Groepsexpositie 9 oktober 2022 tot en met 4 december 2022

Deelnemers Groepsexpositie 9 oktober tot en met 4 december 2022

Mariëlle Vroemen

Creëren staat centraal in mijn leven. Al van jongs af ben ik geboeid door tekenen en met mijn handen bezig zijn met allerlei materialen. In mijn werkzame leven richtte ik me op psychische hulpverlening aan kinderen, gezinnen en volwassenen. In 2020 heb ik de opleiding aan de kunstacademie in Genk met richting beeldhouwen en ruimtelijke vorming afgerond. Al deze ervaringen en mijn voorliefde voor natuur werken door in mijn manier van kijken en vormgeving. Na allerlei omzwervingen ben ik weer teruggekeerd naar mijn Brabantse roots, waar ik de rust vind mijn creatieve uitdagingen verder te ontwikkelen.

Leon Strous

Dutch ceramist born in Swalmen, The Netherlands.

Can not remember himself differently from his childhood than he was busy drawing. About 25 years ago, he became fascinated in ceramic sculptures. He felt the urge to go to work in three dimensions. 

He makes daily farts on little sticky notes from own observation or appropriate newspaper photos, humorous snapshots and fantasies: the man on the street and his facial expressions, shapes, absurdities and attitudes. It is necessary that a certain joke value is present and there is movement visible in the form. 

Leon prefers working with fine clay, so as detailed as possible to be able to work out the shapes.  His sculptures have, as it were individuals themselves with an appearance and emotion, balancing on the area between reality and abstraction with humor. 

When the possibility of a private studio arose, his concentration on ceramics was only bigger and more intense. He currently has a private gallery and studio in Amsterdam where he now lives and works.  

In 2012 he competed for the Netherlands in an international workshop organized by the World Art Games to Vukovar in Croatia. In 2015 winner of the gold medal for ceramics at the WAG, Bratislava, Slovakia.

Betty Paanakker

Mijn vader heeft na de oorlog de afdeling Edelsmeden Academie Maastricht opgericht. Hij was daar zeer intensief mee bezig, thuis was ook Academie. Vakantie in Frankrijk, dat waren zoektochten naar een klein Etruskisch beeldje of een Luristan bronsje, het ging over de Eufraat en de Tigris, Mesopotamia en waar is voor de eerste keer brons gegoten en veel meer.

Vaak ging ik mee naar de Academie, het rook daar lekker naar vuur en andere spannende zaken, pek bijvoorbeeld. Maar ik wou geen kunstenaar worden, ik wilde iets normaals doen. Het liep anders, mijn moeder, de stabiele factor, werd ziek en stierf veel te jong. Ik ging vanaf toen mee naar de Academie, het was te moeilijk niet het edelsmeden, maar de mensen.

Na de Academie heb ik heel lang niet gewerkt, ik kreeg kinderen (eindelijk iets normaals). Toen de kinderen de deur uit waren ben ik gaan werken in de Bronsgieterij Sijen (een leerling van mijn vader). Na jaren werken voor andere beeldhouwers kreeg ik steeds meer de behoefte om weer voor mezelf iets te maken. En nu ben ik steeds verbaasd dat ik maak wat ik maak. Er is toch iets ingestopt wat er nu alsmaar uitkomt. Ik heb veel gekeken en gezien.

Opleiding: Academie Beeldende Kunsten Maastricht afd. Edelsmeden 1963-1968

Reinier van den Berg

Woont en werkt in Aduard (Groningen)
Geboren in 1959 te Maastricht
Opleiding aan de ABK Minerva te Groningen (1979-1984)
Sinds 2007 lid van de Groninger Kunstkring De Ploeg
Sinds 2018 lid van Noordgangers

Ik maak schilderijen, zagerijen, objecten, houtsneden en zeef­drukken. Veelal vrij werk en met enige regel­maat op­drachten. Mijn werk kenmerkt zich door een eigen, zeer her­kenbare vormen­taal.

Bij mijn schilderijen bepaalt de afbeelding veelal de vorm van de rand van het werk. Er ontbreekt dus een tra­ditionele lijst. Schilder­kunst en beeld­houw­kunst worden op deze manier met elkaar verweven.

Ik maak series gekoppeld aan een thema. In elke serie zoek ik naar het spannings­veld tussen traditie en ver­nieuwing en tussen het luchtige en het be­commen­tariërende. Het heeft een verhaal te vertellen, maar geeft dat niet meteen prijs.

Tibo van de Zand

Tibo van de Zand (1985) is een Nederlandse kunstschilder. Als zoon van de bekende kunstenaar Jits Bakker (1937-2014) werd hij al jong geïntroduceerd in de wereld van de beeldende kunst. Geheel in de voetsporen van zijn vader en altijd onder zijn hoede, begon hij rond zijn zesde levensjaar en plein air te schilderen in binnen- en buitenland. Hij vervolgde zijn artistieke carrière aan de Kunstacademie in Utrecht, waar hij in 2009 cum laude afstudeerde.

Jits Bakker en zoon Tibo hielden samen ateliers in het zonnige Andalusië en de woeste Belgische Ardennen. De glooiende, kleurrijke Zuid-Spaanse landschappen vormen nog steeds een grote inspiratiebron voor van de Zand. De kunstschilder heeft een atelier in de buurt van Málaga, maar is veel vaker buiten te vinden in de Mediterrane natuur. Net als zijn vader beschouwt Tibo de buitenwereld als zijn grootste en meest inspirerende atelier. Tussen de olijfbomen onder de Spaanse zon of langs de Nederlandse grachten zet de kunstschilder de waarneembare werkelijkheid naar zijn eigen hand. Dit doet hij door middel van enthousiast kleurgebruik en dynamische streken. Met zijn fauvistische stijl werkt hij in het verlengde van de grote expressionisten uit de vroege twintigste eeuw. Daar tegenover staan de karakteristieke zwart-wit werken, waarbij de kunst van het weglaten wordt toegepast door de kunstenaar.

