© 2022 MicksArt Collectief. Powered by We’R Media
Ik begon met tekenen toen ik zestien was. Ik volgde verschillende kunstopleidingen en studeerde later aan de Academie voor Schone Kunsten in België, waar ik me specialiseerde in portretschilderen met olieverf. Na een aantal jaar verliet ik deze klassieke weg en ontwikkelde ik een persoonlijke stijl die eigenlijk het tegenovergestelde is van wat mij geleerd is. Maar deze nieuwe stijl zou niet kunnen bestaan zonder de grondige opleiding die ik heb gevolgd. Het is meer een logische ontwikkeling. Als schilder blijf ik leren, wat betekent dat thema's regelmatig veranderen. Ik voel me erg bevoorrecht om dit kunstenaarspad te bewandelen.
Ik speel graag met de werkelijkheid, kleuren, licht, vormen, bewegingen en transformeer beelden. Ze lijken misschien een beetje vervormd, zelfs als ze realistisch zijn, maar ik zoek altijd naar harmonie.
Antoinette van Rij maakt abstracte kunst, geïnspireerd door het buitenleven aan de kust: het strand, de zee en de duinen.
Haar liefde voor het schilderen zat er al vroeg in. Op de Kunstacademie Eeklo in België kwam haar passie voor abstracte schilderkunst echt tot bloei. “Abstractie geeft vrijheid, het is een proces en emotie die je wilt overbrengen op het doek.”
Antoinette haalt haar inspiratie uit de natuur, dicht bij huis. Het strand en de duinen zijn haar favoriete plekken: “Na elke wisseling van het tij, zien de eb- en vloedlijn er anders uit en spoelt er van alles aan uit de zee. Ook het geluid en de geur van de zee zijn voor mij een inspiratiebron.”
Haar uitgangspunt is op het strand gevonden voorwerpen, vaak al kapot en beschadigd. Ook de schoonheid van het zeewier ontgaat haar niet. Vanuit een bestaand beeld vergroot en abstraheert Antoinette haar onderwerp. Zo wil zij onder de aandacht brengen waar je in het dagelijks leven aan voorbijgaat. Met olieverf, het liefst op groot formaat doek: “Ik kies mijn eigen kleurenpalet en werk met verschillend gereedschap. De verf gaat zijn eigen leven leiden en zo begint de zoektocht naar een nieuw schilderij.”
In de ontwikkeling van de werken van Adriaan is het voortdurende aftasten van de schildertechnische mogelijkheden een constante factor.
Door deze beheersing van de materie ontstaat een gelaagdheid op de hoeken die complexer wordt naarmate Adriaan wisselende technieken toepast.
Door insnijdingen te verrichten in de bovenlaag en later te schilderproces te hervatten krijgen de schilderijen een bijkans sacrale uitstraling.
Kunstenaar Harry Arling ziet schoonheid in elk afvalproduct.
De basis voor een nieuwe Kosmotronik is altijd een plastic item. Een item dat bijvoorbeeld ooit een huishoudelijk apparaat was, zoals een föhn of een mixer. Deze items, eenmaal gebroken, worden door de meeste mensen als afval beschouwd, maar Harry ziet de schoonheid erin. Hij ontwerpt een nieuwe Kosmotronik helemaal vanuit het niets en in plaats van zich beperkt te voelen door met bestaande materialen te werken, recyclet hij het afval tot kunst.
Lange tijd dacht Harry dat deze manier van kunst maken beperkingen had, omdat zijn uitgangspunt altijd een bestaande vorm is. Dit voorkomt dat hij een totaal nieuwe vorm of figuur creëert. Maar nu zijn kunst volwassen is geworden en zijn creaties unieke kunstwerken blijken te zijn, vindt hij deze manier van werken niet langer een beperking. Zijn Kosmotroniks zijn het bewijs dat het werken met bestaande materialen hem niet beperkt, maar zijn kunst juist veel sterker maakt
Elke Kosmotronik ontwikkelt en ontstaat tijdens de bouwfase, Harry gebruikt nooit een tekening noch maakt hij van tevoren een plan, ze evolueren tijdens de bouwfase totdat de Kosmotronik klaar is. Voor Harry is het bouwen van een Kosmotronik een avontuur van begin tot eind. Harry heeft veel oog voor detail, elke Kosmotronik is uniek.
ANNIGJE (1961) tassen is vaste exposant bij Micksart Gallery.
Het is inmiddels meer dan 10 jaar geleden dat de eerste tas gecreëerd werd. Ergens tussen slapen en ontwaken is er een helder beeld ontstaan van de tas die ik ging maken. Inmiddels zijn er vele ANNIGJE’s in gebruik over de hele wereld. De tassen zijn altijd unica’s en kenmerken zich door enthousiast kleur gebruik en eigenwijs design.
Samen met Erik en ons team geven we vorm aan het MI&ANN label: Art Jackets.
Samen zijn we creatief ondernemer en promoten we met veel plezier deelnemende kunstenaars.
De definitie van kunstenaarschap is voortdurend aan verandering onderhevig.
Als de makers van de piramides in het oude Egypte naamloze dienaren waren van hun goddelijke farao, dan waren Rubens en Rembrandt, ondanks hun bekendheid, in wezen niet meer dan dienaren van hun verschillende opdrachtgevers, die voor opdrachten volledig van hen afhankelijk waren. In de Romantiek zien we echter hoe de kunsten zichzelf emanciperen en door het aanbod in plaats van de vraag worden geleid. De kunstenaar is dominant en bepaalt de agenda, zijn klanten zijn vermogende burgers die zich willen voeden met zijn genialiteit en kunst wordt autonoom.
