Expositie 3 oktober tot en met 5 december 2021

Deelnemers Groepsexpositie

Collectief RinseKoetjeBil 

RinseKoetjeBil gaat een groot doek schilderen van 2 bij 2,5 meter bij Micksart Collectief in de Galerie.

De invloed van hitte, overstromingen en klimaatverandering geven het thema aan voor de schildering: EMMEN OVERWOEKERT.

Bekende beeldbepalende Emmense gebouwen komen op het doek en deze worden overgroeid en vergroend door RinseKoetjeBil.

Het Collectief start 3 oktober op de dag van de Vernissage met de schildering, ze zijn dan de hele dag aan het werk te zien in de Galerie.

Daarna zijn ze nog een drietal vrijdagen in de Galerie aan het werk.

RinseKoetjeBil werkt het liefst op plaatsen waar publiek is: het maakproces is ook een beleving! Bezoekers kunnen zien hoe het werk ontstaat, ze kunnen praten met de kunstenaars en er wordt een timelapse film gemaakt van het ontstaan van het schilderij.

RinseKoetjeBil bestaat uit drie kunstenaars en is gespecialiseerd in het maken van grote (muur)schilderingen in de openbare ruimte.

Het Collectief wil saaie, eentonige of troosteloze ruimtes veranderen in interessante ruimtes, waar wat te zien en te beleven is. 

Het schilderij wordt 3 december om 16.00 uur geveild. De opbrengst gaat naar het Noaberhuus omdat wij graag hun inzet om kinderen een veilig thuis te bieden steunen. De veiling zal plaatsvinden bij Micksart Collectief.

 Renskekoetjebil zal aanwezig op locatie op: vrijdag 8, 15 en 22 oktober aan de Kapitein Grantstraat 24 te Emmen! 

Loes Knoben 

Loes Knoben (1956) is autodidact in het werken met brons. Haar bronzen beelden laten expressie, beweging en spanning zien. Loes’ werk weerspiegelt haar kijk op het leven en toont haar talent om mensen te observeren en hun gevoelens te doorgronden. Deze sterk ontwikkelde intuïtie is terug te vinden in haar beelden. In haar werk zijn natuurlijke materialen het uitgangspunt. Altijd is ze op zoek naar hout, takken en schors, verweerd door weer en wind. Hierin zoekt ze naar kracht, ritme en evenwicht. Van hieruit vertrekkend ontstaan als een ontdekkingstocht haar beelden.Als beeldend kunstenaar probeert Ingrid de wereld om haar heen, wat haar opvalt, waar ze over nadenkt, wat ze meemaakt of waar ze tegenaan loopt, weer te geven in een beeld. Het spannende is dat ze van tevoren niet weet wat het uiteindelijk gaat worden. Welk materiaal ze gaat gebruiken, of het 2D of 3D wordt, groot of klein.

Ingrid Slaa

Als beeldend kunstenaar probeert Ingrid de wereld om haar heen, wat haar opvalt, waar ze over nadenkt, wat ze meemaakt of waar ze tegenaan loopt, weer te geven in een beeld. Het spannende is dat ze van tevoren niet weet wat het uiteindelijk gaat worden. Welk materiaal ze gaat gebruiken, of het 2D of 3D wordt, groot of klein.

Rode draad in haar werk is het gebruik van haar eigen lichaam. Vaak begint Ingrid met een nieuw beeld door een mal te maken van (een deel van) haar eigen lichaam. Denk daarbij aan handen, vingers, voeten, haar gezicht, oren, neus, benen of ook haar rug. Met deze mal maakt ze dan meerdere afgietsels in diverse materialen. Vanuit het spelen met deze afgietsels, het maken van schetsen en het verzamelen van woorden die met een bepaalde gebeurtenis of gevoel te maken hebben groeit dan een nieuw werk.

Als kunstenaar vindt ze het een uitdaging om regelmatig nieuwe materialen te onderzoeken en toe te passen. Meest gebruikt zijn tot nu toe: gietwas, siliconen, gips en epoxy. Soms ook in combinatie met textiel en fotografie.

Marianne Y. Naerebout

Het leven geeft mij enorm veel inspiratie. Zo zie ik het thema: Circle of Life” in mijn kunstwerken terug.
Het begint wanneer ik als kind mijn voeten in het zand zette en de golven van de Caribische Zee over mijn voeten voelde rollen. Dan droom ik verder over het water, de lucht en zie ik de mooiste kleuren.
Zo ontstonden voor mij de vier elementen welke mijn Circle of Life vormen.

Zand, water, lucht en vuur. 
Vuur is mijn passie voor kleur.
En met passie blijf ik creëren, net zolang tot de kleur uiteindelijk uit mijn leven zal verdwijnen door ouderdom. Maar nimmer door de passie te verliezen.