Van jongs af aan maakt hij studiereizen om de grote meesters van de moderne schilderkunst te aanschouwen, waaronder Albert Marquet, Henri Matisse en Kees van Dongen. Maar ook het werk van Vincent van Gogh, Jan Sluiters en Raoul Dufy spreekt hem aan.

Jits Bakker en zoon Tibo werkten als artistiek duo ook samen in het monumentale atelier ‘de kooi’ in De Bilt. Tibo is hier nog steeds dagelijks te vinden terwijl hij bezig is met zijn eigen werk en tegelijkertijd het veelomvattende oeuvre van zijn vader beheert in de hoedanigheid van voorzitter van de Stichting Jits Bakker Collectie.

Het werk van Tibo is geëxposeerd in musea en galerieën in binnen- en buitenland en opgenomen in diverse collecties.

Eva Ouden Ampsen

Eva Ouden Ampsen is beeldend kunstenaar, ze woont en werkt in een voormalige pastorie gelegen in het Groninger Westerkwartier. Haar werk is zeer gevarieerd, in zowel techniek, materiaal en vorm.
Het vrouwenportret is een steeds terugkerend thema en een grote inspiratiebron. Evenals de geisha, waardoor een deel van haar creaties een oosterse uitstraling krijgt.

Kenmerkend in haar werk is haar unieke decoratietechniek: gedetailleerd, kleurrijk en fantasievol.
Om haar ideeën te verwezenlijken gebruikt ze brons, hout, klei, karton en papier.

Haar werk uit zich in vele vormen, zoals vazen, schalen, halssieraden, tasjes  en beelden. Daarnaast maakt ze ook schilderijen van honderden stukjes gescheurd papier en portretten in pastelkrijt.
Ze is aangesloten bij kunstenaarscollectief Open Ateliers Westerkwartier

Sjang Niederwieser

Sjang Niederwieser (1988) designer & maker with a passion for materials and techniques and combining them to create objects and products. A fusion of design, art, craftsmanship and technology.

Sjang loves to create with his hands but also let machines do the work for him. Finding the right balance between machinery, craftsmanship, and using only the best materials results in unique, functional and beautiful objects d`art.

Academy of fine Arts en Design 2020

Marten van Holten

Geboren in 1958 te Amsterdam. 
Marten woont in Winschoten tussen de polders van het Noorderland. 
Na enkele jaren bezig geweest te zijn met muziek en conceptuele projecten begon Marten met schilderen. Zijn inspiratie is de enorme weidsheid van het noorden en de wadden. Zijn werk laat de stilte zien die je kunt ervaren als je “in the middle of nowhere” staat. 

Als je in het “niets” staat, met de horizon aan alle kanten, dan voel je jezelf pas verbonden met de natuur, met de plaats waar je bent.
De stilte blijft dan niet beperkt tot je oren.

Marten is naast het schilderen een filmmaker van documentaire- en speelfilms. Ook in zijn films laat hij de rust zien die je kunt ervaren als alles wat langzamer gaat, wat stiller is.

Christine Vanhove

Waarom…
De eerste keer klei in de kleuterklas…
Wat een openbaring..
Meteen wist ik dat dit iets voor het leven was!
Toen werd het een hobby, dan een passie en nu is het een noodzaak,
geen dag zonder klei!
Ik hou van de uitdaging van werken met klei,
het eindeloos bijleren.
Dit is mijn manier om te creëren, om uit te drukken,
om gevoelens tastbaar te maken.
Het spel tussen perfectie en imperfectie.
De verwarring van gevoelens…

Elise Eekhout

Tijdens haar studie aan de kunstacademie in Breda startte Elise haar grafisch ontwerpbureau 2 MAAL EE. In 2020 besloot ze zich meer te gaan richten op beeldende kunst.

Letters en teksten zijn altijd al een bron van inspiratie en verwondering geweest voor Elise: als je erover nadenkt is tekst niets anders dan een reeks tekens op een rij, waaraan we betekenissen hebben toegekend.

Elise combineert deze fascinatie met de droomwerelden die ze in haar kunst creëert. Beeld en tekst zijn vaak met elkaar verweven waardoor een interessante symbiose ontstaat. Haar schilderijen vertellen verhalen die niet ‘af’ zijn. Hierdoor word je uitgenodigd om je eigen fantasie en verbeeldingskracht te gebruiken.

Vorige zomer hing haar werk op meerdere exposities in India. Afgelopen winter diende één van haar kunstwerken als inspiratiebron voor een symfonie van Margin Alexander, een in New York City gevestigde componist en pianist.

Elise maakt ook werk in opdracht.

www.EliseEekhout.nl

www.instagram.com/EliseEekhoutArt

MÅLERÅS

HANDGEMAAKT IN ZWEDEN

De creatieve kracht die je aantreft in Målerås heeft ons kristal beroemd gemaakt over de hele wereld. Bekwame glasblazers, schilders, slijpers en graveurs hebben hun liefde in elk product gestopt. Al in 1890 begonnen onze voorouders glas te blazen in Målerås. Al meer dan 125 jaar ontwerpt en produceert de glasfabriek kristal, dat zijn eigenaren over de hele wereld heeft gevonden. De ambitie van Målerås Glassworks is om de unieke kennis te behouden en met enthousiasme en vrije verbeelding het Zweedse kristal te vernieuwen.

