Expositie 10 april tot en met 5 juni 2022

Deelnemers Groepsexpositie

Ann van Wingerden

Ik creëer kunst in de meest vrije intuïtieve vorm met schilderijen, tekeningen met Oost-Indische inkt, acrylinkt, ecoline, uitwisbare kunst, poëzie, en krijtgedichten op straat. Juist dat wat niet voor handen is, laat mij de uitdaging zien waarmee ik wel kan en mag creëren. 

Kunst waar al mijn niet gesproken woorden tot leven komen. Rauw en ongepolijst, waar geen filters zijn. Alleen de taal van de ziel met alle emoties.

Het is de muziek die mij in ontroering laat zijn, geeft en ik durf te kijken en doorvoelen zonder schaamte. Verbinden één worden en vertalen hoe muziek en gevoelens elkaar versterken. Ze wijst de vorm en kleur door de wonderschone composities en ik volg haar in vrijheid. 

De kracht zit voor mij in de verbinding. 

Daaruit zijn er online ook hele bijzondere samenwerkingen ontstaan met andere kunstenaars, componisten en pianisten, dichters en poëten, gesproken woord artiesten, een schrijfster van een thriller enz. 

Betty Paanakker

Mijn vader heeft na de oorlog de afdeling edelsmedenAcademie Maastricht opgericht. Hij was daar zeer intensief mee bezig, thuis was ook academie. Vakantie in, Frankrijk ,dat waren zoektochten naar een klein etruskisch beeldje of een luristan bronsje ,het ging over de eufraat en de Tigris ,mesopotamia en waar is voor de eerste keer brons gegoten en veel meer.Vaak ging ik mee naar de Academie, het rook daar lekker naar vuur en andere spannende zaken, pek bijvoorbeeld.Maar ik wou geen kunstenaar worden,ik wilde iets normaals doen.Het liep anders, mijn moeder, de stabiele factor, werd ziek en stierf veel te jong.Ik ging van af toen mee naar de academie, het was te moeilijk niet het edelsmeden , maar de mensen.Na de academie heb ik heel lang niet gewerkt, ik kreeg kinderen (eindelijk iets normaals). Toen de kinderen de deur uit waren ben ik gaan werken in de Bronsgieterij Sijen (een leerling van mijn vader)Na jaren werken voor andere beeldhouwers kreeg ik steeds meer de behoefte om weer voor mezelf iets te maken.En nu ben ik steeds verbaasd dat ik maak wat ik maak.Er is toch iets ingestopt wat er nu alsmaar uit komt.Ik heb veel gekeken en gezien.

Opleiding: Academie Beeldende Kunsten Maastricht afd.Edelsmeden 1963-1968

Marianne Lomme

Met klei, verf en was creëer ik mijn eigen avontuur,
En kies voor de ultieme uitdaging.
Marianne

Zo ontstaan mijn hand gesigneerde, bij voorkeur keramische beelden,
Elke positieve weg is speciaal en uniek
Net als de verschillende bewerkingen, vaak meermaals in de oven gebrand
Voorzien van engobes, oxides ,glazuur en natuurlijke materialen
Waarbij het open vuur zijn eigen weg zoekt en bepaalt

Olga Kovtun

I love working with materials that are giving me a deep feeling, like paper, colour pencil, pastel or tempera. They are transparent, don’t predominate; leave a trace, but disappear easily, making room for a new world of feeling.I like space, like a womb, cozy and warm, from which opens a miraculous world. I do not want to realize, to attach any value, or to understand it. I want to experience her mystery, and pass that on. That gives me satisfaction in life.

Dolly Pieterson

Hallo, mijn naam is Dolfina. Je kunt mij het beste omschrijven als een enthousiaste fotograaf/kunstenaar met een voorliefde voor oude meesters!

Na mijn studie aan de Amsterdamse HOgeschool voor de Kunst ben ik 13 jaar lang kunstdocent geweest.

Mijn werk kun je het best omschrijven als FineArt. Dit is een kunstvorm die historisch gezien voorkomt in onder andere schilderijen. Door middel van FineArt laat ik mijn artistieke visie, fotografie en een perfecte nabewerking samenkomen.

Dick van Dijk

Dick van Dijk heeft op klassieke wijze leren schilderen: naar waarneming, met gedegen anatomische onderbouwing, maar is in zijn eigen praktijk vooral geïnteresseerd in wat je kunt weglaten, kunt suggereren. Zijn werk is figuratief en geïnspireerd op de mannelijke figuur, maar Dick zoekt geen realisme. Als aanleiding of motief vindt hij zijn beelden in fotografie of de media. Door schilderkunstige ontdekkingen tijdens het werkproces laat hij dit los en ontstaat een meer gelaagde werkelijkheid.

Hoewel een specifieke foto het vertrekpunt is, laat Dick deze zo snel mogelijk ook weer los. Hij knipt en plakt een beeld in zijn hoofd en direct op het doek, hij schetst niet eerst. Hij (onder)zoekt zo licht, oppervlak en textuur en probeert dingen uit. Spelend met kleur, brengt hij nieuwe variabelen in het beeld. In zijn keuzes gaat het om verlangen, intimiteit en vrijheid.

Op dit moment heeft Dick twee fascinaties: figuurcomposities en ‘hypothetische’ portretten. Dick schildert veel groepen mensen, waarbij hij vooral geïnteresseerd is in de dynamiek tussen de figuren, kleine gebaren, blikrichtingen. Veel inspiratie komt uit gechoreografeerde dans. De laatste twee jaar is hij meer gaan inzoomen op gezichten om een directere intimiteit te bereiken. Dick werkt voornamelijk met olieverf.

Patrick (H)Artman

I was born in 1979 and from the age of 10 very interested in nature & people.

I studied at the horticultural school and soon after started my own landscaping company, designing gardens and applying Art was where my passion was. That is why I also started a Gallery and organized exhibitions in various places.