Kleuren brengen vreugde!

Ieder moment van leven heeft zijn schoonheid, in zijn zwakte en in zijn kracht.

De kunst van leven is te leren de dagen van voorspoed en de dagen van tegenspoed te omhelzen. 

Erma Mölder

Erma Mölder (Deventer, 1967)
Vergankelijkheid en vervreemding zijn terugkerende thema’s in haar werk. Veelal in (oud en gehavend) hout en roestig metaal bouwt ze ruimtelijk werk om zo een nieuw leven te geven aan materiaal dat al in een andere setting een leven heeft gehad. De schoonheid die dit verval met zich meebrengt intrigeert haar. De maatschappij waarin we nu leven is gericht op perfectie, beter, mooier, meer. Mölder richt zich op alles wat daarbuiten valt en brengt dit op haar manier onder de aandacht. Soms ook met een vleugje humor. Het werk oogt ruig, stoer en doorleefd. Ze ziet zich als verhalenverteller.

Mots Kocic

Mots Kocic, geboren en getogen in Joegoslavië, nu Kroatië….Met veel passie werkzaam geweest als meubelmaker, zoals de meeste meubelmakers dat zijn… Inmiddels vrij om zijn vrije tijd te besteden aan wat hij echt mooi vindt: het creëren van gebruiksvoorwerpen van hout met een bijzonder design… Zijn werken worden gekenmerkt door de gedachte dat zoiets nog niet eerder is gemaakt of gezien…

Hij heeft geëxposeerd tijdens diverse tentoonstellingen in Steenwijkerland (“Als je van hout houdt”, “Zevensprong”, enz). Een van zijn kleurrijke ladekasten is gedoneerd aan het ziekenhuis Isala, kinderafdeling…..

In 2019 heeft hij meegedaan met de “Zomerexpo 2019”…..Dit is de lands grootste kunstverkooptentoonstelling…. De tentoonstelling trok 78.000 bezoekers, er kwamen veel enthousiaste reacties en een kwart van de werken werd verkocht. Mots zijn ladekast heeft 3 maanden bij de Fundatie Zwolle gestaan…en veel lovende reacties ontvangen….

Doorgaan zolang het kan om mooie dingen te kunnen maken, in alle vrijheid, is zijn motto!

Faralda Takkenberg

De kunst van Faralda Takkenberg weerspiegelt de fascinerende aspecten van het universum. De sterrenhemel met zijn oneindige kleurenpaletten, de grijs getinte maan of het dansende noorderlicht.

Faralda is een kunstenaar die zich laat leiden door intuïtie en gevoel.
Door het basismateriaal epoxy met de hand aan te brengen, legt ze letterlijk haar hele gevoel in het schilderij. Omdat epoxy tot het laatste moment in het droogproces blijft bewegen, is het altijd een verrassing hoe het uiteindelijke kunstwerk is geworden. Het maken van een kunstwerk is eigenlijk een samenspel tussen Faralda en het materiaal. Faralda bepaalt de richting, de epoxy bepaalt het resultaat.

De natuur is een grote inspiratiebron voor elk kunstwerk. Daarom worden er voor elk verkocht kunstwerk 10 bomen geplant.

Rachel Daeng Ngalle

Gekscherend heb ik het wel eens over zelfkastijding als het over het werken met glas gaat. Mijn objecten zijn van het eerlijke materiaal glas, waar ik veel respect voor heb.

Het is veelzijdig en tegelijkertijd meedogenloos en daarvoor een fascinerend materiaal om mee te werken. De vele eigenschappen en technische mogelijkheden om het vorm te geven, het door verhitting kunnen samensmelten van kleuren en vervormen door blazen, knippen, buigen of vormen in een mal blijven uitdagen.

Naast geblazen objecten in de speciale Roll-Up techniek, maak ik ook kleine installaties en beelden gevormd in de cire perdue techniek.

Rachel Daeng Ngalle

Rolanda Jongerius

Born in Utrecht 1969
Studied Spatial Design, Fine Arts, and Art History at the HKU.
Scholarship STIR,  stay in Paris 1995, research ‘Postmodernism’ crossing borders between mixed media, such as Photography, Painting and Architecture.

The last 18 years I have been working in Holland as a interior designer, spatial designer, and illustrator for Malmberg publisher.

Since the start of the Corona lockdown I started drawing and painting again, as a form of mindfulness..
The starting point of inspiration often starts with observations of nature, how people are related to that nature, and even manipulating that same nature, as well as degradation of the value of it..
However, we often go back to nature in times of worries and anxiety, like in Corona lockdowns lately..

In these series of Hybrid flowers, I suggest that different species can be mixed, by nature itself or by human manipulation..