Zie ook onze webshop.

Elly Richaerts

Mijn schildersleven is nog maar kort.
Na 40 jaar in het onderwijs gewerkt te hebben en het pensioen eraan kwam, begon voor mij een tweede leven in het atelier.

Tijdens mijn werkzaam leven in het basisonderwijs was het ontwikkelen van creatieve vaardigheden bij kinderen mijn passie.
Voor mijn eigen ontwikkeling in de schilderkunst volgde ik jaren lang, in mijn vrije tijd, teken- en schilderlessen aan de vrije academie alsook bij verschillende kunstenaars. Schilderen is altijd wel een deel van mijn leven geweest.

Tussendoor hield ik me ook bezig met portretfotografie van mensen uit andere culturen dan de Westerse.Die hobby was en is nog steeds een drive om over de wereld te reizen.

Nu ik al weer een aantal jaren het klaslokaal verwisseld heb voor een atelier is schilderen mijn grootste passie geworden; mijn dagelijks werk.

Matthias van Olst

Als kind ben ik opgegroeid in de glasstudio van mijn vader, Cees van Olst (1947-2014). Zodoende mag ik mijzelf een 2e generatie glasblazer noemen.

Doordat ik het vak van jongs af aan mee kreeg heb ik alle facetten van het glas doorlopen, van het werk aan de brander, brandschilderen tot aan het studio glas. Dat laatste is waar ik mij helemaal in kan vinden.

Een fascinerend materiaal, met oude technieken, vele toepassingen en constante vernieuwing in verschijningsvorm maakt glas erg uitdagend om mee te werken. Temperaturen van 1100 tot 1300 graden. Alle mogelijke kleurcombinaties van opaak tot transparant, optische werking en ga zo maar door. Glas is eindeloos.

Door mijn vele bezoeken aan vele glasgebieden in Europa en interesse in de geschiedenis van het vak ben ik voortdurend in contact met collegae over de ontwikkeling van het ambacht en het behoud van kennis.

In een deel van mijn eigen werk probeer ik zoveel mogelijk solo te werken. Werken zonder assistent daagt mij uit om nieuwe combinaties van technieken en workflow te vinden om een nieuwe collectie te creëren. Binnenkort is deze collectie getiteld “SOLO1” beschikbaar voor tentoonstellingen en galerieën. (2022)

Tot mijn vreugde ontving ik in 2021 een beurs van het Fonds Cultuurparticipatie voor mijn project: “The road to Mastery”. Hierdoor kan ik mijn vakmanschap uitbreiden door samen met andere kunstenaars te studeren.

In juli 2021 werd ik uitgenodigd voor de Grimnitzer Glastage bij Berlijn. Dit 6-daagse festival in een gemoedelijke sfeer met glasblazers uit Duitsland die aan het werk zijn en hun werken tonen. Uitwisseling van technieken en kennis om nieuwe stukken te creëren.

Daarnaast nam ik deel aan de tafelgesprekken van het Ministerie van OCW over “de innovatieve kracht van ambachten, vakmanschap en ontwerp” in 2021.

Ik heb als glasblazer gewerkt in:
Glasmuseum “De Spiraal” – Diever
Glasmuseum Hoogeveen – 1995 – 2000
Van Tetterode (freelance) – 2008
Hotmarks Glas Orvelte (freelance) – 2008
Hotmarks Glas Ootmarsum (freelance) – 2018
Glasmuseum Leerdam – 2019 – heden
Grimnitz Glastage – juli 2021

Sinds 2019 werk ik als vaste freelancer in de studio van het Nationaal Glasmuseum Leerdam waar ik de kans krijg om samen te werken met enkele van Nederlands grootste glaskunstenaars. Mijn eigen museumlijn, exclusief gemaakt voor het museum, wordt verkocht in de museumwinkel.

Al mijn eigen werk is te vinden in winkels en galerieën door heel Nederland en/of te bestellen via deze site.
Matthias werkt ook als muzikant in zijn:
www.oldferrymusicstudio.com

Anja Lensen

Geboren als boerendochter in 1964 te Oudorp (Noord-Holland) .
In 1987 studeerde ik af aan de Koninklijke Academie van Beeldende Kunsten in Den Haag.
Daarna heb ik al vrij snel 2 kinderen gekregen waardoor de kunst even op een laag pitje kwam.
Gaandeweg bleef ik wel steeds tekeningen maken en steeds vaker muurschilderingen en marmerimitaties in opdracht.
Ondertussen volgde ik ook verschillende spirituele cursussen waardoor ik o.a geinteresseerd raakte in het schilderen en tekenen van Mandala’s en Auratekeningen.

Omdat ik naast mijn passie voor het schilderen en tekenen mij ook graag onder de mensen bevind, geef ik passioneel mijn ervaring door aan kinderen en volwassenen in verschillende workshops en cursussen in mijn atelier te Leimuiden (Zuid-Holland) en op locatie.

Jan Verschueren

Jan Verschueren toont zijn schrootbeelden, maar ook wandobjecten. Er wordt weer druk geklommen, gereden, gevaren en samengewerkt door zijn typische mannetjes met de kopjes en handen van terra cotta. Tevens zijn er de grotere staande machthebbers; profeten of koningen, die zich onderscheiden door hun inventieve gewaden en hoofdtooien.