De variaties tussen de twee hier geschetste polen zijn eindeloos en de studie van de kunstenaar en zijn rol in de wereld zijn bronnen van permanente fascinatie.
Beeldend kunstenaar Christian van Hedel (1974) schildert voornamelijk non-figuratieve abstracte kunst. Hij is al ruim 20 jaar actief als beeldend kunstenaar. Christian begon als autodidact kunstenaar, maar na het volgen van diverse workshops raakte hij er steeds meer in geïnteresseerd, zo volgde hij de beeldende kunstopleiding aan de Hogeschool voor de Kunsten in Utrecht (HKU). Zijn werk is regelmatig te vinden op diverse kunstbeurzen en tentoonstellingen in Nederland, België, Duitsland, Spanje, Denemarken, Frankrijk, Italië, China, New York en alles daartussenin.
Christian heeft voor zijn kunstwerken al verschillende internationale publieksprijzen gewonnen. Zijn werken worden wereldwijd verkocht. In een museum in China maakt zijn werk deel uit van de vaste collectie van het museum.
Begin 2017 startte Christian een gloednieuw project dat hij “Fiction Elements” noemde. Deze nieuwe serie bestaat uit kleurrijke muurvullende schilderijen. De werken zijn geïnspireerd door de natuurlijke en essentiële spirituele energieën van het dagelijks leven. Bewust van het onbewuste worden zowel ondoorzichtige als transparante vlekken, lijnen, vormen en lijnen geschilderd op canvas of op houten panelen. De contrasten tussen donker en licht, kleuren en zwart en wit voeren altijd de boventoon. De vormen zijn heel precies gedefinieerd, precies opgeroepen door de verfmaterie of ontstaan door het eigenzinnige gebruik van penselen of paletmessen. Door de zwarte lijnen die Christian in zijn werk gebruikt, wordt het een abstracte komische weergave die het geheel in evenwicht brengt. Zijn werk neigt naar street art of urban art. De kunstwerken zijn visuele concentraties van ervaringen, dromen en reflecties. Autobiografische beelden, waarin Christian het waarnemingsveld voorbij het puur visuele probeert te verbreden. Er is meer aan de hand dan je ziet; kunst als voedsel voor het oog en de geest.
Geboren: 18 juli 1938 in Barendrecht, Zuid-Holland, Nederland
Jan van der Voo is een striptekenaar wiens professionele carrière begon met een strip over de bouw van de Rotterdamse metro, ‘De Metroriet’.
In de jaren 60 werkte hij samen met Jan Kruis aan reclamestrips die werden gepubliceerd in “Donald Duck” en andere kinderstrips. Hun klanten waren onder andere Mars, Bounty, Milky Way, De Ruijter en anderen.
Hij werkte samen met Wim Meuldijk aan een stripbewerking van diens televisiekarakter ‘Pipo de Clown’ (1969–1973) en tekende de laatste jaren (1974–1979) van Meuldijks langlopende ‘Ketelbinkie’-film over een jongen met superkrachten, beide in “Donald Duck”.
Hij publiceerde ook regelmatig in “Sjors” in de late jaren 60 en de jaren 70.
In 1982 verhuisde hij naar Nieuw-Zeeland, waar hij tot 1997 bleef. Hij was politiek cartoonist voor de “New Zealand Herald”.
Na zijn terugkeer in Nederland illustreerde hij educatieve boeken en maakte hij de humoristische rubriek ‘Even een Piraatje’ in “MYX Stripmagazine”.
De geboren en getogen Hillegomse kunstenaar is een autodidact pur sang. Van jongs af aan vormt hij zijn eigen visie en oplossingen op ieder vlak en legt zo de basis voor zijn creativiteit. Dit fundament en laat hem buiten de geijkte paden zijn levensweg bewandelen.
Muren zijn de eerste dragers van zijn kunstzinnige uitingen, gevangen in maatschappijkritische graffiti’s.
Zijn werken tonen zijn veelzijdigheid, het gaat van realistische portretten, langs surrealistische werken, naar abstract. Zijn werk is dan ook moeilijk in woorden te vatten. Typerend is dat niets is wat het lijkt en dat in ieder werk een ontdekkingsreis schuilt.
Gezegend met kunst graaft hij in steeds diepere gronden, op zoek naar grenzen van de geest, om zichzelf te ontstijgen. “Ieder nieuw werk is een wedergeboorte na de dood van de vervolmaking van het vorige zijn. Zijn is het grootste goed, beter je leven.”
Yann Schuyers (Oss, 1954) ontdekte al vroeg in zijn leven de kunstenaar in zichzelf. Als kind verzorgde hij al handgetekende illustraties voor de schoolkrant. Door zijn creatieve geest raakte Yann al snel geïnteresseerd in fotografie, en maakte hij vormen in gasbeton en zelfs koeienbotten.
Zijn liefde voor sciencefiction inspireerde Yann om meubels en interieurs te ontwerpen voor fictieve utopische woongelegenheden. Graag was hij binnenhuisarchitect geworden, op advies van zijn school belandde hij echter op het Grafisch Lyceum en volgde de studie lithografie. Om toch aan zijn creatieve behoeften te voldoen, ging hij ook nog naar de Vrije Academie. Later haalde hij in Rotterdam zijn master in art-direction en vormgeving.
Door de jaren heen heeft Yann zich verdiept in een veelheid aan creatieve werkvormen die hem de mogelijkheid geven te werken met vorm en verbeelding. Vol interesse en bevlogenheid heeft hij zich beziggehouden met fotografie, zeefdrukken, tekenen en schilderen met potlood en acrylverf, digitale kunst en het ontwerpen van tuinen en meubels.