Willem van Oijen

Interested in and accustomed with glass from an early age, Willem van Oijen jr. really started to love working with this amazing and beautiful material while he was receiving his glass art education from his father Willem van Oyen sr. (glass artist – painter – sculptor  since 1947)

All his knowledge, experience and artistry he has passed on to his son, who joined his father in his glass art studio BEVO in 1978.  In 1993 he succeeded his father in managing the studio. He masters the techniques of sandblasting and glass-appliqué.

Recently his interest is also focused on techniques like pâte-de –verre and glass-casting, which create more possibilities towards making 3-dimensional sculptures.

Through light, glass becomes alive. Working with glass, in a way, is working with light.

Forms created by design, into or onto glass, are breaking the light, thus creating a three-dimensional radiance inside and around the object, by ways of reflecting and projecting light and shadow patterns.

The result is a melting kind of adaptation with almost every space the glass object is placed in.

This effect intrigues me enormously.”

techniques like melting, fusing, engraving, polishing etc, are often added.

My work ranges from monumental glass-facades in buildings (like churches, city town halls, schools etc.) to free standing panels or objects and sculptures.

An important aspect in my work is that I  try to create an interaction between opposites in the way the surface of an object is worked, the use of color, the difference in radiance of the materials used, the concept and design.

By making use of contrasts creates tension in my work, a tension carefully balanced, consequently resulting in homogeneous but strong objects of art.

The vase or vessel shape in the objects is purely used as a surface, a base to work on. The form or shape is only secondary to the usefulness of the surface and the thickness of the glass, in which by means of different techniques, a design of flowing shapes and lines can be created.

The surface of the blown glass form is reshaped, penetrated and manipulated by the use of deep relief sandblasting/carving, cutting, grinding, polishing, etching and engraving.

Sometimes extra relief is created by adding shapes consisting of small pieces of glass to the surface.

In the end, the form of the vase or vessel will be reshaped into an object “constructed” of intertwined forms and shapes in a changing pattern of frosted and transparent parts.

Because of the transparent “windows” in the compositions, an interactions is created between the design on the front and the design on the back of the object.

As a result of completely using the material and its prime aspect, the transparency, an extra dimension is created into the design.

By using the blown glass in an object in combination with other materials like bronze, stainless steel, steel, wood or stone, the transparency and fragility of glass is accentuated more.

The strong, hard, massive and heavy side of glass is shown in the bigger and solid objects and sculptures.

The block, cylinders or pillars formed by fusing or laminating sheet glass make it possible to sand carve forms and shapes even deeper into the surface. I often combine these sculptures of carved glass with carved wood or stone.  As a result the expression of the sculpture and the materials used, will strengthen each other.

This way I am  exploring, applying and shaping all facets of the material glass in my work.

Maurice la Rooy

Maurice La Rooy (Amsterdam, 1992) graduated in Graphic Design at the Mediacollege Amsterdam in 2012. After realizing that the world of computers and Graphic Design was nog the life he had envisioned he started an apprenticeship, glassblowing, at the Van Tetterode Glass Studio, then owned by his father, Louis La Rooy (1947)

He apprenticed there for two years at which he was the Hot shop Coordinator at this point. He met several of the glass artists in the community and it wasn’t long until he met John Moran whom had just started a Glass Studio in Ghent, Belgium. In 2015 Maurice started working at Gent Glas on a regular basis involving himself in the educational part of the studio. Since 2019 he has been the Studio Coordinator at Gent Glas and is mainly focused on the educational programs that Gent Glas has to offer.

Mirrin

Mirrin is een Nederlandse textielkunstenaar die dagelijks te vinden is in haar viltatelier in Almere.

Gedreven door een fascinatie voor de materialen die zij gebruikt en een eindeloze scheppingsdrang creëert zij organisch ogende en tactiele werken die de verwondering doen aanspreken.

Zij maakt hierbij gebruik van de eeuwenoude techniek van het vilten. Op bijna alchemistische wijze transformeert zij de natuurlijke, losse en vaak kwetsbare vezels tot vilt. Een stevige, zacht aanvoelende stof met geluiddempende eigenschappen.

Vaak is wol het enige materiaal wat Mirrin gebruikt, maar ook verwerkt zij regelmatig zijde, linnen en andere natuurlijke vezels in haar kunstwerken. Naast deze materialen gebruikt Mirrin niets anders dan water, zeep en spierkracht.

De veelzijdigheid van de wol en de transitie die het kan doormaken onder haar begeleiding intrigeren Mirrin enorm. De afgelopen jaren heeft de exploratie van deze materialen haar wezenlijk veranderd, omdat het vilten zowel geduld, vertrouwen en overgave van haar heeft geëist. Deze eigenschappen bezat zij voorheen amper en heeft zij door het vilten kunnen ontwikkelen tot krachtige persoonlijke kwaliteiten.