Altijd statig en frontaal, met een staf in de hand of met enigmatische handgebaren. Er zijn werken, vooral die van ontmoetingen en beklimmingen, waarbij de gebeurtenis ondersteund wordt door een gestileerde, simpele belijning van gelast metaal. Daarentegen zijn de voertuigen – auto’s, boten, tanks, tractors – wonderen van barokke fantasie en inventie, volgestouwd als ze zijn met objects trouvés van allerlei origine die een symbolische betekenis aannemen. Verschueren’s titels zijn geestig en dragen altijd bij aan het nauwkeuriger zoeken en vinden van al de elementen waaruit de persoonlijkheid van het beeld is opgebouwd.

De muurobjecten ‘Vazen en Blazen’, zijn uitgesneden uit metaalplaat en gekleurd door roest, corrosie, witte verf en laswerk. Vuur en verf. Patronen en Romeinse cijfers zijn met de snijbrander als perforaties in het metaal aangebracht. Het dieprode roest tegen het matte, korrelige wit en het olie-achtige blauw van de snijlijnen vormen een rijk palet. De werken zijn niet plat, vazen overlappen elkaar, andere hebben een lichte welving. Ook hier is het verrassend hoeveel Verschueren uit zijn materiaal haalt. De vazen hebben de vormen van oer-kruiken, simpel en bol met een eenvoudige schenktuit. De vorm van de blazen komt enigszins overeen met die van de vazen, maar er steken dikwijls twee of drie stukjes darm of urineleider uit.

Het is een wonderlijk thema: vazen en blazen. Beide hebben als functie het tijdelijk opslaan van vloeistoffen, de één binnen en de ander buiten het lichaam. Komen ze samen in een serie werken van Verschueren als rijmen in vormentaal en benaming? De Belgische Jan Verschueren is als beeldhouwer/schilder autodidact. Op zijn website staat het gedicht: “HOE”, waarvan de eerste regels luiden: ”Hoe roest mooi kan zijn / Hoe schoonheid kan roesten…”

Jolanda Kieneker

Jolanda Kieneker-Drewes is in 1963 in Uithuizermeeden geboren en opgegroeid in een tijd dat het niet vanzelfsprekend was om een opleiding aan de kunstacademie te volgen. Ze werd doktersassistente, maar was altijd met tekenen en schilderen bezig. Haar vader kon ook prachtig tekenen. Heel graag wilde ze van haar hobby haar beroep maken. Nog maar zo’n acht jaar geleden zette ze de stap en meldde ze zich aan bij de Klassieke Academie voor beeldende kunst in Groningen: ‘Een geweldige opleiding, waar met respect en zonder vooroordeel naar iedereen werd gekeken,’ aldus Jolanda. ‘Ik zou iedereen een studie aan deze academie zeker kunnen aanraden, want de leerling kan hier absoluut zichzelf zijn en wordt gevormd op een manier waar het zijn hele leven wat aan heeft.’ Klinkt dat niet bijbels, christelijk? Jolanda knikt en zegt: ‘Het zou inderdaad prachtig zijn als we in de kerk zo vol liefde en respect met elkaar zouden omgaan.’ En realiseert zich: ‘Dat begint bij jezelf.’

Tamme de Boer (1974)

My work is like an organised confusion. A contrast between movement and standstill, between control and improvisation. It’s a dynamic standstill of time with striking colour combinations, which evokes all kinds of conflicting emotions.

The theme of the paintings is existential. There’s one coördinating line in it which is the ‘the speed of an industrial society’. It depicts the society as a metaphor for the desolate condition of an industrial society.
Every painting to me is a struggle or a fight with the paint, sometimes even an outburst coming straight from my heart living in this materialistic world. The light romances the heavy theme. As a result, the work possesses a complex stratification.

The actual spirit of todays consumer society reflects in my work whether in a romantic way or a controversial way. They are captured in snapshots of paint.

Jessica Lelieveld

Na jaren in de kop van Drenthe te hebben gewoond, ben ik in 2014 verhuisd naar het uiterste noorden van de provincie Groningen. Bossen en zandgronden heb ik achter me gelaten en ben omarmd door ruimte en klei. Ik heb de ruimte in mij laten kruipen, zij is mijn grootste inspiratiebron.
Want ruimte is overal: de horizon, grootse luchten, akkers van elkaar gescheiden door diepe sloten en smalle wegen. De jaargetijden laten zich intens beleven! De ruimte brengt zo hele gedachtestromen op gang. Die omzetten in beelden is een ware uitdaging die ik graag aanga. Lijnen, vlakken, vormherhaling en ritme zet ik in om mijn ideeën te duiden. Ik maak zowel ruimtelijke objecten als wandobjecten. Ik werk graag en veel met klei, maar gebruik ook andere materialen. Momenteel ben ik bezig met een serie wandobjecten van vilt en raku gestookt keramiek. Mijn ruimtelijke werk vraagt naast klei vaak andere materialen als hout, metaal of plastic. Vandaar dat ik mij ‘kunstenaar keramiek en gemengde techniek’ noem.

Cees Vegh

Cees Vegh (1966) heeft in 2009 zijn Master of Art gehaald aan de Universiteit Leiden. Cees woont momenteel in Groningen.