For my landscaping job, I spent several winters working on a large Roman irrigation restoration project at an old convent in Portugal. This is also where the passion for sculpture started in 2000. Working during the day and during the siesta in search of marble and sculpture.

A while later I came into contact with African Art promotion and I also organized various exhibitions with African sculpture.

In 2004 things changed and I sold everything, made a world trip over 4 continents and lost my heart on the African continent. In the artist village of Tengenenge I sculpted in Serpentine

After my return to the Netherlands, I started another landscaping company where, after a few years, people with intellectual disabilities and psychiatric problems came to do internships. I retrained and went into care.

In 2011, I started a creative day care and residential counseling agency with Kanz. I am grateful and very instructive that I made this switch then.

In those years I sculpted little, but I did collect a lot of wooden trunks, roots and trees.

In 2018 I made my first wooden rotating object for an art competition. Art inspired by nature with an extra dimension “Movement”. Here I immediately won the audience award and thought this is it. Since then I mostly make moving wooden sculptures.

During the creative process I am inspired by piano music by various composers.

This music is also played during my exhibitions and in the gallery. This makes the images even more alive.

All my art can be seen in my Gallery Ars Movens

Thx Patrick (H) Artman

Marten van Holten


Geboren in 1958 te Amsterdam. 
Marten woont in Winschoten tussen de polders van het noorderland. 
Na enkele jaren bezig geweest te zijn met muziek en conceptuele projecten begon Marten met schilderen. Zijn inspiratie is de enorme weidsheid van het noorden en de wadden. Zijn werk laat de stilte zien die je kunt ervaren als je “in the middle of nowhere” staat. 

Als je in het “niets” staat, met de horizon aan alle kanten, dan voel je jezelf pas verbonden met de natuur, met de plaats waar je bent.
De stilte blijft dan niet beperkt tot je oren.

Marten is naast het schilderen een filmmaker van documentaire- en speelfilms. Ook in zijn films laat hij de rust zien die je kunt ervaren als alles wat langzamer gaat, wat stiller is.

Marcel de Groot

…IK ABSTRAHEER HET ONBEVANGEN KIND IN MIJZELF…EN VERWONDER MIJ HIEROVER…

Toen ik als kind voor het eerst ging spelen met potlood en papier werd ik direct gegrepen door deze wonderlijke wereld van prachtige kleuren en vormen.

Het was een heerlijke manier om alle sprookjes van mijn fantasie gestalte te kunnen geven en te ontdekken wat het leven voor mij in petto zou hebben.

Dat pure onbevangen kind in mijzelf heeft mij gelukkig nooit kunnen of willen verlaten, het bleef leven in mijn hart…

Kunst heeft mijn leven de ware diepe rijkdom gegeven en mij ook altijd comfortabel gezelschap gehouden en gedragen.

Vanuit jarenlange realistische en figuratieve reflecties in olieverf ben ik als autodidact door het klassieke oeuvre van stilleven, landschap, portret en naakt gaan reizen.

Die reis in esthetiek bleek noodzakelijk, want het heeft me uiteindelijk grondig voorbereid op de krachtige wens van mijn ware diepere zelf.

Het hoogst haalbare vanuit de zuivere en ultieme persoonlijke expressie bleek uiteindelijk mijn bestemming te zijn…

HET ABSTRACT

Abstracte kunst had mij namelijk als kind al meteen diep geraakt, waarschijnlijk omdat het intuïtief herkenbaar was qua Tabula Rasa.

 …and guess what…

…ik ben inmiddels volledig teruggekeerd bij dat begin…

Terug bij dat pure onbevangen kind, terug bij de bron en daarmee gelukkig en thuis bij het ultieme abstract !

Picasso zei ooit; “…toen ik 8 was kon ik schilderen als Rafaël…het heeft mij mijn hele leven gekost om weer te kunnen schilderen als een kind…”

Ik snap hem wel en hij had volkomen gelijk.

Kieta Nuij

Kieta Nuij is beeldhouwer en werkt voornamelijk in brons en soms ook in klei.

Ze heeft haar opleiding gevolgd aan de kunstacademie in Maastricht.

Vertrekpunt voor de beelden van Kieta is steeds de mens in al zijn ervaringen.

In haar beelden geeft Kieta vorm aan allerlei facetten van het menselijk leven. Vanuit haar nieuwsgierigheid naar wat mensen beweegt zoekt ze naar de essentie van universele menselijke emoties en ervaringen en hoe die in de mens zichtbaar worden.

Gratie en schoonheid, verstilde beweging, maar ook spanning, worsteling, de ruwe kanten van de ervaring. Haar beelden zijn de weerspiegeling van de ziel.

Ivo Winnubst en Afterdaan

Beeldend Kunstenaar Ivo Winnubst (1950 Amsterdam) kent de laatste jaren een fascinatie voor het Andere Portret. Hij genoot zijn opleiding aan de Gerrit Rietveld Academie in Amsterdam (1972 tot 1977) en kreeg daar o.a. les van gerenommeerde docenten/kunstenaars als Piet Klaasse en Herman Gordijn. Piet Klaasse bracht hem het begrip omtrent de kracht van de lijn bij en Herman Gordijn leerde hem het karakter en de uitstraling van de te portretteren persoon vast te leggen in de traditionele olieverftechnieken met behulp van glacering en withoging. Het geleerde van deze twee ‘kunstwijzen’ heeft lang gesudderd binnen het oeuvre en kent pas de laatste jaren een verrassende en gedurfde uitingsvorm. Op basis van een met contépotlood getekende opzet van het portret, wordt slechts het meest intrigerende deel van het schilderij uitgewerkt in dunne lagen olieverf. Zo ontstaat een uniek portret dat ‘onaf af’ in zich draagt. Het eindresultaat oogt alsof er nog voortdurend aan gewerkt dient te gaan worden. Alsof er een moment pauze tussen het model en kunstenaar is genomen voor bezinning, rust, overleg, meditatie, concentratie of anders. Soms gaat Winnubst nog verder en maakt ‘portretten’ zonder dat de geportretteerde daarvan (altijd) op de hoogte is. Human Figures Frozen is daarvoor de zelf gekozen verzameltitel. Quasi geposeerde werken op basis van toevallige ontmoetingen. Een meisje bij een stoplicht in Antwerpen, een trotse maar dakloze straatveger, een oude man op de binnenplaats van een zorginstelling. In het moment gevonden en gefotografeerd. Later in het atelier op basis van de gemaakte opnames geschilderd in acryl- en olieverf op linnen. Daarnaast heeft Ivo Winnubst in de loop der jaren zijn sporen verdient binnen het vak van ontwerpen, illustratie en grafische vormgeving.