Als beeldkunstenaar geniet Yann ervan om steeds weer nieuwe technieken en materialen uit te proberen en toe te passen. En net als zijn smaak en interesses blijft zijn werk zich voortdurend ontwikkelen. Maar alles overstijgend is de bezielende inspiratie die hij haalt uit de schoonheid van de vrouw en het vrouwelijk lichaam.
Sinds de belangstelling voor een aantal opmerkelijke werken, is Yanns naam zich voorzichtig gaan vestigen. Een volgende stap voorwaarts was het in de wacht slepen van de World Fashion Award die hij in 2015 ontving voor zijn digitale beeldwerken. Met zijn huidige werk streeft Yann ook die erkenning na, en heeft hij eveneens de insteek om te exposeren en zijn werken te verkopen.
Het werk van Dijkslag kenmerkt zich door zijn grafische werkwijze.
Met kenmerkende strakke lijnen worden bekende en minder bekende landschappen en industriële bouwwerken tot bijzondere sferische composities verheven.
Geboren in 1958 te Amsterdam.
Marten woont in Winschoten tussen de polders van het noorderland.
Na enkele jaren bezig geweest te zijn met muziek en conceptuele projecten begon Marten met schilderen. Zijn inspiratie is de enorme weidsheid van het noorden en de wadden. Zijn werk laat de stilte zien die je kunt ervaren als je "in the middle of nowhere" staat.
Als je in het "niets" staat, met de horizon aan alle kanten, dan voel je jezelf pas verbonden met de natuur, met de plaats waar je bent.
De stilte blijft dan niet beperkt tot je oren. Marten schildert de essentie van het landschap zonder de herkenbaarheid van het beeld te verliezen. Het landschap wordt teruggebracht tot in de, voor hem, uiterste vorm van abstractie. Daarmee laat Marten de stilte van het landschap zien.
Altijd lastig om iets over jezelf te vertellen, maar …. ik ontwerp en produceer al ruim 25 jaar diverse woonaccessoires, zoals klokken en sfeerlampen in mijn atelier in Dronten. Naast het gebruik van verschillende productietechnieken zoals flatbed printing, frezen, laseren, warm buigen, zagen en 3D-printen ben ik in 2003 ook gestart met een lang gekoesterde wens om ook te gaan schilderen. Ik gebruik acrylverf op hoogwaardig kunststof.
Mijn drive als autodidact kunstenaar is dat ik aan dagelijkse gebruiksvoorwerpen een extra dimensie toevoeg. Bijvoorbeeld een sfeerlamp is overdag al een mooi kunstobject, maar ’s avonds heeft het een totaal andere uitstraling.
Kortom: functionele kunst made in Holland met als extra dat ieder object UNIEK is!
Heeft u specifieke wensen laat mij dit dan weten.
Natuurlijk kunt u (op afspraak) ook mijn atelier bezoeken.
Dus laat u verrassen!
Mijn werk is kleurrijk en wordt gekenmerkt door een solide, gedurfde en expressieve penseelstreek. Ik ben gespecialiseerd in portretten, maar ik ben in de eerste plaats schilder. Ik gebruik meerdere materialen, maar werk vooral met olieverf en geperste olie (soort oliepastel) op canvas. Ik combineer graag abstracte en figuratieve elementen, zoek naar interessante hedendaagse composities en ik word geïnspireerd door mensen en mijn omgeving. Ik ben gefascineerd door het spel van licht en schaduw, spelende kinderen en scènes uit het dagelijks leven. Sinds een paar jaar werk ik specifiek aan de serie 'Beach Life'.
Ik schilder graag kinderen, het zijn zulke pure wezens. Ze spelen niet, ze zijn origineel. Op het strand of bij het water kunnen ze zich vermaken met alleen water en zand en misschien een emmer en een schep. Ik hoor vaak van klanten dat ze mijn werk geweldig vinden vanwege de manier waarop ik ze tentoonstel, ik doe ze niet tekort.
Climate Birds, een kleurrijke vrolijke maar serieuze boodschap.
Eline achterhuis (1962) is na omzwervingen neergestreken in Zwolle waar zij een atelier heeft in de oude ambachtsschool DOAS. Geboren in Enschede, is zij op de middelbare school aangemoedigd om als een van de eerste, in een nieuw examenvak, examen af te leggen. Namelijk, tekenen. Dit heeft er mede voor gezorgd dat ze na haar opleiding HBOJ in Groningen haar passie achterna is gegaan en ook de kunstacademie Minerva is gaan doen. Van af dat moment is zij nooit meer van dit pad afgeweken.
De schilderijen die hier te zien zijn, de Climate Birds, zijn een deel van een serie die is ontstaan tijdens Corona. Ze kon nergens heen en zo was er eindelijk genoeg tijd om de ideeën vorm te geven. Het was een hele klus maar het is haar gelukt.
'Het klimaat, de veranderingen, er is niet aan te ontkomen, en zo ik ook niet' zegt Eline. Duurzaamheid is belangrijk voor haar. Ze heeft bestaande materialen verzameld, uit Friesland, 100 jaar oud linnen uit Twente en met oude olieverf bracht ze de Climate Birds tot leven.
De vogels, bijzonder karaktervol, in prachtige natuur weer gegeven, waar je jezelf kunt afvragen; is deze vogel nu heel klein of heel groot? De kleuren en vormen roepen emoties op die je juist wel of toch niet had kunnen verwachten.
Interessant genoeg, ondanks dat je hier naar vogels kijkt, zijn mensen haar inspiratie geweest! Ze staan als een kleurrijke metafoor op het doek.
Mijn beelden zijn gemaakt van staal, dat las of smeed ik, en werk het verder af met koperslag en roet. Het groene patina ontstaat door een bewerking met verschillende zuren.