Uiteindelijk kwam zij tot de realisatie dat het vilten haar gevormd heeft, terwijl zij bezig was met het vilt vorm te geven.

Foke Stribos

Foke Stribos (1949), telg uit een artistiek en creatief gezin te Weert en woonachtig te Dirksland, genoot zijn opleidingen aan de St. Joost Academie in Breda, de Jan van Eyck Academie en de Stadsacademie voor toegepaste kunsten in Maastricht en de Hogeschool en Willem de Kooning Academie te Rotterdam.

Naast werkzaam te zijn geweest als docent bleef hij altijd actief als beeldend kunstenaar. Dit uit zich onder andere in schilderen,  het schrijven van publicaties, het initiëren en deelnemen aan kunstmanifestaties en het veelvuldig exposeren in gerenommeerde galerieën en kerken. Ook was hij op televisie te zien in enkele kunstprogramma’s.

Hij schildert met brede streken kleur, vorm en ritme. Thema’s vindt hij veelal in filosofische ideeën en de bijbel, de natuur, het schilderplezier zelf en uiteraard in de reflectie daarop. Een thema als uitgangspunt, of samenstellingen van beelden en beeldfragmenten die nieuwe genereren, brengen associaties en denkprocessen op gang, die hem vervolgens weer onzeker maken en prikkelen. Op deze wijze creëert hij zijn werken van acryl of olieverf (al dan niet met zand vermengd) op doek, paneel, papier of karton. Foke beeldt zowel de geabstraheerde werkelijkheid uit als ook het in thema’s vervatte realisme.

“Het werk van Foke Stribos bevindt zich veelvuldig op het kruispunt van figuratief en non-figuratief. Hij ontleent zijn motieven en onderwerpen weliswaar aan de werkelijkheid maar vormt ze al schilderend telkens om. En wel zodanig dat er tijdens het verregaand abstraheren vaak een nieuwe, picturale werkelijkheid ontstaat. Het gericht zoeken naar precieze vormverhoudingen, het juiste ritme en vinden van originele kleurstellingen zijn de pijlers onder zijn boeiend oeuvre.

‘Scharlakenrode stilte’ is in mijn optiek een parel van een werk met een schitterend spel tussen grote en kleine vlakken. Daarenboven is het coloriet nu eens fel en dan weer ingetogen. Chapeau!”

Evelien IJpelaar

Na haar opleiding bouwkunde aan de Technische Universiteit in Eindhoven volgde Evelien de creatieve beroepsopleiding Fotografie bij Stichting Statief in Utrecht. Naast haar baan als architect rondde ze in 2010 deze fotografie opleiding succesvol af. Al tijdens de opleiding specialiseerde ze zich in autonome fotografie. Na haar opleiding ontwikkelt ze verder en maakt naast natuurfoto’s vrijwel uitsluitend abstracte werken. 

Evelien haalt haar inspiratie uit de natuur en de omgeving om haar heen. Met haar werk brengt ze haar gevoel over. Ze maakt abstracte beelden waarmee ze je wil laten verwonderen en laten fantaseren. Door het maken van haar (abstracte) beelden maakt Evelien zichtbaar wat voor veel mensen onzichtbaar is. 

Haar uitspraak ‘dat zoiets simpels, zo mooi kan zijn’ komt helemaal terug in haar werk. Evelienfotografeert de dingen zoals ze zijn, maar vanuit een ander perspectief. Van iets relatiefs simpels maakt Evelien een abstract beeld. Het beeld vindt ze op straat of ze creëert het zelf in haar studio.Kleuren en vormen spelen hierbij een belangrijke rol. De beelden zijn puur zoals ze zijn, er is geen nabewerking meer gedaan in photoshop. Soms is het onderwerp nog te herkennen, soms ook niet; je mag fantaseren! 

Anna Koudstaal-Burgers

Ik ben Anna Koudstaal-Burgers geboren in 1959 te Kortenhoef en nu wonend in Schoonhoven. Na een hartinfarct ben ik in 2013 begonnen met schilderen. Zo heeft ieder nadeel zijn voordeel en ben ik dankbaar dat ik mijn talent kan gebruiken. Mijn inspiratie vind ik door het in beeld brengen, onderzoeken en traceren van mijn “eigen” leven en alle lagen daarvan.

Anneke Ingelse

Anneke Ingelse studeerde aan de Vrije Academie voor Beeldende Kunsten in
Den Haag en daarna aan de IKO Academie van Beeldende Kunsten in België,
waar zij
afstudeerde met een laureaat voor schilderkunst. Daardoor mocht zij haar
werk exposeren in het Stedelijk Museum van Hoogstraten.
Zij heeft haar atelier in Gouda.
De bron waaruit Anneke haar werk maakt, zijn situaties die zij in het
dagelijks leven ziet die haar boeien, raken en/of vragen oproepen.
Zij maakt daar een notitie van in de vorm van een schets of foto en
maakt daar een schilderij van door een compositie op te zetten waarin
het geziene beeld is terug gebracht tot strakke lijnen en vormen.
Daardoor komt zij tot een geheel eigen visie en beeldanalyse van het
door haar destijds geziene beeld.
Een belangrijke inspiratiebron voor haar is de architectuur.

