de Groot zijn mede hierdoor een genot om te aanschouwen en daardoor erg geliefd bij het publiek.

Gert Jan Slotboom

Gert Jan Slotboom (1957) toont de nieuwste werken uit zijn oeuvre. De kwetsbare, eenzame, vergankelijke mens staat centraal. Slotboom kijkt met compassie en een melancholische blik naar de worsteling die het leven altijd weer blijkt te zijn. De mens voert een innerlijk gevecht tegen zijn eigen pijn, verdriet en angst.

Slotboom toont de naakte mens. Naaktheid is in de geschiedenis van de kunst al vaker gebruikt als metafoor voor de waarheid en kwetsbaarheid. In zijn werk wil hij proberen onze angsten en zwakheden, die we verborgen willen houden voor buitenstaanders, aan de oppervlakte te brengen. ‘In juist die angsten en zwakheden herkennen we onszelf in de zuiverste vorm en daar gaat het om.’

Op levensgrote doeken toont Slotboom de mens in zijn onbeschermde kwetsbaarheid. Eenzaam, melancholisch, pijnlijk. Rauw en zonder opsmuk. De schilderijen zijn confronterend. Het werk roept een beeld op waarin we ook onszelf zouden kunnen herkennen. Individu en toch universeel. 

We worden gewaar wat we werkelijk zijn: tempels van kwetsbaarheid, eenzaamheid en sterfelijkheid.

Verfhuid
Gaandeweg deze serie is de textuur van de verf een belangrijke rol gaan spelen. De verf in combinatie met het thema wordt, als logisch gevolg, rauw opgebracht. Dus er is meer overeenstemming in vorm en verf. De manier waarop verf wordt opgebracht moet op een logische manier ondersteunend zijn. Een bijkomend effect is dat een doek op afstand, door vervloeiing van de toets, een fijne uitstraling krijgt, maar van dichtbij gaat de verfhuid een belangrijke rol spelen bij de beleving van het schilderij.

Patty Albersberg

Patty Aalbersberg (1959): Naast het schilderen van portretten en figuren ben ik sinds enige tijd  bezig met een serie schilderijen waarin het menselijk naakt een grote rol speelt. Met gebruik van reliëf door verschillende materialen, in samenspel met aardse tinten, werk ik aan een achtergrond waar het lichaam een onderdeel van wordt.. Het abstracte en figuratieve ontmoeten elkaar en geven mijn werk een dynamiek die bepalend is voor het sfeerbeeld: prachtig, sensueel, kwetsbaar maar toch sterk, volop in beweging of juist heel verstild en sereen.

Tinus D.

is autodidact en vanuit zijn eerste expositie Trash & Treasure geheten in 1997 heeft hij onafgebroken gewerkt aan een eigen stijl. Hij is zeer betrokken bij natuur en milieu en daarin ligt de reden dat hij van spullen en materiaal dat is weggegooid of is afgedankt zijn kunst is gaan maken en dat tot op de dag van vandaag nog steeds zo doet.
Naast het creëren van sculpturen en installaties ontwerpt hij ook diverse mode accessoires zoals spectaculaire kronen, zonnebrillen van onder andere meccano en diverse designer handtasjes met led verlichting. Hiermee heeft hij prijzen gewonnen onder andere tijdens het filmfestival in Cannes in 2010, 2011 en 2012.
Ook komen de vrouwelijke vormen op allerlei manieren terug in zijn werk, bijvoorbeeld de bekende ritsen vrouwen in verschillende kleuren en poses en de metalen body’s. 
Daarnaast maken de engelenvleugels een belangrijk deel uit van zijn werk. Ze worden gemaakt van metaal, kunststof, glas en licht. Tinus vindt steeds een nieuwe manier  om met verschillende technieken een volmaakt geheel te bereiken.

Ferdi de Bruijn

Altijd lastig om iets over jezelf te vertellen, maar …. ik ontwerp en produceer al ruim 25 jaar diverse woonaccessoires, zoals klokken en sfeerlampen in mijn atelier in Dronten. Naast het gebruik van verschillende productietechnieken zoals flatbed printing, frezen, laseren, warm buigen, zagen en 3D-printen ben ik in 2003 ook gestart met een lang gekoesterde wens om ook te gaan schilderen. Ik gebruik acrylverf op hoogwaardig kunststof.

Mijn drive als autodidact kunstenaar is dat ik aan dagelijkse gebruiksvoorwerpen een extra dimensie toevoeg. Bijvoorbeeld een sfeerlamp is overdag al een mooi kunstobject, maar ’s avonds heeft het een totaal andere uitstraling.
Kortom: functionele kunst made in Holland met als extra dat ieder object UNIEK is!

Heeft u specifieke wensen laat mij dit dan weten.
Natuurlijk kunt u (op afspraak) ook mijn atelier bezoeken.
Dus laat u verrassen!

Annie Sturing

ANNIGJE (1961) tassen is een label dat bijna haar 10e verjaardag viert. De eerste tas heb ik gemaakt naar aanleiding van een droom. Ergens tussen slapen en ontwaken was er een helder beeld ontstaan van de tas die ik ging maken. Inmiddels zijn er vele ANNIGJE’s in gebruik over de hele wereld. De tassen zijn altijd unica’s en kenmerken zich door enthousiast kleur gebruik en eigenwijs design. ANNIGJE is  vaste Exposant bij Micksart Collectief.

Samen geven we vorm aan het MI&ANN label: Art Jackets en zijn we creatief ondernemer.