Esther Schnerr

Esther Schnerr studeerde schilderkunst aan de Klassieke Academie in Groningen. Zij is gefascineerd door de evolutie en door de impact van de mens op de natuur. In haar tekeningen verwerkt zij thema’s die het leven zowel faciliteren als bedreigen: de Cambrische zee, camouflage, de zuurstofcrisis. De thema’s worden digitaal vertaald in collages die als basis dienen voor monumentale afbeeldingen. Het materiaal – potlood op papier – is sober, maar door de afmetingen (225 x 150 cm) en de complexiteit van de voorstelling ontstaat een weelderige impressie. Aan de wand transformeren de tekeningen tot gobelin-achtige taferelen die zowel een directe beleving oproepen alsook uitnodigen tot onderzoek. De voorstelling is meer of minder abstract, maar altijd een gefingeerde weergave van het thema; er is ruimte voor fantasie en interpretatie.

Monique van Laake

Monique van Laake (1962) fotograaf, maakt haar werk met de Nikon of Leica wat een bijzondere kleurbalans geeft in de opname. Haar gevoel voor beeld en compositie is bijzonder en geeft veel inspiratie. Teun Anders (1956) beeldend kunstenaar, is naast de traditionele media, gefascineerd door de mogelijkheden van de digitale fotografie. Een foto wordt opeens een palet met kleurvlakjes. Kleurvlakjes die je anders kan organiseren waardoor er nieuw beeld ontstaat. Monique fotografeert zijn werk en Teun geeft daar vervolgens weer nieuwe betekenis aan. De beide kunstenaars werken samen in verschillende projecten onder de naam Moet (Mo = Monique eT = Teun) en exposeren oa in Adam, Antwerpen, Parijs, Tokio, Gent, Keulen, Berlijn en Zaanstad.

Matthias van Olst

Als kind ben ik opgegroeid in de glasstudio van mijn vader, Cees van Olst (1947-2014). Zodoende mag ik mijzelf een 2e generatie glasblazer noemen.

Doordat ik het vak van jongs af aan mee kreeg heb ik alle facetten van het glas doorlopen, van het werk aan de brander, brandschilderen tot aan het studio glas. Dat laatste is waar ik mij helemaal in kan vinden.

Een fascinerend materiaal, met oude technieken, vele toepassingen en constante vernieuwing in verschijningsvorm maakt glas erg uitdagend om mee te werken. Temperaturen van 1100 tot 1300 graden. Alle mogelijke kleurcombinaties van opaak tot transparant, optische werking en ga zo maar door. Glas is eindeloos.

Door mijn vele bezoeken aan vele glasgebieden in Europa en interesse in de geschiedenis van het vak ben ik voortdurend in contact met collegae over de ontwikkeling van het ambacht en het behoud van kennis.

In een deel van mijn eigen werk probeer ik zoveel mogelijk solo te werken. Werken zonder assistent daagt mij uit om nieuwe combinaties van technieken en workflow te vinden om een nieuwe collectie te creëren. Binnenkort is deze collectie getiteld “SOLO1” beschikbaar voor tentoonstellingen en galerieën. (2022)

Tot mijn vreugde ontving ik in 2021 een beurs van het Fonds Cultuurparticipatie voor mijn project: “The road to Mastery”. Hierdoor kan ik mijn vakmanschap uitbreiden door samen met andere kunstenaars te studeren.

In juli 2021 werd ik uitgenodigd voor de Grimnitzer Glastage bij Berlijn. Dit 6-daagse festival in een gemoedelijke sfeer met glasblazers uit Duitsland die aan het werk zijn en hun werken tonen. Uitwisseling van technieken en kennis om nieuwe stukken te creëren.

Daarnaast nam ik deel aan de tafelgesprekken van het Ministerie van OCW over “de innovatieve kracht van ambachten, vakmanschap en ontwerp” in 2021.

Ik heb als glasblazer gewerkt in:
Glasmuseum “De Spiraal” – Diever
Glasmuseum Hoogeveen – 1995 – 2000
Van Tetterode (freelance) – 2008
Hotmarks Glas Orvelte (freelance) – 2008
Hotmarks Glas Ootmarsum (freelance) – 2018
Glasmuseum Leerdam – 2019 – heden
Grimnitz Glastage – juli 2021

Sinds 2019 werk ik als vaste freelancer in de studio van het Nationaal Glasmuseum Leerdam waar ik de kans krijg om samen te werken met enkele van Nederlands grootste glaskunstenaars. Mijn eigen museumlijn, exclusief gemaakt voor het museum, wordt verkocht in de museumwinkel.

Al mijn eigen werk is te vinden in winkels en galerieën door heel Nederland en/of te bestellen via deze site.
——————————/————————————-
Matthias werkt ook als muzikant in zijn:
www.oldferrymusicstudio.com

Bernadette Sterk

“Ik voel mij verloren als ik niet kan schilderen. Mijn schilderijen geven mij inzicht en moed. Ik hoop dat mijn kunst de kijker kracht en moed brengt”.

De Nederlandse kunstenares Bernadette Sterk maakt gebruik van de Princeton catalyst en dit heeft gezorgd voor een spectaculaire ontwikkeling in haar technische vaardigheden. Sterk heeft absoluut geen intentie om portretten te schilderen van haar modellen, maar haar interesse ligt in het verbeelden van haar eigen diepliggende emoties. “I Create to Create Myself”.