Cees schildert landschappen en meer dan dat. Hij schildert dat wat het landschap in hem losmaakt: verstilde polders, uitgestrekte stranden of een eindeloos stille dijk. Zowel in zijn figuratieve als abstracte werk zijn rust, ruimte en verstilling centrale thema’s. “De landschappen van de Wadden, de kust en de polders hebben voor mij een enorme kracht. Ze zijn eindeloos en tijdloos. Ik voel me er thuis. Het landschap raakt mij en dit wil ik laten zien.”
Cees weet zich in het enorme kunstaanbod te onderscheiden door een geheel eigen stijl en de manier waarop hij ruimtelijkheid verbeeldt en stilte laat zien. Hij schildert de ervaring van het landschap. Hij schildert zijn innerlijke landschap. Zijn figuratieve werk is zeer ingetogen en subtiel, zijn abstracte werk monumentaal en uitbundig. In dat laatste is zijn grafische achtergrond ook duidelijk zichtbaar. In beide uitingsvormen richt hij een ‘monument’ op voor het landschap.
“In ons kleine, drukke landje is stilte een schaars goed geworden. Stilte zoeken vind ik bijzonder waardevol en stilte schilderen een grote uitdaging. Je zou mijn werk ‘a response to noise’ kunnen noemen.”

Sanneke Griepink

Het oog in het landschap

In mijn werk zoek ik naar de verbinding van heden en verleden, binnen
de context van het landschap, en de processen die het landschap
veranderen. Tegelijkertijd verandert licht en klimaat het landschap
voortdurend. Ik beweeg door het veranderende landschap en probeer
eerst alleen een ‘oog’ te zijn.
Hoe verandert de aarde en wat is daarbij onze invloed? Hoe geef ik dit
visueel krachtig weer?
Als kunstenaar ben ik me bewust dat ik via mijn waarnemingen,
vastgelegd in foto’s tekeningen en schilderijen, een doorgeefluik ben
voor andere mensen. Ik maak graag half abstracte, maar toch
herkenbare beelden die een blik werpen buiten het stedelijke leven.
Door het landschap eerst te idealiseren, realiseerde ik me dat mijn
ideaal een vals beeld geeft. Ik ben gaan beseffen dat
klimaatverandering en aantasting van het landschap meer is dan een
nieuwsonderwerp, een werkelijkheid die ik niet kan vermijden als ik het
landschap teken of schilder.
De geleidelijke en abrupte processen van verstoring en verandering die
plaatsvinden in het hedendaagse landschap worden meer en meer het
onderwerp van mijn werk. Ik zoek naar een raakvlak van het tijdelijke en
het eeuwige en wil dit in een beeld vangen.
Ik ben geïnspireerd door kunstenaars waar de mystiek van de aarde
een intern onderdeel van de kunst is, zoals Peter Doig, Per Adolfsen en
Richard Long en Andy Goldsworthy. Deze kunstenaars winnen aan
zeggingskracht door het wonderlijke, en mysterieuze deel uit te laten
maken van hun werk, wat echter niet clichématig wordt.
Het landschap is mijn thema geworden, niet alleen in visuele maar ook
in ecologische zin. Ik wil de geschiedenis van plaatsen zichtbaar maken,
het leven van de mensen die erop wonen, maar ook de pogingen van
herstellen van schade, herstellen in cycli. Ik zoek naar het beeld waar dit
samenkomt. Thema’s zijn: licht; cyclische processen; groei en
vernietiging, vergaan en wederopbouw, erosie. Ik wil het vangen in
kleur, structuren, vorm en beweging.

Antonius Aloysius

Antonius Aloysius


Willem van Oijen

Interested in and accustomed with glass from an early age, Willem van Oijen jr. really started to love working with this amazing and beautiful material while he was receiving his glass art education from his father Willem van Oyen sr. (glass artist – painter – sculptor  since 1947).
All his knowledge, experience and artistry he has passed on to his son, who joined his father in his glass art studio BEVO in 1978.
In 1993 he succeeded his father in managing the studio. He masters the techniques of sandblasting and glass-appliqué.
Recently his interest is also focused on techniques like pâte-de –verre and glass-casting, which create more possibilities towards making 3-dimensional sculptures.

Through light, glass becomes alive. Working with glass, in a way, is working with light.

Merel van Beek

Merel van Beek (1998), is een jonge en excentrieke kunstenaar. In 2017 verkende en verrijkte ze haar artistieke zelf. Na een jaar studeren aan de Kunstacademie koos zij ervoor om op haar eigen manier kunst te maken, geleid door emotie, passie en intuïtie.

Haar atelier bevindt zich in het centrum van Den Haag, waar zij kleurrijke, moderne en fantasierijke schilderijen maakt.

Kunst is voor Merel zowel een vorm van afleiding als een drijvende kracht in haar leven. Passie en emotie komen tot uiting in haar landschappen en stillevens. Diezelfde kracht probeert ze over te brengen op de kijker.

”Het creëren van nieuwe werelden die ontstaan uit ervaringen, gedachten en gevoelens gaat gepaard met een kolossaal gevoel van vrijheid. Deze vrijheid stelde me in staat om de wereld en mijzelf vanuit een ander perspectief te zien. Het is het krachtigste dat ik ooit heb gevoeld.”

Anneke Bloema

Anneke Bloema

An Brzoskowski

Ik ben An Brzoskowski en ben geboren in 1953 in Bakel en de zesde telg uit een gezin van acht kinderen. Al jong was voor mij en al mijn broers en zussen kunst en muziek erg belangrijk. Later verhuisde ik naar Gemert waar ik in 1974 kennis maakte met het Gemerts Atelier en volgde daar een cursus boetseren. Ik specialiseerde me in keramiek beelden van vooral kinderen. Bij een aanvullende cursus leerde ik werken met glazuren en oxides. In 1995 kocht ik zelf een keramiekoven om thuis te kunnen werken. Al mijn vrije uren breng ik sindsdien door in mijn atelier.

