© 2022 MicksArt Collectief. Powered by We’R Media
De deelnemers aan deze groepsexpositie zijn:
MIJN BOODSCHAP MIJN ‘FEEL GOOD’ ART COLLECTIE.
Welkom in de wereld van geluk. Een wereld van mooi, een wereld van blij en vrolijk. Voel je zorgeloos en positief. Ga voor zacht en liefdevol in een harde samenleving vol frustratie, lust, hebzucht, jaloezie, verleiding en strijd. Hou van zacht, zoals je diep van binnen bent. Welkom in de flower power van de twintiger jaren!
IK, ALEK|SANDER. Mijn roots liggen in de reclame waar ik werkte als conceptmaker. Mijn creatieve werk werd genomineerd en bekroond. Daarna werd ik fotograaf. Ook mijn fotowerk viel frequent in de prijzen en werd in diverse galeries en musea en op fotofestivals in de wereld aan het publiek getoond. Als kunstenaar ben ik – Alek|sander – minstens zo ambitieus. Mijn streven is om wereldwijd een groot publiek te bereiken met een boodschap van geluk. Zoveel mogelijk mensen blij maken met mijn kunst; dat is mijn missie.
THE POWER OF FLOWER. Al mijn hele leven hou ik van bloemen. Daarom legde ik een archief aan dat ik nog dagelijks aanvul met nieuwe bloemen. Met deze beelden creëer ik nu collages die mijn boodschap van liefde en geluk uitdragen. Bloemen zijn in staat om de harde werkelijkheid te verzachten. Om wat kwaadaardig is te ‘verbloemen’. Mijn bloemen laten je het spanningsveld beleven tussen wat je ziet en wat je voelt.
THE FUTURE OF ‘FEEL GOOD ART’. We leven midden in het informatietijdperk. De hele dag worden wij op de hoogte gehouden van de gebeurtenissen in de wereld. Of je nou wilt of niet, je kunt je er niet voor afsluiten. Aanslagen in het midden oosten, dreiging in het westen, natuurrampen in de Oriënt, het leven om ons heen wordt steeds donkerder. Het verlangen groeit om even lekker weg te dromen en je gewoon goed te voelen. En dat wil ik – Alek|sander – met heel mijn feel good (h)art je gunnen.
Geboren 1948 te Vries in Drenthe. Mijn jeugd verder in het noorden van Friesland gewoond.
Van jongs af aan veel getekend en geschilderd. Aangemoedigd door mijn vader, ook een groot liefhebber.
De beroepsmatige stap naar de beeldende kunst heb ik langs veel omwegen en pas later gemaakt. Maar die moest komen. Ongeveer tien jaar ben ik in deeltijd deelnemer geweest aan de Vrije Academie voor Beeldende Kunsten in Den Haag.
Inmiddels woon ik al twintig jaar in Haarlem en werk in het ateliercomplex “Het Hoofdkantoor” in de Waarderpolder.
Mijn onderwerpkeus is divers. Van portret, landschap tot abstract. Maar de eerste interesse ligt bij de architectuur, stadslandschap en industrie. Met een voorkeur voor binnenruimten: het spel en de samenhang van licht, ruimte en stilte.
Het materiaal is overwegend olie op doek of paneel.
Ik ben lid van Pulchri Studio in Den Haag en de Vishal in Haarlem.
Surreal animal art by visual artist Anneke Bloema
As a kid, I loved drawing and animals and playing outdoors. At home, I was allowed to keep many pets, including a cat, rabbits, guinea pigs, and chickens. I loved to take care of them.
I have an older brother and a younger sister. We’re very close in age. I have fond memories of our imaginative childhood together. We played and fought together as pirates, as princes and princesses, and of course as ourselves.
When I was 18 I took photography as a hobby, soon after enrolling in a course at ‘De Fotovakschool’. Gradually photography became my profession, and in 2001 I founded my own company The Factory II.