Haar favoriete quote is van Oscar Wilde: ‘Elk portret wat geschilderd is met gevoel is een portret van de kunstenaar, niet het model’.

Sterk wordt geïnspireerd door vele soorten van kunstvormen, soms zelfs door een penseelstreek in kleur of textuur, of een lyric uit een lied of boek. Haar kunst is acryl op professioneel linnen op aluminium frame. Zij is een fulltime professioneel kunstenares, gerepresenteerd door meerdere Nederlandse galeries en twee buitenlandse online-galeries.

Teun Anders

Teun Anders 1956 beeldend kunstenaar,
is oa gefascineerd door de mogelijkheden
van de digitale fotografie. Een foto wordt opeens een
palet met kleurvlakjes.
Kleurvlakjes die je anders kan organiseren waardoor
er nieuw beeld ontstaat.
Monique fotografeert zijn werk en Teun geeft daar
vervolgens weer nieuwe betekenis aan.
De beide kunstenaars werken samen in verschillende projecten onder de naam Moet (Mo = Monique eT = Teun)

Teun Anders is buiten aan het werk. Naast zijn huis, bovenop een duin in de buurt van Haarlem, bouwt hij een schutting van hakblokken. ‘De onregelmatig gevormde blokken sluiten natuurlijk niet goed op elkaar aan, waardoor de diertjes in de tussenruimtes mooie schuilplaatsen kunnen maken.’
Je zou misschien kunnen spreken van oneigenlijk gebruik van materiaal, maar zoiets komt in het woordenboek van Anders niet voor. Hij is juist gevoelig voor de vele mogelijkheden van materialen. Er staat bij hem geen rem op mogelijke toepassingen. Een rondgang door zijn tuin en huis leert dat hij voortdurend gespitst is op verrassende combinaties in zijn kunst: steen en metaal, steen en verf, hout en riet, in beschilderde panelen verwerkte keien, oud roest en takken, klei… Alles ademt onderzoek en experiment.
‘Een kunstenaar is altijd bezig om zichzelf te verrassen’, zegt Anders. ‘Ik ben altijd op zoek, probeer van alles uit, loop voortdurend te rotzooien met allerlei materialen. Alles is bruikbaar.’ Zijn atelier getuigt daarvan.
Op vijf ezels werkt hij aan vijf verschillende schilderijen tegelijk, op verschillende tafels liggen schetsen, gereedschappen en allerlei troepjes die erop wachten ergens in verwerkt te worden. Een schuurmachine gebruikt hij om te tekenen. Eerst schildert hij een paneel wit en dan zet hij daar een laag zwart overheen. ‘Daar schuur ik dan figuren in. Waarom niet? Het kan en dus doe ik het.’ Op de grond ligt ook van alles, je kunt je in het atelier alleen maar knieheffend voortbewegen. Een typische kunstenaarsomgeving.
Maar een verdieping lager ziet het er heel anders uit. Het is er opgeruimd, nagenoeg stofvrij, er zijn twee ergonomische werkplekken ingericht, met elk twee grote, gekoppelde computerschermen. Geen atelier, eerder een studio. Hier wordt gewerkt aan een heel ander soort kunst.

Corjan Nodelijk

Nodelijk maakt vertederende, surrealistische beestjes en mens figuurtjes. Zijn schepsels zijn uit twee of meer soorten samengesteld, ze zijn verlengd, verbreed en of verkort. Zijn hand bepaalt hun anatomie.

“Nature makes you think”. ‘De natuur verwondert in schoonheid en oneindigheid en vanuit die overweldigende verwondering en de nederige positie die de mens daar dan toch in heeft is er een mooie basis om verder te denken en vragen te ontdekken.

Tamme de Boer (1974)

My work is like an organised confusion. A contrast between movement and standstill, between control and improvisation. It’s a dynamic standstill of time with striking colour combinations, which evokes all kinds of conflicting emotions.

The theme of the paintings is existential. There’s one coördinating line in it which is the ‘the speed of an industrial society’. It depicts the society as a metaphor for the desolate condition of an industrial society.
Every painting to me is a struggle or a fight with the paint, sometimes even an outburst coming straight from my heart living in this materialistic world. The light romances the heavy theme. As a result, the work possesses a complex stratification.

The actual spirit of todays consumer society reflects in my work whether in a romantic way or a controversial way. They are captured in snapshots of paint.

Sandra Catsburg

Sinds mijn afstuderen in 1991 aan de Kunstacademie in Utrecht ben ik werkzaam als ontwerper en maker van meubels en beeldende kunst. Er is een periode geweest dat de beeldende kunst geheel naar de achtergrond schoof en ik uitsluitend meubels heb gemaakt. Tegenwoordig krijgt de beeldende kunst ook weer volop mijn aandacht. Mijn werk bestaat uit houten sculpturen en tekeningen op papier.

Op deze website laat ik nieuw werk zien, maar heb ook een pagina voor ouder werk, met de naam “archief”.

Sinds 2017 onderhoud ik ook een blog. Daarin schrijf ik over kunst, het creatieve proces, maar ook over andere alledaagse of minder alledaagse ontmoetingen met anderen.

Voor de meubels heb ik zeer uitgebreide website, die je hier kunt vinden: sandracatsburgmeubels.nl.

Fleur Peters

Fleur Peters conducts an infinite research into the visibility of light. 

She is focussed on the relationship between craftsmanship and contemporary design. Peters combines the best of these two worlds, which results in innovative techniques and new designs.

Harm van Ballegooijen

Over Harm

Hoe het een en ander begon en hoe ik werk:

Tijdens mijn werkzame periode als regisseur werd het mij al vlot duidelijk dat beeldregie een belangrijke en ondersteunende bijdrage levert aan een voorstelling.

Balans en consequentheid in de vormgeving geeft een theatrale illusie kracht en speelruimte.