Mijn inspiratie haal ik uit het landschap van bijvoorbeeld IJsland, Slowakije en Polen. Vervallen gebouwen, eenzame huizen, hutjes en bomen.
Ik ben op zoek naar monumentaliteit, kleine werken worden groot, nemen een ruimte in. Het harde lijnenspel en de duidelijke vorm van het staal werken daaraan mee.
Leon Strous kan zichzelf vanaf zijn jeugd niet anders herinneren dan dat hij bezig was met tekenen. Geleidelijk ontwikkelde hij zich daarna verder en kreeg opdrachten. Het illustreren van tijdschriften en enkele boeken, het ontwerpen van logo's en het samenstellen van collages vormden lange tijd een belangrijk stuk werk dat hem veel plezier bezorgde. Later ging hij ook schilderen met olieverf op doek. Zijn schilderijen werden meermalen op exposities getoond.
Ongeveer 25 jaar geleden voelde hij de drang om driedimensionaal te gaan werken. Hij volgde een keramiekopleiding in Amsterdam en sindsdien heeft het werken met klei hem niet meer losgelaten. Leon werkt het liefst met fijne chamotte klei om daarmee zijn werken zo gedetailleerd mogelijk vorm te kunnen geven. Voor het totaalbeeld raadpleegt hij regelmatig zijn vooraf uitgewerkte schetsen.
Zijn werken stralen emotie en balanceren tussen realiteit en abstractie met vooral veel humor en dramatiek. Leon exposeert in binnen- en buitenland. Zijn keramische sculpturen vinden hun weg over de hele wereld. Sinds 2013 is hij lid van de commissie voor keramische kunst van de World Art Games, gezeteld in Kroatië. In 2018 nam hij deel aan het Internationaal Cucuteni Art Camp in Moldavië. In datzelfde jaar werd hij uitgenodigd door Ting Ju Shao (Taiwan) om te participeren in het boek met de titel: 'Molding the World, Ceramic Figures of International Ceramists'.
Ik ben opgegroeid in een klein stadje in het zuiden van Frankrijk, waar het landschap, de rivieren en de kleuren altijd mijn aandacht hadden. Hier begon mijn liefde voor kunst en mijn eigen creatieve ontwikkeling.
Eind jaren '80 heb ik op de kunstacademie geleerd om de tijd te nemen en modellen, schaduwen en lijnen te observeren, om zelf de vormen in schilderijen te kunnen laten spreken.
Mijn liefde voor kunst en mijn gevoelens en passie voor kleuren, lijnen en contrasten maken mijn schilderijen mysterieus en spannend.
De gouden 'touch' en de effecten van het licht op een donkere achtergrond doen denken aan de Clair Obscur techniek, die veel in de schilderkunst van de 17e eeuw werd gebruikt.
Mijn uitdaging is om de kijker uit te dagen en mijn werk in hun beleving te laten spreken. Mijn schilderijen geven geen antwoorden maar roepen juist vragen op.
Mijn werk is steeds verschillend in uitvoering. Personages met een verhaal, een harmonie van kleuren, strakheid, puurheid en romance.
Ton Voortman (1948) is geboren in Rotterdam waar hij de opleiding beeldhouwen volgt aan de Academie voor Beeldende Kunsten.
Na een loopbaan als zelfstandig art-director en illustrator richtte hij zich in 2005 weer volledig op het beeldhouwen. Hij werkt afwisselend in zijn ateliers in Nederland en Frankrijk.
Ton: "In mijn eerdere werk speelden de vrouw, haar kleding en de symbiose daartussen een cruciale rol.
In 2019 werd ik tijdens een tentoonstelling op Guernsey geïnspireerd door de enorme stenen op het vlakke strand. De stenen zijn geheel of gedeeltelijk omsloten door zand en water. Ze vormen als het ware een nieuwe vertaling van de symbiose die ik tot dan toe probeerde te vertegenwoordigen. Daarna keek ik nog eens naar oud werk en schetsen uit mijn periode op de academie. Dit leidde tot tal van experimenten met alles wat ik maar kon vinden. Met als gevolg een heel andere manier van werken, veel democratischer. Waar ik vroeger klei, gips en ijzer in het gareel dwong dat ik van tevoren had bedacht, had nu alles invloed op het uiteindelijke resultaat, zelfs het toeval speelde een rol.
Tijdens de lockdown van 2020 zat ik maanden vast in mijn Franse atelier, ver weg van alles wat mij bekend was en afhankelijk van de materialen die daar voorhanden waren. Het resultaat is een reeks werken die totaal Antoniem* zijn aan mijn figuratieve werk.
In mijn nieuwe werk bevallen de verrassende contrasten me heel goed. Ik voel me hierdoor sterk geïnspireerd tot nieuwe en onbevangen symbiosen. De vormen zijn eenvoudiger, de tegenstellingen tussen de verschillende elementen groter en er is meer samenhang. Het zijn eigentijdse momenten, weergegeven door een kubus en een amoebe."
Na de middelbare school heeft Jeroen aan de Rietveld Academie tijdens het basisjaar o.a. kennis gemaakt met het ontwerpen van sieraden. Omdat hij deze ontwerpen ook zelf wilde gaan uitvoeren heeft hij daarna de juweliers opleiding in Schoonhoven gedaan.
Na een korte carrière in de juwelen en mineralen kwam hij terecht bij een grote uitgever van regionale dagbladen- en huis-aan-huis kranten, waar hij vele jaren leiding gaf aan de advertentieafdelingen van een aantal titels. Hij kon hier goed zijn creatieve “ei” kwijt door advertentiecampagnes te ontwerpen en vorm te geven. Daarna heeft hij voor een werkmaatschappij van de grootste dagbladuitgever van Nederland de kantoren, depots, distributiecentra en werkmiddelen beheerd.