Voor allerlei muziekuitgeverijen ontwerpt Anneke Ingelse de covers van
muziekboeken.
In 2021 ontwierp ze ook in opdracht van CD producer” Diamond Line” de
hoes van de dubbel CD “Die Kunst der Fuge” van Johann Sebastian
Bach.
Anneke Ingelse exposeert regelmatig in Nederland en exposeerde ook in
Duitsland en België.

William Nunnikhoven

Als kunstenaar ben ik geïnspireerd geraakt door beelden uit de oudheid met name de beelden die imperfect zijn  geworden door de loop van de tijd en  door vaak onbekende oorzaken.

Erosie en tijd zullen op natuurlijke wijze  invloed hebben op het materiaal van mijn  beelden waardoor deze van uiterlijk  zullen veranderen

Als kunstenaar ben ik geïnspireerd geraakt door beelden uit de oudheid met name de beelden die imperfect zijn  geworden door de loop van de tijd en  door vaak onbekende oorzaken.

Erosie en tijd zullen op natuurlijke wijze  invloed hebben op het materiaal van mijn  beelden waardoor deze van uiterlijk  zullen veranderen

Door dit met dagelijkse gebeurtenissen uit het leven of media te koppelen probeer ik met mijn sculpturen een beeld  te geven van het tijdsbeeld waarin we nu leven

Antoon van Wijk

During a journey through the Himalaya in India my eyes opened with wonder and peace, so vulnerable!

How can I let these feelings merge into my art?
The bubbling had begun when I saw Buddha’s and Ganesha’s.
Once back in the Netherlands my first thought was to make a Buddha in Bronze, but metal is not as breakable as life is.
It became Blown Glass, but the dependence on renting a studio with a Gas Oven was to expensive every time.
So I bought my first electric oven and started to discover what the possibilities were with Casting Glass Images.
And that was a fast development with Exhibitions in Galleries and Museums in the Netherlands and abroad.
And it made me happy.

Cor Lap

“Typisch, warm en menselijk, het werk van Cor Lap vangt esthetisch de zeggenschap van de onderwerpen. Als portretschilder is Cor een kritische observator en een inlevende intermediair tussen de onderwerpen die hij portretteert.Hij zoekt naar de essentie van de mensen die hij schildert en versterkt dat door zijn stijl van schilderen. We worden de afbeelding ingetrokken door de details, lichtval en de warmte. We krijgen bewondering voor het onderwerp. Door zijn vakmanschap bouwt hij, d.m.v. transparante lagen olieverf, zijn onderwerpen op tot een spannend kleurenspel.”“Zijn forse schilderijen typeren zich door het gebruik van krachtige kleuren. Het ondersteunt de zeggingskracht van de geportretteerden. Soms is dat het kwetsbare, soms is dat de trots. Ook de buitenkant laat zien wie ze zijn of willen zijn. In zijn sur-realistische schilderijen vertellen combinaties en details een verhaal over de geporttreteerde persoon, zonder dat je ze kent of herkent.”Als autodidact heeft Cor zijn eigen stijl en werkwijze ontwikkeld en zoekt hij in elk schilderij naar materiaaluitdrukking en details die uiteindelijk leiden naar de schoonheid als geheel.”IEDEREEN IS KLEURRIJK”

Marianne van den Berg

Het werk van Marianne van den Berg raakt!

In haar werk verbeeld Marianne van den Berg de mens, niet de exacte weergave,

maar de herkenning roept zij op. Haar beelden zijn krachtig en kwetsbaar tegelijk.

Door haar intuïtieve manier van werken heeft zij een pure en hele eigen stijl ontwikkeld.

Herkenbaar aan haar werk is het spelen met vorm en vervormingen in het maakproces dit

geeft net als de afwerking van haar eigen patineermethode haar beelden die eigen stempel en uitdrukking.

Marlies Geldof

Marlies Geldof is an artist with a large fascination for bright earth tones, gradients, organic shapes, but also geometry and the human body. 

After exploring different paths in her life, the passion for art and the power of creation proved stronger than anything else. Art has always been a prominent element in her life. Therefore she devoted her life to making various art forms containing resin, crackle, organic structures, the contrasts between those structures and geometry.

Because of her experimental way of creating the artworks keep transforming. That keeps them inspirational to make and keep intriguing the admirer and herself. 