Met deze ervaring in mijn achterzak ben ik een aantal schildercursussen gaan volgen als aanzet tot waar ik nu mee bezig ben.

Zoeken en spelen vanuit ondergrond, vlakverdeling, heldere kleuren, op weg naar een abstracte uitkomst.

Acrylverf, grote paletmessen, rollers, kwasten, markers, sjablonen, druksels en af en toe teksten zijn de middelen waarmee ik werk.

Teksten en titels verwijzen hoogstens naar een associatie achteraf.

Verdwalen in een groot leeg stil vlak en vooral proberen om op tijd te stoppen.

Vorm betrapt-Ritme gevangen-Balans gevonden

Willem van Oijen

Willem van Oijen

Interested in and accustomed with glass from an early age, Willem
van Oijen jr. really started to love working with this amazing and beautiful
material while he was receiving his glass art education from his father
Willem van Oyen sr. (glass artist – painter – sculptor  since 1947)
All his knowledge, experience and artistry he has passed on to his son,
who joined his father in his glass art studio BEVO in 1978.
In 1993 he succeeded his father in managing the studio. He masters the
techniques of sandblasting and glass-appliqué.
Recently his interest is also focused on techniques like pâte-de –verre and
glass-casting, which create more possibilities towards making 3-dimensional sculptures.

Through light, glass becomes alive. Working with glass, in a way, is working with light.

ORGNL Art Design

Anoek Hovestad is geboren in Amsterdam in 1978 en is al haar hele leven woonachtig in het dorp Landsmeer. Zij is een creatieve onderneemster afkomstig uit een kunstenaarsfamilie en het gezicht achter ORGNL Art Design. Creativiteit is Anoek met de paplepel ingegoten en dit komt dan ook terug in al haar ‘kunst explosies’ zoals zij haar creaties noemt.

Anoek is een autodidactisch kunstenares, dat wil zeggen dat zij het grootste deel van haar vaardigheden en kennis over kunst zelf aangeleerd heeft. Hierdoor brengt zij een bepaalde puurheid in haar kunstwerken. Wanneer zij kunst maakt, volgt zij geen regels of richtlijnen. Zo komen de puurste emoties door en is het eindresultaat altijd een reflectie van hoe zij zich op het moment van creatie voelde en wordt het uniek. Door zich niet committeren aan een bepaalde style en veel te experimenteren met diverse producten en materialen zit er veel variatie in Anoek haar werk. Zij laat zich inspireren door van alles uit de natuur zoals de zee, planten, dieren maar ook door glinsterende edelstenen en het heelal.

Momenteel werkt zij veelal met ronde panelen waar het werk op is gemaakt. Zij kiest voor deze organische vorm omdat deze de harde lijnen in een ruimte doen verzachten. Ook heeft een cirkel geen einde en kan je deze door een slag te draaien steeds anders ophangen en gaat het nooit vervelen. Maar zij maakt ook zeker andere vormen en bij maatwerk is echt alles mogelijk.

Anoek haar missie; zoveel mogelijk mensen blij maken met haar mooie kleurrijke creaties. Want wist jij dat kleuren heel veel kunnen betekenen voor je gemoedstoestand? Kleuren maken je blij, opgewekt en fitter of juist koud, somber en lusteloos. Met materiaal en kleur kun je dus een bepaalde sfeer creëren. Er bestaan geen foute kleuren, wel foute combinaties. Een goede balans tussen donkere en lichte kleuren en warme en koele kleuren zorgen voor evenwicht en rust in een ruimte. Anoek kan je hierin adviseren.

Saskia Vergunst

Voor wie het wil weten, maar niet echt van lezen houdt, houd ik het kort. Als je nou een roestige spijker of een mooie tak op straat ziet liggen. Kun je dat laten liggen of net zoals ik, oprapen en meenemen? Hamsteren, wat niet is, kan nog worden! Begrijp je? Dan nog wat kringloop winkels en rommelmarkten aflopen. Dit mixen met gedachten en emotie, en er ontstaat een nieuw verhaal in beeld. Oud wordt nieuw, ik ben dus een Oudvinder. Het is pas af als alles klopt. Sommige werken kunnen nog niet de wereld in omdat het juiste stukje nog gevonden moet worden. Geduld hebben en eerlijk tegen jezelf zijn. Als Oudvinder komt het uiteindelijk op mijn pad

Ruben Koerhuis

Ruben Koerhuis (1959) heeft zich altijd met beeld bezig gehouden. Eerst als maker van (opdracht)video’s en fotograaf, waarbinnen hij gewend was aan het invullen van een vaststaand kader. Het ‘waarom’ van dat beeld, als bewust onderdeel van een groter geheel, stond daarbij altijd centraal. Dat is terug te vinden in het huidige werk: abstracte beelden met een persoonlijk verhaal. Geen enkel werk is toeval en het is nooit alleen maar vorm. Bij een geslaagd beeld is er een balans tussen het narratief, de emotie, het ambacht, de continuïteit en groei binnen een thema en de blijvende verwondering door het ontdekken en het uitvinden. Terugkerende elementen, zoals lood, koper en leisteen, of de bol en de cirkel, worden gebruikt als thema en verhalenverteller en geven vorm aan basale verlangens of (primaire) gevoelens. Als was het de verstilling van momenten uit het leven van de maker. Werk met een bedoeling. Toch hebben ze generieke titels. Dit is om de toeschouwer niet in een bepaalde kijkrichting te duwen. Voor de maker is het af, voor de nieuwe kijker begint het bij de eerste keer kijken, waarbij de oorsprong er niet toe doet. Hoewel het ook geen geheim is: als er naar gevraagd wordt, krijgt men uiteraard uitleg.

Nynke van Zwol

Nynke van Zwol (1972) is a Dutch artist who lives and works in Purmerend, The Netherlands. Her paintings are spiritual with a hint of surrealism. 

The asemic script she created can be seen as an attempt to capture magic. A deep rooted love for the horizons of her flat motherland bespells her landscapes.