Jaren geleden kwamen hij in Leerdam in contact met de glaskunst. Een bezoek aan een glasgalerie daar deed hen als een steen doen vallen voor een paar unica objecten van Floris Meydam. Omdat Jeroen gegrepen was door het glas en er zelf ook mee wilde gaan werken, is hij op zoek gegaan naar de diverse technieken om zo een beeld te krijgen van wat kan en vooral wat niet kan met het hete glas.
Tegenwoordig werkt hij veel met de meester glasblazer Gert Bulée, die jarenlang de meester was van het glasatelier van Royal Leerdam.
Hij is bij de vervaardiging van zijn werk altijd aanwezig om het gestalte geven aan zijn ontwerpen te begeleiden en te sturen. Hier en daar assisteert hij ook en krijgt zo het één en ander mee van het vakmanschap van zowel de blazers als de slijpers.
“Ik kan kunst op heel veel niveaus en manieren ervaren. Dan kijk ik naar esthetiek en zeggingskracht maar ook naar een bijzondere invalshoeken. Ik maak hedendaagse geëngageerde kunst. Het heeft een zekere urgentie. Het spiegelt ons, mensen en de tijdgeest. Beelden zeggen meer dan woorden en appelleren eigenlijk heel direct aan ons gevoel. Mijn beelden zijn een soort mix van activisme en filosofie, ze willen in dialoog.”
Ik ben geboren in Hoorn (NH) (1970) en sinds 1994 werkzaam als beeldend kunstenaar. Mijn atelier is gevestigd aan de Rieteweg 10 te Zwolle. Ik ben een multidisciplinaire kunstenaar. Mijn autonome werkgebieden verdelen zich over schilderkunst, collage, installatie, digital art, fotomanipulatie, video art en 3d. Ik werk ook in opdracht en op projectbasis.
Hedendaags (sur)realist? Ik ben niet goed te plaatsen in een traditie of stroming. Er zitten zeker surrealistische elementen in mijn werk en soms ook enige abstractie maar put qua stijl uit het (hedendaags) realisme. In het figuratieve kan ik me tot op heden het beste uitdrukken al sluit ik niets uit voor de toekomst. Wat mij betreft is kunst vloeibaar en een kunstenaar nooit uitontwikkeld.
Na de Grafische School en 1 jaar Rietveld Academie ben ik gaan schilderen met olieverf en heb een meerdere cursussen lithografie (steendruk) gevolgd. Ik ben overgestapt op tekenen en mono prints omdat ik beter overweg kan met dit materiaal. Sinds 2005 maak ik ook droge naald etsen.
Mijn werk is illustratief en dieren (met menselijke trekjes) spelen daarin een belangrijke rol.
Fantasie en humor zijn voor mij belangrijk en bij ieder werk geef ik de toeschouwer de kans om zijn eigen verhaal erbij te bedenken.
Mots Kocic, geboren en getogen in Joegoslavië, nu Kroatië….Met veel passie werkzaam geweest als meubelmaker, zoals de meeste meubelmakers dat zijn… Inmiddels vrij om zijn vrije tijd te besteden aan wat hij echt mooi vindt: het creëren van gebruiksvoorwerpen van hout met een bijzonder design… Zijn werken worden gekenmerkt door de gedachte dat zoiets nog niet eerder is gemaakt of gezien…
Hij heeft geëxposeerd tijdens diverse tentoonstellingen in Steenwijkerland (“Als je van hout houdt”, “Zevensprong”, enz). Een van zijn kleurrijke ladekasten is gedoneerd aan het ziekenhuis Isala, kinderafdeling…..
In 2019 heeft hij meegedaan met de “Zomerexpo 2019”…..Dit is de lands grootste kunstverkooptentoonstelling…. De tentoonstelling trok 78.000 bezoekers, er kwamen veel enthousiaste reacties en een kwart van de werken werd verkocht. Mots zijn ladekast heeft 3 maanden bij de Fundatie Zwolle gestaan…en veel lovende reacties ontvangen….
Doorgaan zolang het kan om mooie dingen te kunnen maken, in alle vrijheid, is zijn motto!
Van jongs af aan ben ik al bezig met creëren. In 1998 kon ik dan eindelijk naar de kunstacademie. Voltijd bezig gaan met maken, van alles uitproberen, losgaan, ontdekken. De zoektocht naar mezelf als kunstenaar was begonnen.
In 2003 studeerde ik af aan de Academie voor Beeldende Kunst in Kampen (tegenwoordig ARTEZ genaamd), richting autonoom beeldhouwen. Sindsdien ben ik werkzaam als kunstenaar vanuit Zwolle. Naast mijn kunstenaarschap ben ik moeder van Loek en werkzaam bij museum De Fundatie.
Voor mij is maken van kunst een spelend proces. Een spel met kleur, vorm en materiaal. Ik herhaal, orden of varieer net zolang tot er een organische structuur ontstaat die door groei en ogenschijnlijke beweging een geheel eigen leven gaat leiden.
Hierdoor ontstaat er een visuele beleving van vorm en kleur.
Meestal is mijn werk abstract en staat het open voor ieders eigen interpretatie. Het heeft sterke contrasten; tegenstellingen in kleurgebruik en is expressief. Het gaat mij er uiteindelijk om het verlangen naar ultieme schoonheid of waarheid te kunnen ervaren.
Mijn werk uit zich voornamelijk in ruimtelijke kleurvelden en wandobjecten. De natuur met haar organische vormen is mijn allergrootste inspiratiebron. Men omschrijft mijn kunst als abstract, kleurrijk, oorspronkelijk en vernieuwend.