I started to do more and more graphic designs like collages. In time I found a way to tell the stories I wanted to tell. After winning an important prize for my illustrations, I was very encouraged to go on. And that’s what I did. Nowadays I spend a lot of time making these collages. Having a very big photo archive of my own allows me to use mostly my own pictures in my storytelling animal artwork.
Het zijn de afspraken die wij met elkaar maakten en de gedachten die we daar aan wijden, die maken dat de wereld er uit ziet zoals ze doet. Wij kunnen nooit van elkaar te weten komen of de betekenis van wat we zien, voor ieder gelijk is. Voor ieder mens is het woord gebonden aan een verschijningsvorm. Teruggaand naar scheppingsmystiek is het ‘Het woord wat schiep’.
Wat is dan eigenlijk de betekenis van het beeld? De navolging van het woord? Of bestaat het beeld ook autonoom?
In mijn schilderijen ben ik op zoek naar het autonome beeld. Ik werk vanuit het niets: leegte, betekenisloos zijn. Er is geen vooropgezet plan, geen beeld om naartoe te werken. De onthechting van het plaatje. Op zoek naar het bestaan van de ‘niet-vorm’.
Een transcriptie voor leegte. Is leegte plat of juist multi-dimensionaal?
In het proces is er geen bepaling over onder en boven, links of rechts. Het is vechten met de materie om een andere laag te bereiken. Heen en weer tussen versobering en het vuur van kleuren.
Het grote geheel is een tijdloos ‘zijn’. Ontstaan uit een opeenstapeling momentopnames die tezamen, tijdloos/grenzeloos moeten worden. Wat over moet blijven is een blik in verschillende dimensies tegelijk.
ANNIGJE (1961) tassen is vaste Exposant bij Micksart Collectief. Het is inmiddels meer dan 10 jaar geleden dat de eerste tas gecreëerd werd. Ergens tussen slapen en ontwaken is er een helder beeld ontstaan van de tas die ik ging maken. Inmiddels zijn er vele ANNIGJE’s in gebruik over de hele wereld. De tassen zijn altijd unica’s en kenmerken zich door enthousiast kleur gebruik en eigenwijs design.
Samen met Erik en ons team geven we vorm aan het MI&ANN label: Art Jackets.
Samen zijn we creatief ondernemer en promoten we met veel plezier deelnemende kunstenaars.
Mijn vader heeft na de oorlog de afdeling Edelsmeden Academie Maastricht opgericht. Hij was daar zeer intensief mee bezig, thuis was ook Academie. Vakantie in Frankrijk, dat waren zoektochten naar een klein Etruskisch beeldje of een Luristan bronsje, het ging over de Eufraat en de Tigris, Mesopotamia en waar is voor de eerste keer brons gegoten en veel meer.
Vaak ging ik mee naar de Academie, het rook daar lekker naar vuur en andere spannende zaken, pek bijvoorbeeld. Maar ik wou geen kunstenaar worden, ik wilde iets normaals doen. Het liep anders, mijn moeder, de stabiele factor, werd ziek en stierf veel te jong. Ik ging vanaf toen mee naar de Academie, het was te moeilijk niet het edelsmeden, maar de mensen.
Na de Academie heb ik heel lang niet gewerkt, ik kreeg kinderen (eindelijk iets normaals). Toen de kinderen de deur uit waren ben ik gaan werken in de Bronsgieterij Sijen (een leerling van mijn vader). Na jaren werken voor andere beeldhouwers kreeg ik steeds meer de behoefte om weer voor mezelf iets te maken. En nu ben ik steeds verbaasd dat ik maak wat ik maak. Er is toch iets ingestopt wat er nu alsmaar uitkomt. Ik heb veel gekeken en gezien.
Opleiding: Academie Beeldende Kunsten Maastricht afd. Edelsmeden 1963-1968
Korneel Jeuken is beeldend kunstenaar, cartoonist en illustrator.