De beelden worden na het vormen gedroogd en gebakken. Bij de afwerking maak ik gebruik van oxiden en glazuren. Naar gelang de opbouw van de kleuren nodig is, wordt het beeld nog een of meerdere keren gebakken.

Ik exposeer door het jaar heen in verschillende galerieën en mooie locaties in Nederland. Ook heb ik aan Nationale kunstbeurzen meegedaan.

Mijn inspiratie vind ik in mijn liefde voor de Mens. En in mijn nieuwsgierigheid naar de Bron van ons bestaan. Vooral de puurheid en schoonheid in kinderen daagt mij uit om tot uitdrukking te brengen in mijn beelden.  

Ruben Koerhuis

Ruben Koerhuis (1959) heeft zich altijd met beeld bezig gehouden. Eerst als maker van (opdracht)video’s en fotograaf, waarbinnen hij gewend was aan het invullen van een vaststaand kader. Het ‘waarom’ van dat beeld, als bewust onderdeel van een groter geheel, stond daarbij altijd centraal. Dat is terug te vinden in het huidige werk: abstracte beelden met een persoonlijk verhaal. Geen enkel werk is toeval en het is nooit alleen maar vorm. Bij een geslaagd beeld is er een balans tussen het narratief, de emotie, het ambacht, de continuïteit en groei binnen een thema en de blijvende verwondering door het ontdekken en het uitvinden. Terugkerende elementen, zoals lood, koper en leisteen, of de bol en de cirkel, worden gebruikt als thema en verhalenverteller en geven vorm aan basale verlangens of (primaire) gevoelens. Als was het de verstilling van momenten uit het leven van de maker. Werk met een bedoeling. Toch hebben ze generieke titels. Dit is om de toeschouwer niet in een bepaalde kijkrichting te duwen. Voor de maker is het af, voor de nieuwe kijker begint het bij de eerste keer kijken, waarbij de oorsprong er niet toe doet. Hoewel het ook geen geheim is: als er naar gevraagd wordt, krijgt men uiteraard uitleg.

Annette Defoort

I build up the sculpture from the inside. I try to treat the clay as seldom as possible from the outside. My sculptures are archetypes of people and animals.

Every impression of perfection is consciously avoided; the rough, the unpolished, the non-planned and the non-charming is maintained throughout the whole work.

Spontaneity takes control of the process so that the sculpture builds itself without much interfering by myself.

Thomas Anton Geurts

Thomas Anton Geurts

Alek|Sander

MIJN BOODSCHAP MIJN ‘FEEL GOOD’ ART COLLECTIE.

Welkom in de wereld van geluk. Een wereld van mooi, een wereld van blij en vrolijk. Voel je zorgeloos en positief. Ga voor zacht en liefdevol in een harde samenleving vol frustratie, lust, hebzucht, jaloezie, verleiding en strijd. Hou van zacht, zoals je diep van binnen bent. Welkom in de flower power van de twintiger jaren!

IK, ALEK|SANDER. Mijn roots liggen in de reclame waar ik werkte als conceptmaker. Mijn creatieve werk werd genomineerd en bekroond. Daarna werd ik fotograaf. Ook mijn fotowerk viel frequent in de prijzen en werd in diverse galeries en musea en op fotofestivals in de wereld aan het publiek getoond. Als kunstenaar ben ik – Alek|sander – minstens zo ambitieus. Mijn streven is om wereldwijd een groot publiek te bereiken met een boodschap van geluk. Zoveel mogelijk mensen blij maken met mijn kunst; dat is mijn missie.

THE POWER OF FLOWER. Al mijn hele leven hou ik van bloemen. Daarom legde ik een archief aan dat ik nog dagelijks aanvul met nieuwe bloemen. Met deze beelden creëer ik nu collages die mijn boodschap van liefde en geluk uitdragen. Bloemen zijn in staat om de harde werkelijkheid te verzachten. Om wat kwaadaardig is te ‘verbloemen’. Mijn bloemen laten je het spanningsveld beleven tussen wat je ziet en wat je voelt.

THE FUTURE OF ‘FEEL GOOD ART’. We leven midden in het informatietijdperk. De hele dag worden wij op de hoogte gehouden van de gebeurtenissen in de wereld. Of je nou wilt of niet, je kunt je er niet voor afsluiten. Aanslagen in het midden oosten, dreiging in het westen, natuurrampen in de Oriënt, het leven om ons heen wordt steeds donkerder. Het verlangen groeit om even lekker weg te dromen en je gewoon goed te voelen. En dat wil ik – Alek|sander – met heel mijn feel good (h)art je gunnen.

Siny Haitel

Schilderen is voor mij het leven hoe het zich aandient, hoe ik langs de dingen wandel en wat er op mijn pad komt.

Het positieve in het leven is voor mij heel belangrijk. Toch ontkom je er soms niet aan dat er minder leuke dingen op je weg komen. Dan volgt er steevast een vertaling op een doek.

Positief in het leven staan, daar haal ik heel veel energie uit.

Het landelijke waarin ik woon zorgt voor heel veel inspiratie. Hier kan ik ontzettend genieten van de stilte. Ook een krachtig stuk muziek past er op bepaalde momenten bij.

Ik voel me een superrijk mens, dat ik daarmee bezig mag zijn!

Monique Berger

Na de Grafische School en 1 jaar Rietveld Academie ben ik gaan schilderen met olieverf en heb een meerdere cursussen lithografie (steendruk ) gevolgd. Ik ben overgestapt op tekenen en mono prints omdat ik beter overweg kan met dit materiaal. Sinds 2005 maak ik ook droge naald etsen.