De zoektocht naar mezelf als kunstenaar is inmiddels al aardig voltooid maar het creëren en de zoektocht naar schoonheid zal mijn hele leven doorgaan, wat een rijkdom!
De weg van Kristin liep langs vele experimenten. Deze experimenten vertaalden zich in vorm, techniek en inhoud: loskomen van de draaitafel, experimenteren met alternatieve opbouw, andere materialen,nieuwe proeven, het bouwen van een eigen oven….
De afgelegde weg staat eerlijk met de pootjes in het leven. Er is bij wijlen hard gewerkt om de kop boven water te houden maar nooit verried de kunstenares haar werk.
De tijd gespendeerd in de lokalen van Sint-Lucas, tijdens of na de uren, de enthousiaste stappen in de sferen van het betere amateurtoneel, het plezier om deel te nemen aan rollenspelen, het leiden van een koor…. staan allemaal voor vrijheid en goesting in het experiment. Het lesgeven dat er al snel op volgde kreeg steeds meer het accent op ‘geven’: een open kijk meegeven, het plezier te zien, te voelen. Graag zien en graag voelen.
Maar ook uiteindelijk, schuilgaand achter de ogenschijnlijke constante der verandering, een gedreven, haast mystieke queeste naar zielenrust. Kristin’s werk is niet alleen eerlijk in de vorm. Ook inhoudelijk klopt het plaatje. Consequent is wat je ziet de meest buitenste schil van de binnenkant. Navenant de maakster is het werk: zonder kapsones.
Vania Bouwmeester-Pentcheva, geboren in Bulgarije en momenteel woonachtig in Nederland, behaalde in 1994 haar Master in Scenografie aan de Academie voor Beeldende Kunsten in Sofia, Bulgarije. Ze is een nationaal en internationaal bekende en gerenommeerde kunstenares. Haar artistieke reis heeft haar over grenzen heen gebracht, met tentoonstellingen in onder andere Nederland, Duitsland, Bulgarije en Zuid-Afrika.
"Ik laat me inspireren door de dynamische vormen van onze omgeving en vertaal complexe emoties door middel van kleuren, vormen en composities. Mijn schilderijen ontstaan spontaan, terwijl ik zoek naar balans en harmonie, zonder vooraf te veel te plannen, zodat het proces spannend blijft. Mijn werk kenmerkt zich door gelaagde, kleurrijke combinaties van vormen, die mijn instinctieve kleurentheorie weerspiegelen. Ik onderzoek de wisselwerking tussen door de mens gemaakte structuren, licht en natuur, en mijn schilderijen roepen gedachten en emoties op zonder letterlijk af te beelden. Reizen heeft mijn artistieke expressie uitgedaagd en verrijkt, waarbij kleuren spontaan leven inblazen in elk werk, en de essentie vastleggen van mijn eerste gedachten en ontdekkingen."
Ik ben een illustrator en kunstenaar en werk voornamelijk met pen en inkt, maar doe ook olieverf.
Ik vertel parabels; verhalen in symbolen en tekens. Dat heb ik mijn hele leven gedaan en dat zal ik blijven doen.
De belangrijkste onderwerpen zijn symbolische fantasy, Steampunk en dieren.
Steampunk is een fictiestijl die te maken heeft met een semi-fictieve wereld waarin oude machines uit de Victoriaanse 19e eeuw nog steeds worden gebruikt. Technologieën die nieuw of belangrijk waren voor de Victorianen, zoals stoomkracht, uurwerk of elektriciteit, zijn grote thema's in steampunk.
Als kunstenaar speel ik graag met Griekse mythologie en surrealisme. Ik heb jarenlang in Griekenland gewoond en ben altijd geïnteresseerd geweest in het oude Griekenland. Ik maak beelden waarin ik mijn eigen visie geef, gebaseerd op de kunstgeschiedenis. Illusie en vrouwen spelen hierbij een grote rol. Ik ben Fine-art fotograaf en werk veel met Photoshop. Hiermee kan ik beelden creëren die laten zien dat niet alles is wat het lijkt. Ik probeer de kijker een nieuwe blik te geven op het bestaande beeld dat ze hebben van Griekse goden.
Daarnaast doe ik ook veel Boudoir- en naaktfotografie. Ik laat mensen graag zien hoe mooi ze zijn. Mijn motto is: "Waarom verbergen? Je bent mooi". Mijn portretten laten mensen zien zoals ze echt zijn.
Wat als we kunst zouden zien als een gesprek? Een dialoog waarin composities, vormen en materialen met elkaar 'spreken', waarbij kleuren, lijnen en vormen functioneren als zinnen en woorden? Plots wordt kunst meer dan alleen zenden: het draait om actie en interactie. Een visueel verhaal dat in voortdurende uitwisseling ontstaat, zowel tijdens het maakproces als in de manier waarop het wordt bekeken.
Dit is de benadering van beeldend kunstenaar Bert van Santen. Met zijn modulaire composities brengt hij een frisse dimensie aan in de kunst. Zoals hij zelf zegt: “Waarom zou je een discussie voeren als je weet wat de uitkomst zal zijn?” In zijn werk schuilt een element van verrassing, en Van Santen weet precies hoe hij dat moet benutten.
Maar wat is modulaire kunst precies? Het idee erachter is dat de verschillende onderdelen van composities, beeldaspecten en verbanden worden gezien als modules -een soort bouwstenen- die je vrij kunt combineren. Deze modules zijn het beeldende equivalent van woorden, bestaande uit vormen, kleuren, lijnen, tekens, vlakken. Net zoals je met woorden een zin vormt, creëer je met deze bouwstenen lagen in een kunstwerk die samen een geheel vormen. Het verloop van deze kunst wordt bepaald door de manier waarop je kijkt, verbanden legt en nieuwe interpretaties aanbrengt.