Precisely and with patience she turns every painting into a portal. A world of colorful adventure awaits.

Anneke Bloema

Wondrous Goose

Imaginative and at times surreal, always sweet and whimsical.

Sometimes humorous and at all times compassionate, narrative photo art in which animals play the lead.
Anneke Bloema tells us stories about us humans with her collages.
She depictits our characteristics, dreams, wishes, and intentions in fairytale parables.

AlekSander

MIJN BOODSCHAPMIJN ‘FEEL GOOD’ ART COLLECTIE. Welkom in de wereld van geluk. Een wereld van mooi, een wereld van blij en vrolijk. Voel je zorgeloos en positief. Ga voor zacht en liefdevol in een harde samenleving vol frustratie, lust, hebzucht, jaloezie, verleiding en strijd. Hou van zacht, zoals je diep van binnen bent. Welkom in de flower power van de twintiger jaren! IK, ALEK|SANDER. Mijn roots liggen in de reclame waar ik werkte als conceptmaker. Mijn creatieve werk werd genomineerd en bekroond. Daarna werd ik fotograaf. Ook mijn fotowerk viel frequent in de prijzen en werd in diverse galeries en musea en op fotofestivals in de wereld aan het publiek getoond. Als kunstenaar ben ik – Alek|sander – minstens zo ambitieus. Mijn streven is om wereldwijd een groot publiek te bereiken met een boodschap van geluk. Zoveel mogelijk mensen blij maken met mijn kunst; dat is mijn missie. THE POWER OF FLOWERAl mijn hele leven hou ik van bloemen. Daarom legde ik een archief aan dat ik nog dagelijks aanvul met nieuwe bloemen. Met deze beelden creëer ik nu collages die mijn boodschap van liefde en geluk uitdragen. Bloemen zijn in staat om de harde werkelijkheid te verzachten. Om wat kwaadaardig is te ‘verbloemen’. Mijn bloemen laten je het spanningsveld beleven tussen wat je ziet en wat je voelt. THE FUTURE OF ‘FEEL GOOD ART’. We leven midden in het informatietijdperk. De hele dag worden wij op de hoogte gehouden van de gebeurtenissen in de wereld. Of je nou wilt of niet, je kunt je er niet voor afsluiten. Aanslagen in het midden oosten, dreiging in het westen, natuurrampen in de Oriënt, het leven om ons heen wordt steeds donkerder. Het verlangen groeit om even lekker weg te dromen en je gewoon goed te voelen. En dat wil ik – Alek|sander – met heel mijn feel good (h)art je gunnen.

Martha Veldhuis

Niet het contrast tussen het mannelijke en het vrouwelijke maar het samengaan van deze eigenschappen in ieder mens houdt mij bezig. Beeldend werken is communiceren. Van communicatie boeien mij met name gevoelsmatige en gedragsmatige aspecten, veel meer dan het doorgeven van concrete informatie. De overdracht van gevoelens zoals agressie, blijdschap, verlegenheid, angst, eenzaamheid, arrogantie, etc. tracht ik middels mijn werk tot uitdrukking te brengen.

Monique Berger

Na de Grafische School en 1 jaar Rietveld Academie ben ik gaan schilderen met olieverf en heb een meerdere cursussen lithografie (steendruk ) gevolgd. Ik ben overgestapt op tekenen en mono prints omdat ik beter overweg kan met dit materiaal. Sinds 2005 maak ik ook droge naald etsen.

Mijn werk is illustratief  en dieren (met menselijke trekjes ) spelen daarin een belangrijke rol.

Fantasie en humor zijn voor mij belangrijk en bij ieder werk geef ik de toeschouwer de kans om zijn eigen verhaal erbij te bedenken.

Bart Wisbrun

Sinds september 1958 ben ik actief op onze aarde. Een kleurrijke wereld vol met mogelijkheden en uitdagingen. Een leven met verrassingen en grenzen die altijd verlegd kunnen worden.
“Het leven is creëren en delen!”

Vakmatig gestart als grafisch vormgever sta ik bij derden te boek als ideeënman en productontwikkelaar. Nu actief als ‘recycling kunstenaar’ creëer ik iets moois en bijzonder voor in huis en/of bedrijf. Werkend met houten wegwerp pallets [afval] maak ik unieke ‘recycling kunst’.

In opdracht maak ik o.a. portretten, bedrijfslogo’s en eigen werk. Door de driedimensionale opbouw en aanzicht is ieder werk qua beeld verrassend. 

Ewa Cwikla

Ewa Cwikla (1961) is Poolse van geboorte, maar woont en werkt al decennia lang in Nederland. Haar eerste ervaringen met fotografie gaan terug naar Polen toen ze 15 was. Thuis vond ze een oude Zenith camera waarmee ze op de naschoolse fotoclub van haar middelbare school, naar hartenlust experimenteerde. En langzaam maar zeker al een eigen kijk op fotografie ontwikkelde.

In de vroege jaren 80 – ze is dan begin 20 – verhuist Ewa van Polen naar Nederland, waar ze aan het werk gaat bij een fotograaf in Schagen. In 1985 maakt ze van de mogelijkheid gebruik om – na 3 slapeloze nachten – zowel de studio als de fotospeciaalzaak over te nemen van haar werkgever. Ewa ontwikkelt zich als onderscheidende fotograaf, maar de detailhandel stokt. Reden voor haar om in 2015 haar fotospeciaalzaak te verkopen en vanaf dat moment de volledige focus op fotografie te leggen. Ze richt aan huis een volledige fotostudio in en vult haar dagen vanaf dat moment met opdrachten, workshops en het maken van vrij werk. Nu – ruim 4 jaar later – maakt Ewa als fine-art fotografe vooral vrij werk. Op een geheel eigen wijze, in een geheel eigen ‘sfeer’.