Mijn werk is illustratief  en dieren (met menselijke trekjes ) spelen daarin een belangrijke rol.

Fantasie en humor zijn voor mij belangrijk en bij ieder werk geef ik de toeschouwer de kans om zijn eigen verhaal erbij te bedenken.

Mots Kocic

Mots Kocic, geboren en getogen in Joegoslavië, nu Kroatië….Met veel passie werkzaam geweest als meubelmaker, zoals de meeste meubelmakers dat zijn… Inmiddels vrij om zijn vrije tijd te besteden aan wat hij echt mooi vindt: het creëren van gebruiksvoorwerpen van hout met een bijzonder design… Zijn werken worden gekenmerkt door de gedachte dat zoiets nog niet eerder is gemaakt of gezien…

Hij heeft geëxposeerd tijdens diverse tentoonstellingen in Steenwijkerland (“Als je van hout houdt”, “Zevensprong”, enz). Een van zijn kleurrijke ladekasten is gedoneerd aan het ziekenhuis Isala, kinderafdeling…..

In 2019 heeft hij meegedaan met de “Zomerexpo 2019”…..Dit is de lands grootste kunstverkooptentoonstelling…. De tentoonstelling trok 78.000 bezoekers, er kwamen veel enthousiaste reacties en een kwart van de werken werd verkocht. Mots zijn ladekast heeft 3 maanden bij de Fundatie Zwolle gestaan…en veel lovende reacties ontvangen….

Doorgaan zolang het kan om mooie dingen te kunnen maken, in alle vrijheid, is zijn motto!

Maurice La Rooy

Maurice La Rooy (Amsterdam, 1992) graduated in Graphic Design at the Mediacollege Amsterdam in 2012. After realizing that the world of computers and Graphic Design was not the life he had envisioned he started an apprenticeship, glassblowing, at the Van Tetterode Glass Studio, then owned by his father, Louis La Rooy(1947).

He apprenticed there for two years at which he was the Hot shop Coordinator at this point. He met several of the glass artists in the community and it wasn’t long until he met John Moran whom had just started a Glass Studio in Ghent, Belgium. In 2015 Maurice started working at Gent Glas on a regular basis involving himself in the educational part of the studio. From 2019-2021 he functioned as Studio Coordinator at Gent Glas and mainly focused on the educational programs that Gent Glas has to offer.

A lot of his work frequents somber topics. Maurice has always found works that portrait something heavy, to really resonate with the emotion he feels towards an artwork, which has left him with a need to pursue this within his own work.

The work Maurice makes is frequently figurative and always oriented around glass since he grew up around that medium. He has spent a lot of time of his youth playing in his father’s glass studio, however it wasn’t until his twenties that he pursued a professional carrier within the arts.

His works range from hand-sculpted glassworks to installations incorporating found objects as he frequently works from an idea and uses the components that feel like they suit the idea best. Due to this reason, the works he makes vary a lot and he enjoys the experience of starting out from a concept and then seeing the work come to be, especially in a medium such as glass. “As the liquid material is formed into the desired artwork it is almost as if I am in dialogue with the material, I touch the glass and it reacts, we go on and on like that until we arrive to an agreement which is the beginning of the artwork” Says Maurice. As he has progressed working with glass, he has found ways to involve graphics in his work and has created a distinct style that allows him to apply his graphic elements to his works.

Henny Latul

ARTIST PAINTER AND MAKER OF DIGITAL LANDSCAPES

Space, light and sky are the recurring themes in Henny Latul’s work. Her intuitive way of painting gives the viewer an image of a very varied inner landscape, where the search for silence is usually central. Her landscapes are not existing places, but a mix of experience, memories and imagination. Through her semi-abstract landscapes, the viewer is given room for his own interpretation. At the same time, through her use of light and dark, she conveys a sense of vulnerability.

In addition to painting, she combines the images of her paintings with her landscape photography to create her digital landscapes. While doing so she manages to create a somewhat mysterious dreamlandscape.

Henny Latul studied Textile Art at the Teacher Training College and Fashion Design at the Utrecht Academy of Fine Arts. After her studies she worked as a Fashion Designer for several Fashion Brands and Retail Companies.  Gradually she no longer finds satisfaction in her work as a designer due to the limitation of creative freedom in the fashion Industry. In 2012 she therefore starts drawing and painting again. In 2016 she cuts all ties with the fashion Industry and decides to devote herself full-time to painting.

Rachel Daeng Ngalle

Born in Amsterdam The Netherlands, moving  to Calgary, Alberta, Canada in my early teens, where I was welcomed by the overwhelming nature.  The breathtaking Rocky Mountains, and lakes as big as oceans!  A few years later while living in Vancouver, British Columbia these feelings of awe and reverence became further intensified and focused living and breathing as I did among the incredible abundance of nature all around . In particular, the sheer energy and strength of color and form in their ever-changing combinations, became a focal point.  

Discovering great artists such as Emily Carr, Georgia O’Keefe and Niki de Saint Phalle who all used a powerful combination of strength, form and color in their works, left an incredible impression on me as well. 

Years later I returned back to the Netherlands and brought back these powerful and intense emotions locked up inside of me.

After having met Willem van Oijen from Bevo glass studio, a period of drawing and painting ensued, liberating and interpreting all these so treasured stored images and thoughts.

Willem van Oijen asked me to join him and his team at his glass studio in Amsterdam, the next step seemed very obvious, the magical material glass was at hand. The interest for deep relief sand-carving and working with colored glass used in glass application work were the most appealing techniques at first.