Modulaire kunst is daarom niet statisch, maar voortdurend in beweging, door tijd en ruimte. Composities kunnen steeds opnieuw worden aangevuld, gewijzigd of verbeterd. Zoals Van Santen benadrukt: “Kunst is altijd een vorm van communicatie.” Voor hem is dit proces nooit afgerond: “Het ontwikkelen van een persoonlijk, beeldend vocabulaire is iets wat je nooit echt kunt voltooien. Het blijft altijd in ontwikkeling.”
Welkom in mijn wereld vol grillig porselein!
Ik ben een keramist die in Nederland woont. Toen ik porselein ontdekte, besefte ik dat ik mijn passie had gevonden. Ik werk intuïtief en heb een unieke stijl ontwikkeld die diep van binnen komt. Ik ben grotendeels autodidact, maar ik heb wel lessen gevolgd om de basisvaardigheden van handvormen te leren.
Geluk staat centraal in mijn werk en ik streef ernaar om grillige, schattige stukken te creëren die een glimlach op het gezicht van mensen toveren. Ik haal inspiratie uit dieren, de natuur, folklore en fantasie.
Mijn creaties moeten worden gekoesterd en zijn een statement tegen de wegwerpcultuur. Ik vind het geweldig dat mijn werk het kind in volwassenen bevrijdt en hun verbeelding prikkelt. Ik blijf mijn kleine, gelukkige wezens die in mijn grillige wereld leven, ontwikkelen en perfectioneren.
"Slechts één enkel onderwerp: de mens."
Lebuïn communiceert via zijn werk met het publiek, dat op die manier inzicht krijgt in zijn denkwereld. Want kunstenaarschap is voor hem niet vrijblijvend
Als je de historie van de mens bekijkt, dan zie je dat kunst altijd een sterk maatschappelijke functie heeft gehad. In traditionele gemeenschappen heeft dat een religieuze of geestelijke invulling, dus een maatschappelijke functie. Het is iets heel ander dan iets moois kopen voor boven de bank.
Licht ironisch kijkt Lebuïn D’Haese naar 'la comédie humaine', bewogen kijkt hij naar 'de mensheid en haar weedom'. Wàt hij ziet en hoé hij dat ziet komt tot leven in zijn beelden. [LUC CLERINX]
Hij blijft beeldend denken, beeldend handelen. Een sobere vormgeving, het weglaten van overtollige accidentalia, het strakke betomen van eigen gevoelsopwellingen zorgen ervoor dat de dramatische bewogenheid in die beelden nooit uit zijn bedding stroomt. [LUC CLERINX]
Opvallend zijn De reikende armen van Lebuïn D’Haese die terugkomen in veel van zijn figuren; verlangende armen die als ankers worden geworpen naar de weidse buitenwacht. [FRANK DE VOS]
In haar kunst wil Ninon de schoonheid van dieren en de natuur vieren. Ze is gefascineerd door de manier waarop alle levende wezens met elkaar verbonden zijn. Ze is het gelukkigst terwijl ze te paard door het bos rijdt, vergezeld van haar hond.
Vanuit de overtuiging dat 'alles één is' verwerkt ze haar liefde voor dieren en de natuur in haar kunstwerken. Haar sculpturen grenzen aan het abstracte en vangen op zoete wijze de essentie van de dieren op. In haar schilderijen en foto's zoekt Ninon naar de 'grootsheid van de natuur' door het bewustzijn van een universele levenskracht te tonen. Haar werk toont essentie, innerlijke kracht, sensualiteit, balans, leven en liefde.
Ninon heeft veel gereisd. Ze is te paard de Andes overgestoken, heeft reizen gemaakt door woestijnen en oerwouden en heeft tijd doorgebracht met zeilen op de Middellandse Zee. Haar werk is sterk beïnvloed door het uitzicht op immens mooie landschappen. Ninon brengt tijd door in zowel Amsterdam als Ibiza, waar de levendige kleuren van de lucht, de bomen en de zee haar inspireren.
Als Ninon een beeldhouwwerk maakt, beschouwt ze het als een levend wezen. Ze probeert zichzelf open te stellen en haar handen te laden met liefde, om die liefde vervolgens op elk kunstwerk over te brengen.
Ze studeerde aan de Academie van Beeldende Kunsten en studeerde af met een Master of Science in Culturele Journalistiek aan de Universiteit van Amsterdam.
Kunst is voor Olga leven.
Een innerlijke, diep intieme ruimte.
Zonder grenzen tussen de binnen- en buitenwereld.
Noch ingang, noch uitgang.
Alles bestaat slechts een enkel moment op papier.
‘What really went on there? We only have this excerpt’
Mijn werk is figuratief. Ik noem het bewust niet realistisch aangezien de werken uit mijn verbeelding ontstaan. Wel kunnen er referenties zijn naar de waarneembare wereld om ons heen. Het perfect realistisch weergeven ervan is echter niet mijn doel.
Ik creëer niet bestaande werelden en ik vermijd al te duidelijke visuele referenties naar bekende verhalen. Het werk ontstaan vanuit min of meer onbewuste beelden. Regelmatig duiken wonderlijke rituelen en figuren op in het werk.
Ook voeg ik vaak diverse elementen samen die in de ons bekende wereld geen betekenis hebben maar wel de geheimzinnige basis kunnen zijn voor gedachten en nieuwe verhalen.
Tijdens de Keramiek Opleiding in Gouda is haar fascinatie voor het draaien ontstaan en heeft haar niet meer losgelaten. Zij maakt haar werk op de draaischijf waarbij zij, afhankelijk van het object, soms meerdere vormen aan elkaar monteert.