Quote by Marlies: ‘Making art is a lifelong process”

Annette Defoort

I build up the sculpture from the inside. I try to treat the clay as seldom as possible from the outside. My sculptures are archetypes of people and animals.

Every impression of perfection is consciously avoided; the rough, the unpolished, the non-planned and the non-charming is maintained throughout the whole work.

Spontaneity takes control of the process so that the sculpture builds itself without much interfering by myself.

Dimitri Casters

Dimitri Casters heeft zich expressief weten te uiten als een gedreven kunstenaar. De opgedane indrukken of beelden en gebeurtenissen uit het dagelijks leven, die hem hebben geraakt, worden op een eerlijke en sfeervolle manier in beeld gezet. Aanvankelijk beperkte hij zich inhoudelijk tot realistische portretten en surrealistische werken.. Al zoekend naar de perfectie om zijn gedachtengoed beeldend te verwoorden, kregen we van hem een reeks abstracte doeken te zien. Hierin kreeg de lijnvorming en de opbouw van intimistische ingekleurde vlakken een centrale plaats. Vaak trof men in deze werken suggestieve verwijzingen naar de figuratie. 

Het (…) oeuvre van Dimitri Casters is het meest verwant met het abstract expressionisme. Met contrastrijke composities, ritmisch opgebouwd en verrijkt met frisse kleuren, groeit zijn werk uit naar een verrassende beeldvorming die de kijker bekoort. Bovendien slaagt de kunstenaar erin om met suggestieve elementen en gestalten zijn verbondenheid met de medemens en zijn cosmos in beeld te brengen. Het is alsof hij een strijd levert met het leven, maar dan wel met een mistieke benadering van het gegeven. Gebruik makend van een beredeneerde symboliek en een rustgevend evenwicht tussen het zijn en de emotie, weet hij fascinerend uit te pakken. Het geheel oogt als een kleurrijke compositie die als het ware verhalend refereert naar de werkelijkheid om ons heen. Zijn geeigend kleurgebruik, in al zijn schakeringen, weerspiegelt zijn gevoelens van het moment. Elke compositie vertoont een heldere aanzet, vaak doorbroken met een geaccentueerde streep alsof hij worstelt met een onaangename ervaring. De spanning in de opbouw neigt naar speels optimisme. Bovendien slaagt hij erin om het geheel sfeervol om te toveren zodat de kijker er zijn eigen dromen kan bij aan te vullen. Zijn gepassioneerde creativiteitszin draagt een lyrische boodschap uit. Op een spontane wijze geeft Dimitri Casters uiting van zijn zielsverbondenheid en geestelijke verwantschap met het leven. Deze filosofische onderliggende gedachte wordt op een aangrijpende manier beeldend verwoord. Elementen worden harmonisch op doek uitgewerkt, waardoor de kunstenaar op een humaan spirituele manier zijn impressies prijsgeeft. Krachtig van vorm en met een symfonie van kleuren weet hij elke kijker te ontroeren.

MikeGramanART

MikeGramanART
Michael Graman – Den Haag 1977

  Geen New kid on the Block. Al vanaf zijn 15e rollen de eerste
schilderijen van de pers, of beter gezegd, uit zijn slaapkamer.
  Beginnend als striptekenaar en het maken van graffiti’s, verdiepte hij
zich steeds meer in de abstracte kunst. Grote inspiratiebron vanaf zijn
jeugd is de kunstenaar Karel Appel. Tevens groot fan van de  Amerikaanse
Jackson Pollock en de geweldige Jean Michel Basquiat.

  Deze combinatie van invloeden en zijn grote passie voor muziek, maakt
hem uniek in zijn manier van schilderen. Abstracte grote werken met veel
kleur, PopArt doeken met verwijzingen naar muziek,film grootheden en
comic based ART,zijn voorbeelden van stijlen die Mike graag maakt.

  Niet in 1 hokje te plaatsen, dat is de beste omschrijving.
  Ben je opzoek naar een uniek, kleurvol en om maat gemaakt doek, met
liefde en passie gemaakt? Dan komt Mike graag met je in contact.

Rosalinde Huizinga

Rosalinde Sigrid Huizinga (1965, Assen) verkeert met haar werk in de
wolken.

“Ik wil schilderen dat wat niet kan op een manier waardoor het lijkt
alsof het zou kunnen”

Ze werkt met olieverf in dunne lagen, opbouwend op alucore, het
zogenaamde honingraat-aluminium.
In haar werk geeft ze de gelaagdheid van haar vrijheid weer; in zijn,
denken, verbeelden en uitbeelden.

Ze hoopt dat de toeschouwers even stil blijven staan en zichzelf de tijd
gunnen om naar binnen te kunnen kijken, op zoek naar wat vrijheid voor
hen betekent.