Onder zijn alias Jøken maakt hij sinds een aantal jaren comicart-schilderijen en -tekeningen met een herkenbaar karakter. De 'Blockheads' die hij schildert op de meest uiteenlopende materialen verbeelden waanzinnige karakters maar ook de behoefte om je als wezen te verschuilen achter een masker en om een nieuwe identiteit aan te nemen. Jøken noemt het werk ‘New Cubism’ omdat hij altijd een fascinatie had voor de beweging tussen het ruimtelijke en het platte vlak. In zijn vroegere werk leidde dat tot abstracte schilderijen en installaties die op een architectonische manier zijn binnenwereld verbeeldden. In het huidige werk speelt het nog steeds een rol omdat de figuren in zijn wereld vaak ook opgebouwd zijn uit blokken. Toch wil hij zich niet beperken tot blokken. Het proces van maken moet intuïtief blijven. Kleine schetsjes die in een stream of consciousness ontstaan, vormen de basis voor schilderijen op hout, karton of canvas. Duivels, konijnen, koningen en skeletten, niet zelden gekleed in pak met stropdas bevolken de kleurrijke wereld van Jøken: een schijnbaar vrolijk geheel van strak vormgegeven waanzin...
Korneel Jeuken (Venray NL 1975) volgde zijn opleiding aan academie St. Joost en het Piet Zwart Instituut en exposeerde in binnen- en buitenland. Hij tekent actuele cartoons voor dagblad De Gelderlander
Visual artist Christian van Hedel (1974) mainly paints non-figurative abstract art. He has been active as a visual artist for over 20 years now. Christian started out as a self-taught artist, but after attending various workshops he got more and more into it, for example, he followed the fine-art training at the Hogeschool voor de Kunsten in Utrecht (HKU). His work can be found regularly at various art fairs and exhibitions in the Netherlands, Belgium, Germany, Spain, Denmark, France, Italy, China, New York and everything in between.
Christian has already won several international audience awards for his works of art. His works are sold worldwide. In a museum in China his work is part of a permanent collection of the museum.
In early 2017, Christian started a brand new project which he called “Fiction Elements”. This new series consists of colorful wall-filling paintings. The works are inspired by the natural and essential spiritual energies of everyday life. Conscious of the unconscious, both opaque and transparent spots, lines, shapes and lines are painted on canvas or on wooden panels. The contrasts between dark and light, colors and black and white always predominate. The shapes are very precisely defined, evoked precisely by the paint matter or created by the idiosyncratic use of brushes or palette knives. Because of the black lines Christian uses in his work, it becomes an abstract comic-like representation that balances the whole. His work tends towards street art or urban art. The works of art are visual concentrations of experiences, dreams and reflections. Autobiographical images, in which Christian tries to broaden the field of perception beyond the purely visual. There’s more to it than you see; art as food for the eye and the mind.
I love nature but have a lifelong fascination with trees and water. I think they are mysterious, intriguing and magical, especially the places/trees which were left to grow as they wanted for century’s.
The damaged trees with new branches and the ones that change form because of their environment remind me of human suffering and resilience and for me everything and everybody is connected.
Although I start with the realistic rendering of live my main goal is to find or catch the soul or atmosphere of the object or place.
I love this planet but also fear its destruction, sometimes that fear seeps into my work. But mostly I am hopeful and try to uncover the hidden beauty that surrounds us.
Het werk van Dijkslag kenmerkt zich door zijn grafische werkwijze.
Met kenmerkende strakke lijnen worden bekende en minder bekende landschappen en industriële bouwwerken tot bijzondere sferische composities verheven.
Na de middelbare school heeft Jeroen aan de Rietveld Academie tijdens het basisjaar o.a. kennis gemaakt met het ontwerpen van sieraden. Omdat hij deze ontwerpen ook zelf wilde gaan uitvoeren heeft hij daarna de juweliers opleiding in Schoonhoven gedaan.