Haar kenmerkende decoratie ontstaat vanuit een intuïtieve lijnvoering, geometrisch en abstract, waarbij de kleuren medebepalend zijn voor het beeld. Haar inspiratie komt o.a. uit de Art Deco.
Zij is 7e geworden van de Nationale Keramiekprijs 2023.
Ik heb kunst en kunstgeschiedenis gestudeerd op verschillende academies om docent te worden in de kunsten.
Ik werk als vrij kunstenaar en illustrator.
Ik doe al jaren mee aan cartoonfestivals en heb nationale en internationale prijzen gewonnen. Ook heb ik in verschillende landen deelgenomen aan tentoonstellingen.
Mijn werk varieert van monumentale glasgevels in gebouwen (zoals kerken, stadhuizen, scholen etc.) tot vrijstaande panelen of objecten en sculpturen.
Een belangrijk aspect is dat ik probeer een interactie te creëren tussen tegenstellingen in de manier waarop het oppervlak van een object wordt bewerkt, het gebruik van kleur, het verschil in straling van de gebruikte materialen, het concept en ontwerp.
Door gebruik te maken van contrasten ontstaat er spanning in mijn werk, een spanning die zorgvuldig in evenwicht is, wat resulteert in homogene maar sterke kunstobjecten.
De vaas- of vatvorm in de objecten wordt puur gebruikt als een oppervlak, een basis om op te werken. De vorm of gedaante is slechts secundair aan het nut van het oppervlak en de dikte van het glas, waarbij door middel van verschillende technieken een ontwerp van vloeiende vormen en lijnen kan worden gecreëerd. Het oppervlak van de geblazen glasvorm wordt opnieuw gevormd, gepenetreerd en gemanipuleerd door het gebruik van diep reliëf zandstralen/snijden, snijden, slijpen, polijsten, etsen en graveren. Uiteindelijk wordt de vorm van de vaas of het vat opnieuw gevormd tot een object dat is "geconstrueerd" uit verweven vormen en vormen in een veranderend patroon van gematteerde en transparante delen.
Een vreemde kunstenaar in een vreemd land
Kirsty Fletcher, een Zuid-Afrikaanse kunstenaar die nu in Nederland woont, werkt met wegwerp- en afvalproducten. Haar huidige werk bestaat uit reclamemateriaal dat wekelijks bij de meeste Nederlandse huishoudens wordt bezorgd. Door iets zo gewoons te gebruiken, worden problemen zoals overvloed en overmatige consumptie, die endemisch zijn voor de eerste wereld, onderzocht.
Geïnspireerd door kunstenaars als El Anatsui en Moffat Takadiwa, houdt Kirsty's gebruik van materiaal de boodschap vast die het werk overbrengt. Het arbeidsintensieve proces verwijst naar de verborgen energie- en arbeidskosten waarvan we ons niet bewust zijn. De felle, vrolijke kleuren die worden gebruikt, zijn een metafoor voor beloften die worden gedaan door reclame- en marketingcampagnes.
Als kind was ik al bezig met dieren en hout en heb iets bijzonders met scherpe gereedschappen. Logisch dat daar diersculpturen van hout uit ontstaan zijn. Toen ik rond mijn 10e jaar klaar was met kind zijn is daar de binnenhuisarchitectuur bijgekomen.
Saskia van SaskiaVergunst_Art.nl en ik zijn liefhebbers van de jaren 50 en 60, de mid century modern stijl. De organische vormen van het Danish Design en Dutch Design gebeuren spreken ons erg aan. In ons huis kan je dan ook meubels van bijvoorbeeld Louis van Teeffelen en Louis Kalff vinden. Ik heb er dan ook erg veel lol in om kasten, stoelen en lampen uit de 50s – 60s te restaureren.
De vogels waar ik mee begonnen ben zijn een regelrechte kopie van Jacob Hermann een Deens designer die prachtige dingen gemaakt heeft. Nu zijn het eigen ontwerpen met de voorkeur voor symmetrie en strakke lijnen die ontstaan met behulp van een grafisch tekenprogramma. Ideeën genoeg, ik wil mij niet beperken tot 1 ding.
Ewa Cwikla (1961) is Poolse van geboorte, maar woont en werkt al decennialang in Nederland. Haar eerste ervaringen met fotografie gaat terug naar Polen toen ze 15 jaar oud was. Thuis vond ze een oude Zenith camera waarmee ze op de naschoolse fotoclub van haar middelbare school naar hartenlust experimenteerde en langzaam maar zeker al een eigen kijk op fotografie ontwikkelde.
Een van de typische stijlkenmerken van Ewa’s werk, is het nostalgische, bijna Rembrandtiaanse licht. Ewa is steeds op zoek naar deze nostalgie omdat – zoals ze zelf zegt – ‘deze nostalgische sfeer mij een bepaalde mate van rust geeft in deze steeds sneller en hectischer wordende wereld. Ik hoop dat dit hetzelfde effect heeft op degene die naar mijn beelden kijkt’. Vandaag de dag is ook de nabewerking van een beeld een belangrijk onderdeel van ‘de eigen signatuur’. Dit is er de reden van dat Ewa haar eigen filters ontwikkelt in Photoshop. In de constante drang zichzelf te ontwikkelen – zonder daarbij verstrikt te raken in een strikt afgebakende stijl – zet Ewa haar ziel en zintuigen open om te worden geïnspireerd. Een oude film of schilderij… het kan zomaar lichtjes doen gaan branden die dan vertaald worden naar een beeld met Ewa signatuur.
© 2022 MicksArt Collectief. Powered by We’R Media