Working with a kiln one day ” fired” the interest in fusing colored glass.

This technique enabled me to express into form, the impressions and expressions of the sensation of fusing colors and shapes in various combinations, as it happens naturally in nature all the time.

But for several  years now I am drawn to making sculptures in cire perdue. Making a clay or wax model, the various molds that have to be made before the actual firing and preparing of the kiln. The suspense, the waiting period before the piece can be taking out of the kiln, the 3 dimentionality of the pieces, the directness, strength and radiance are both spectacular as exciting for me.

The aspect of applying color has not changed.  What has changed though is the subject and  the background thought that i depicted herein are on a different plane. 

The changing and hardening society and the indifference which one presents itself is striking. 

In my works I try to create a setting with a “twist”  in which I  portray situations confronting the beholder with these issues.

Tedsky

THE MISSION OF TEDSKY

When TEDSKY first originated in my mind, it just sounded beyond ridiculous. Because let’s be honest, a guy wearing a mask all day, convinced himself that he has a story to tell and then tries to tell this story through artwork, without even having any proper form of education in Fine Arts.. Literally everyone did not believe that this plan could succeed. But now here you are, reading about me and my mission. So I guess, in a way, I made it. 

It just goes to show that persistence and the lack of self-doubt will get you there. The whole concept and existence of TEDSKY is to inspire you to take control and follow your dreams even though it may be just as ridiculous., The world is small and our time here is really short. My only dream is for us is to be kind, support each other and to make the best out of our lives together.  

Sounds like a plan right? But as we may have the choice to live our life to the fullest, not everyone has been given this privilege. As TEDSKY, I dedicate my talent as an artist by donating 10% of my profits every year to charity organisations that are focused on improving life for children that are less fortunate. This year I selected Dutch charity organisation ‘YETS Foundation‘. 

Willem Rasing

”Script for a jester’s tear” is de titel van mijn serie
olieverfwerken hier in Micksart. Een liefdesgedicht van rockband Marillion, geschreven door zanger Fish. Na 50 jaar niet meer met olieverf te hebben gewerkt vanwege het moeilijke karakter van dit materiaal besloot ik het toch weer eens te gaan proberen voor mijn geplande expositie in 2018 in Amsterdam. Helaas kreeg ik eind 2017 een ernstig herseninfarct die mij linkszijdig totaal verlamd maakte.
Balancerend op 1 been met tussendoor veel rustpauzes was het een principekwestie, therapie en uitdaging deze expositie doorgang te laten vinden. Hetgeen ook lukte.

Tinus D.

is autodidact en vanuit zijn eerste expositie Trash & Treasure geheten in 1997 heeft hij onafgebroken gewerkt aan een eigen stijl. Hij is zeer betrokken bij natuur en milieu en daarin ligt de reden dat hij van spullen en materiaal dat is weggegooid of is afgedankt zijn kunst is gaan maken en dat tot op de dag van vandaag nog steeds zo doet.
Naast het creëren van sculpturen en installaties ontwerpt hij ook diverse mode accessoires zoals spectaculaire kronen, zonnebrillen van onder andere meccano en diverse designer handtasjes met led verlichting. Hiermee heeft hij prijzen gewonnen onder andere tijdens het filmfestival in Cannes in 2010, 2011 en 2012.
Ook komen de vrouwelijke vormen op allerlei manieren terug in zijn werk, bijvoorbeeld de bekende ritsen vrouwen in verschillende kleuren en poses en de metalen body’s. 
Daarnaast maken de engelenvleugels een belangrijk deel uit van zijn werk. Ze worden gemaakt van metaal, kunststof, glas en licht. Tinus vindt steeds een nieuwe manier  om met verschillende technieken een volmaakt geheel te bereiken.

Ferdi de Bruijn

Altijd lastig om iets over jezelf te vertellen, maar …. ik ontwerp en produceer al ruim 25 jaar diverse woonaccessoires, zoals klokken en sfeerlampen in mijn atelier in Dronten. Naast het gebruik van verschillende productietechnieken zoals flatbed printing, frezen, laseren, warm buigen, zagen en 3D-printen ben ik in 2003 ook gestart met een lang gekoesterde wens om ook te gaan schilderen. Ik gebruik acrylverf op hoogwaardig kunststof.

Mijn drive als autodidact kunstenaar is dat ik aan dagelijkse gebruiksvoorwerpen een extra dimensie toevoeg. Bijvoorbeeld een sfeerlamp is overdag al een mooi kunstobject, maar ’s avonds heeft het een totaal andere uitstraling.
Kortom: functionele kunst made in Holland met als extra dat ieder object UNIEK is!

Heeft u specifieke wensen laat mij dit dan weten.
Natuurlijk kunt u (op afspraak) ook mijn atelier bezoeken.
Dus laat u verrassen!

Annie Sturing

ANNIGJE (1961) tassen is vaste Exposant bij Micksart Collectief. Het is 10 jaar geleden dat de eerste tas gecreëerd werd. Ergens tussen slapen en ontwaken is er een helder beeld ontstaan van de tas die ik ging maken. Inmiddels zijn er vele ANNIGJE’s in gebruik over de hele wereld. De tassen zijn altijd unica’s en kenmerken zich door enthousiast kleur gebruik en eigenwijs design.

Samen met Erik en ons team geven we vorm aan het MI&ANN label: Art Jackets. 

Samen zijn we creatief ondernemer en promoten we met veel plezier deelnemende kunstenaars.