NOSTALGISCH LICHT
Een van de typische stijlkenmerken van Ewa’s werk, is het nostalgische, bijna Rembrandtiaanse licht. Ewa is steeds op zoek naar deze nostalgie omdat – zoals ze zelf zegt – ‘deze nostalgische sfeer mij een bepaalde mate van rust geeft in deze steeds sneller en hectischer wordende wereld. Ik hoop dat dit hetzelfde effect heeft op degene die naar mijn beelden kijkt’. Vandaag de dag is ook de nabewerking van een beeld een belangrijk onderdeel van ‘de eigen signatuur’. Dit is er de reden van dat Ewa haar eigen filters ontwikkelt in Photoshop. In de constante drang zichzelf te ontwikkelen – zonder daarbij verstrikt te raken in een strikt afgebakende stijl – zet Ewa haar ziel en zintuigen open om te worden geïnspireerd. Een oude film of schilderij… het kan zomaar lichtjes doen gaan branden die dan vertaald worden naar een beeld met Ewa signatuur.

Vivavilt

Vivavilt is a Dutch felt art studio. Welcome. Owner Margot van Leeuwen has been creating handmade contemporary felt textiles for over 20 years. Her usage of natural materials like wool, silk, and plant fibers – many grown on site in her studio’s garden – carry the viewer on a journey from the damp soil and stones of the earth upward to cherry blossoms, ethereal gossamer strands, and beyond.

Felt is the surprising congress of wool fibers, water, soap, human muscle, and friction, creating a non-woven textile of incredibly expressive potential. Felt is both the most ancient fiber technology and one of the most innovative contemporary fiber art materials. When combined with Margot’s deep love for this material and the natural world that generously provides it, the resulting work both embodies nature and evokes the essential peace, power, order, and riotous beauty we find in the natural world.

“My art embodies harmony with nature. It is both craft and fine art; both ancient and contemporary. I’m always astonished at how the love I feel for the materials – the natural dyed wool and silk and plants from my garden, the whites the grays the earth-browns the wild woolen blacks, the genetic diversity of the sheep, the cold shock of the rainwater, the warm glide of the soap – this love I feel for these humble elements is the philosopher’s stone that transforms material into experience and then into a portal that transports you beyond where you stand to where you belong in rapturous, harmonious relationship with the natural world.”

Mots Kocic

Mots Kocic, geboren en getogen in Joegoslavië, nu Kroatië….Met veel passie werkzaam geweest als meubelmaker, zoals de meeste meubelmakers dat zijn… Inmiddels vrij om zijn vrije tijd te besteden aan wat hij echt mooi vindt: het creëren van gebruiksvoorwerpen van hout met een bijzonder design… Zijn werken worden gekenmerkt door de gedachte dat zoiets nog niet eerder is gemaakt of gezien…

Hij heeft geëxposeerd tijdens diverse tentoonstellingen in Steenwijkerland (“Als je van hout houdt”, “Zevensprong”, enz). Een van zijn kleurrijke ladekasten is gedoneerd aan het ziekenhuis Isala, kinderafdeling…..

In 2019 heeft hij meegedaan met de “Zomerexpo 2019”…..Dit is de lands grootste kunstverkooptentoonstelling…. De tentoonstelling trok 78.000 bezoekers, er kwamen veel enthousiaste reacties en een kwart van de werken werd verkocht. Mots zijn ladekast heeft 3 maanden bij de Fundatie Zwolle gestaan…en veel lovende reacties ontvangen….

Doorgaan zolang het kan om mooie dingen te kunnen maken, in alle vrijheid, is zijn motto!

Marianne Y. Naerebout

Het leven geeft mij enorm veel inspiratie. Zo zie ik het thema: Circle of Life” in mijn kunstwerken terug.
Het begint wanneer ik als kind mijn voeten in het zand zette en de golven van de Caribische Zee over mijn voeten voelde rollen. Dan droom ik verder over het water, de lucht en zie ik de mooiste kleuren.
Zo ontstonden voor mij de vier elementen welke mijn Circle of Life vormen.

Zand, water, lucht en vuur. 
Vuur is mijn passie voor kleur.
En met passie blijf ik creëren, net zolang tot de kleur uiteindelijk uit mijn leven zal verdwijnen door ouderdom. Maar nimmer door de passie te verliezen.

Kleuren brengen vreugde!

Ieder moment van leven heeft zijn schoonheid, in zijn zwakte en in zijn kracht.

De kunst van leven is te leren de dagen van voorspoed en de dagen van tegenspoed te omhelzen. 

Rachel Daeng Ngalle

About Rachel

Born in Amsterdam the Netherlands, moving  to Calgary, Alberta, Canada in my early teens, where I was welcomed by the overwhelming nature.  The breathtaking Rocky Mountains, and lakes as big as oceans!  A few years later while living in Vancouver, British Columbia these feelings of awe and reverence became further intensified and focused living and breathing as I did among the incredible abundance of nature all around . In particular, the sheer energy and strength of color and form in their ever-changing combinations, became a focal point.  

Discovering  great  artists such as Emily Carr,  Georgia O’Keefe and Niki de Saint Phalle who all used a powerful combination of strength,  form and color in their works, left an incredible impression on me as well. 

Years later I returned back to the Netherlands  and brought back these powerful and intense emotions locked up inside of me.

After having met Willem van Oijen from Bevo glass studio, a period of drawing and painting ensued, liberating and interpreting all these so treasured stored images and thoughts.

Willem van Oijen asked me  to join him and his team at his glass studio in Amsterdam,  the next step seemed very obvious, the magical material glass was at hand. The interest for deep relief sand-carving and working with colored glass used in glass application work were the most appealing techniques at first.

Working with a kiln one day ” fired” the interest in fusing colored glass.

This technique enabled me to express into form, the impressions and expressions of the sensation of fusing colors and shapes in various combinations, as it happens naturally in nature all the time.

But for several  years now I am drawn to making sculptures in cire perdue. Making a clay or wax model, the various molds that have to be made before the actual firing and preparing of the kiln. The suspense, the waiting period before the piece can be taking out of the kiln, the 3 dimentionality of the pieces, the directness, strength and radiance are both spectacular as exciting for me.