Jaar Exposanten 2021

Pauline Luiten


Ik ben een laatbloeier. Pas halverwege de veertig kwam ik via een vriendin terecht op de kunstacademie in Maas-Mechelen. Na 25 jaar horeca wist ik het meteen: hiér ben ik op mijn plek, hier kan ik doen wat ik écht graag wil.

Op de academie leerde ik om door middel van tekenen en vormgeven mijn overtuigingen en bijbehorende emoties in beeld te brengen. Als mensen vroegen ’Wat is het verhaal achter deze tekening?’ dacht ik altijd, er is geen verhaal, ik vind het gewoon een mooi plaatje. Gaandeweg kwam ik er achter dat er wel degelijk verhaal in mijn beelden zat, mijn verhaal. Het voelde enorm bevrijdend om eindelijk beeld te kunnen geven aan mijn gedachten en emoties.

Ik weet nu dat beelden kunnen versterken. Of dat nu een artikel, een boek, een levensverhaal, een mededeling of lesmateriaal is. De lezer kan zich door een afbeelding meer verbonden voelen met de kern van het verhaal. Ik word er heel blij van om dat te mogen doen.

Mag ik jouw verhaal laten zien?

Willem Rasing


”Script for a jester’s tear” is de titel van mijn serie
olieverfwerken hier in Micksart. Een liefdesgedicht van rockband Marillion, geschreven door zanger Fish. Na 50 jaar niet meer met olieverf te hebben gewerkt vanwege het moeilijke karakter van dit materiaal besloot ik het toch weer eens te gaan proberen voor mijn geplande expositie in 2018 in Amsterdam. Helaas kreeg ik eind 2017 een ernstig herseninfarct die mij linkszijdig totaal verlamd maakte.
Balancerend op 1 been met tussendoor veel rustpauzes was het een principekwestie, therapie en uitdaging deze expositie doorgang te laten vinden. Hetgeen ook lukte.

ArtspaceArtX

Vanaf jonge leeftijd ben ik al geïnteresseerd in kunst. Deze passie is tot uiting gekomen in schilderen, muziek en focust zich nu op digitale collage kunst. Online ben ik bekend als ArtspaceArtx, waar het dynamische platform Instagram het medium is om mijn kunst te delen met de wereld .

 De kunstwerken starten met een globaal idee, een visie of droombeeld dat inspiratie vindt in de natuur, het heelal en onze moderne samenleving. Deze ideeën mengen zich tot een toegankelijk totaalbeeld, omringd door surrealisme. Het nodigt de kijker uit om te dromen, om de grenzen tussen fictie en realiteit om te buigen en nieuwe werelden te betreden.

Door te spelen met kleurgebruik, perspectief en compositie wordt de kijker uitgedaagd en ontstaat er een unieke kijk op de kunst.

Door kunst heb ik connecties kunnen vormen over de hele wereld. Door samenwerkingen prikkel ik mijzelf om nieuwe perspectieven te werpen op mijn kunst en altijd te blijven evolueren.

Ik nodig u graag uit voor een bezoek in mijn werelden.

Georges de Groot

VOOR GEORGES DE GROOT (1974) ZIJN TEKENEN, SCHILDEREN EN BOETSEREN EEN RODE DRAAD IN ZIJN LEVEN.

Door zijn rijke fantasie ontstaan er in zijn schilderijen en beelden eigenzinnige wezens die je laten verwonderen over hun zijn. Ieder werk vertelt zijn eigen verhaal waarin vorm en kleur je doen verrassen. Zijn inspiratie haalt hij uit de dierenwereld en sprookjes, maar ook de Middeleeuwen en de oertijd zijn dankbare onderwerpen. Een leeg doek krijgt van Georges de Groot een achtergrond met structuur wat zijn werk extra diepte en levendigheid geeft. De schilderijen, vol van kleur en expressie, drukken positivisme uit. De beelden van keramiek zijn veelal opgebouwd uit verschillende lagen en bevatten verrassende elementen. De bijzondere wezens van keramiek van Georges de Groot zijn mede hierdoor een genot om te aanschouwen en daardoor erg geliefd bij het publiek.

Gert Jan Slotboom

Gert Jan Slotboom (1957) toont de nieuwste werken uit zijn oeuvre. De kwetsbare, eenzame, vergankelijke mens staat centraal. Slotboom kijkt met compassie en een melancholische blik naar de worsteling die het leven altijd weer blijkt te zijn. De mens voert een innerlijk gevecht tegen zijn eigen pijn, verdriet en angst.

Slotboom toont de naakte mens. Naaktheid is in de geschiedenis van de kunst al vaker gebruikt als metafoor voor de waarheid en kwetsbaarheid. In zijn werk wil hij proberen onze angsten en zwakheden, die we verborgen willen houden voor buitenstaanders, aan de oppervlakte te brengen. ‘In juist die angsten en zwakheden herkennen we onszelf in de zuiverste vorm en daar gaat het om.’