The aspect of applying color has not changed.  What has changed though is the subject and  the background thought that i depicted herein are on a different plane. 

The changing and hardening society and the indifference which one presents itself is striking. 

In my works I try to create a setting with a “twist”  in which I  portray situations confronting the beholder with these issues.

BeantwoordenDoorsturen

Mali Klein

Ik boetseer en schilder met papierpulp die ik maak van verschillende soorten papier, zowel bestaand als zelfgemaakt en soms met toevoeging van andere natuurlijke ingrediënten. Zo ontstaan er veel lagen, pigmenten en reliëf om dynamiek en energie te creëren.

Voorop staat dat het papier duidelijk aanwezig moet blijven; het is belangrijk dat materiaal en werkwijze herkenbaar zijn. Mijn werk is ongekunsteld, organisch, niet gepolijst. Mijn beeldtaal is overwegend figuratief en ik maak veel gebruik van organische vormen. Vaak combineer ik meerdere disciplines: kunst, design, mode en gebruiksvoorwerp. Ik ben lid van IAPMA (International Association of Hand Papermakers and Paper Artists). Ik geef ook parttime les in kunstzinnige vorming, geef creatieve workshops en organiseer met regelmaat kunstzinnige schoolprojecten.

Maurice la Rooy

Maurice La Rooy (Amsterdam, 1992) graduated in Graphic Design at the Mediacollege Amsterdam in 2012. After realizing that the world of computers and Graphic Design was nog the life he had envisioned he started an apprenticeship, glassblowing, at the Van Tetterode Glass Studio, then owned by his father, Louis La Rooy (1947)

He apprenticed there for two years at which he was the Hot shop Coordinator at this point. He met several of the glass artists in the community and it wasn’t long until he met John Moran whom had just started a Glass Studio in Ghent, Belgium. In 2015 Maurice started working at Gent Glas on a regular basis involving himself in the educational part of the studio. Since 2019 he has been the Studio Coordinator at Gent Glas and is mainly focused on the educational programs that Gent Glas has to offer.

Annette Defoort

I build up the sculpture from the inside. I try to treat the clay as seldom as possible from the outside. My sculptures are archetypes of people and animals.

Every impression of perfection is consciously avoided; the rough, the unpolished, the non-planned and the non-charming is maintained throughout the whole work.

Spontaneity takes control of the process so that the sculpture builds itself without much interfering by myself.

Willem Rasing


”Script for a jester’s tear” is de titel van mijn serie
olieverfwerken hier in Micksart. Een liefdesgedicht van rockband Marillion, geschreven door zanger Fish. Na 50 jaar niet meer met olieverf te hebben gewerkt vanwege het moeilijke karakter van dit materiaal besloot ik het toch weer eens te gaan proberen voor mijn geplande expositie in 2018 in Amsterdam. Helaas kreeg ik eind 2017 een ernstig herseninfarct die mij linkszijdig totaal verlamd maakte.
Balancerend op 1 been met tussendoor veel rustpauzes was het een principekwestie, therapie en uitdaging deze expositie doorgang te laten vinden. Hetgeen ook lukte.

Tinus D.

is autodidact en vanuit zijn eerste expositie Trash & Treasure geheten in 1997 heeft hij onafgebroken gewerkt aan een eigen stijl. Hij is zeer betrokken bij natuur en milieu en daarin ligt de reden dat hij van spullen en materiaal dat is weggegooid of is afgedankt zijn kunst is gaan maken en dat tot op de dag van vandaag nog steeds zo doet.
Naast het creëren van sculpturen en installaties ontwerpt hij ook diverse mode accessoires zoals spectaculaire kronen, zonnebrillen van onder andere meccano en diverse designer handtasjes met led verlichting. Hiermee heeft hij prijzen gewonnen onder andere tijdens het filmfestival in Cannes in 2010, 2011 en 2012.
Ook komen de vrouwelijke vormen op allerlei manieren terug in zijn werk, bijvoorbeeld de bekende ritsen vrouwen in verschillende kleuren en poses en de metalen body’s. 
Daarnaast maken de engelenvleugels een belangrijk deel uit van zijn werk. Ze worden gemaakt van metaal, kunststof, glas en licht. Tinus vindt steeds een nieuwe manier  om met verschillende technieken een volmaakt geheel te bereiken.

Ferdi de Bruijn

Altijd lastig om iets over jezelf te vertellen, maar …. ik ontwerp en produceer al ruim 25 jaar diverse woonaccessoires, zoals klokken en sfeerlampen in mijn atelier in Dronten. Naast het gebruik van verschillende productietechnieken zoals flatbed printing, frezen, laseren, warm buigen, zagen en 3D-printen ben ik in 2003 ook gestart met een lang gekoesterde wens om ook te gaan schilderen. Ik gebruik acrylverf op hoogwaardig kunststof.

Mijn drive als autodidact kunstenaar is dat ik aan dagelijkse gebruiksvoorwerpen een extra dimensie toevoeg. Bijvoorbeeld een sfeerlamp is overdag al een mooi kunstobject, maar ’s avonds heeft het een totaal andere uitstraling.
Kortom: functionele kunst made in Holland met als extra dat ieder object UNIEK is!

Heeft u specifieke wensen laat mij dit dan weten.
Natuurlijk kunt u (op afspraak) ook mijn atelier bezoeken.
Dus laat u verrassen!

Annie Sturing

ANNIGJE (1961) tassen is vaste Exposant bij Micksart Collectief. Het is 10 jaar geleden dat de eerste tas gecreeerd werd. Ergens tussen slapen en ontwaken was er een helder beeld ontstaan van de tas die ik ging maken. Inmiddels zijn er vele ANNIGJE’s in gebruik over de hele wereld. De tassen zijn altijd unica’s en kenmerken zich door enthousiast kleur gebruik en eigenwijs design.

Samen geven we vorm aan het MI&ANN label: Art Jackets en zijn we creatief ondernemer.