Op levensgrote doeken toont Slotboom de mens in zijn onbeschermde kwetsbaarheid. Eenzaam, melancholisch, pijnlijk. Rauw en zonder opsmuk. De schilderijen zijn confronterend. Het werk roept een beeld op waarin we ook onszelf zouden kunnen herkennen. Individu en toch universeel. 

We worden gewaar wat we werkelijk zijn: tempels van kwetsbaarheid, eenzaamheid en sterfelijkheid.

Verfhuid
Gaandeweg deze serie is de textuur van de verf een belangrijke rol gaan spelen. De verf in combinatie met het thema wordt, als logisch gevolg, rauw opgebracht. Dus er is meer overeenstemming in vorm en verf. De manier waarop verf wordt opgebracht moet op een logische manier ondersteunend zijn. Een bijkomend effect is dat een doek op afstand, door vervloeiing van de toets, een fijne uitstraling krijgt, maar van dichtbij gaat de verfhuid een belangrijke rol spelen bij de beleving van het schilderij.

Patty Albersberg

Patty Aalbersberg (1959): Naast het schilderen van portretten en figuren ben ik sinds enige tijd  bezig met een serie schilderijen waarin het menselijk naakt een grote rol speelt. Met gebruik van reliëf door verschillende materialen, in samenspel met aardse tinten, werk ik aan een achtergrond waar het lichaam een onderdeel van wordt.. Het abstracte en figuratieve ontmoeten elkaar en geven mijn werk een dynamiek die bepalend is voor het sfeerbeeld: prachtig, sensueel, kwetsbaar maar toch sterk, volop in beweging of juist heel verstild en sereen.

Tinus D.

is autodidact en vanuit zijn eerste expositie Trash & Treasure geheten in 1997 heeft hij onafgebroken gewerkt aan een eigen stijl. Hij is zeer betrokken bij natuur en milieu en daarin ligt de reden dat hij van spullen en materiaal dat is weggegooid of is afgedankt zijn kunst is gaan maken en dat tot op de dag van vandaag nog steeds zo doet.
Naast het creëren van sculpturen en installaties ontwerpt hij ook diverse mode accessoires zoals spectaculaire kronen, zonnebrillen van onder andere meccano en diverse designer handtasjes met led verlichting. Hiermee heeft hij prijzen gewonnen onder andere tijdens het filmfestival in Cannes in 2010, 2011 en 2012.
Ook komen de vrouwelijke vormen op allerlei manieren terug in zijn werk, bijvoorbeeld de bekende ritsen vrouwen in verschillende kleuren en poses en de metalen body’s. 
Daarnaast maken de engelenvleugels een belangrijk deel uit van zijn werk. Ze worden gemaakt van metaal, kunststof, glas en licht. Tinus vindt steeds een nieuwe manier  om met verschillende technieken een volmaakt geheel te bereiken.

Ferdi de Bruijn

Altijd lastig om iets over jezelf te vertellen, maar …. ik ontwerp en produceer al ruim 25 jaar diverse woonaccessoires, zoals klokken en sfeerlampen in mijn atelier in Dronten. Naast het gebruik van verschillende productietechnieken zoals flatbed printing, frezen, laseren, warm buigen, zagen en 3D-printen ben ik in 2003 ook gestart met een lang gekoesterde wens om ook te gaan schilderen. Ik gebruik acrylverf op hoogwaardig kunststof.

Mijn drive als autodidact kunstenaar is dat ik aan dagelijkse gebruiksvoorwerpen een extra dimensie toevoeg. Bijvoorbeeld een sfeerlamp is overdag al een mooi kunstobject, maar ’s avonds heeft het een totaal andere uitstraling.
Kortom: functionele kunst made in Holland met als extra dat ieder object UNIEK is!

Heeft u specifieke wensen laat mij dit dan weten.
Natuurlijk kunt u (op afspraak) ook mijn atelier bezoeken.
Dus laat u verrassen!

Annie Sturing

ANNIGJE (1961) tassen is een label dat bijna haar 10e verjaardag viert. De eerste tas heb ik gemaakt naar aanleiding van een droom. Ergens tussen slapen en ontwaken was er een helder beeld ontstaan van de tas die ik ging maken. Inmiddels zijn er vele ANNIGJE’s in gebruik over de hele wereld. De tassen zijn altijd unica’s en kenmerken zich door enthousiast kleur gebruik en eigenwijs design. ANNIGJE is  vaste Exposant bij Micksart Collectief.

Samen geven we vorm aan het MI&ANN label: Art Jackets en zijn we creatief ondernemer.