Jaren geleden kwamen hij en zijn vrouw in Leerdam in contact met de glaskunst. Een bezoek aan een glasgalerie daar deed hen als een steen doen vallen voor een paar unica objecten van Floris Meydam. Omdat Jeroen gegrepen was door het glas en er zelf ook mee wilde gaan werken, is hij samen met zijn vrouw op zoek gegaan naar de diverse technieken om zo een beeld te krijgen van wat kan en vooral wat niet kan met het hete glas.
Inmiddels hadden ze in Hoorn een leuk pand gevonden waar ze hun glaskunst GalerieX in zijn begonnen.
Na het volgen van workshops glasblazen in Leerdam en een workshop vlakglaskunst bij Van Tetterode in Amsterdam is Jeroen weer driftig gaan ontwerpen. Dit keer in geblazen en daarna vaak in de uiteindelijke vorm geslepen glas.
Jeroen heeft in de uitvoering van zijn stukken gezocht naar het spel van licht en kleur waartoe vooral het gebruik van dik glas/kristal zich uitstekend leent. De vormen zijn meestal organisch en door het gebruik van veel helder glas tamelijk zwaar. Zijn kleuren kiest hij met zorg en benoemt hij, als mogelijk, aan de hand van edelstenen.
Tegenwoordig werkt hij veel met de meester glasblazer Gert Bulée, die jarenlang de meester was van het glasatelier van Royal Leerdam.
Als bioloog en beeldhouwer word ik geinspireerd door de natuur, vooral door dieren, hun vormen en beweging. Ik gebruik de dieren om mijn gevoelens te verbeelden door een typische houding en het gedrag te kiezen van een dier. Me trots voelend als een Pauw, wordt een Pauw die zijn mooie veren toont, baltsende Kraanvogels verbeelden mijn verliefdheid.
Ik maak realistische figuratieve beelden. Het is niet mijn bedoeling om een exacte kopie te maken van het dier in zijn houding. Het is mijn interpretatie van het gedrag en de beweging van het dier. Ik wil de dieren in zo‘n houding weergeven dat het lijkt alsof ze gaan bewegen.
De beelden worden “cire perdu”, verloren was, gegoten door bronsgieterij Custers in Grathem. Ik heb mijn eigen stijl van boetseren ontwikkeld met een persoonlijke toets op de bronzen huid van de beelden en een eigen patin. Het is de oorspronkelijke ambachtelijke manier van werken, die mij boeit in het maken van bronzen beelden. Het brons is een duurzaam robuust materiaal dat het beeld een tijdloos karakter geeft en door het patin tot leven brengt.
Ik maak mijn beelden in series van maximaal 12 exemplaren.
Altijd lastig om iets over jezelf te vertellen, maar …. ik ontwerp en produceer al ruim 25 jaar diverse woonaccessoires, zoals klokken en sfeerlampen in mijn atelier in Dronten. Naast het gebruik van verschillende productietechnieken zoals flatbed printing, frezen, laseren, warm buigen, zagen en 3D-printen ben ik in 2003 ook gestart met een lang gekoesterde wens om ook te gaan schilderen. Ik gebruik acrylverf op hoogwaardig kunststof.
Mijn drive als autodidact kunstenaar is dat ik aan dagelijkse gebruiksvoorwerpen een extra dimensie toevoeg. Bijvoorbeeld een sfeerlamp is overdag al een mooi kunstobject, maar ’s avonds heeft het een totaal andere uitstraling.
Kortom: functionele kunst made in Holland met als extra dat ieder object UNIEK is!
Heeft u specifieke wensen laat mij dit dan weten.
Natuurlijk kunt u (op afspraak) ook mijn atelier bezoeken.
Dus laat u verrassen!
Autodidact Gerard Neijenhuis (Ede, 1966) ontwerpt en creëert bronzen beelden – soms in opdracht, liefst naar eigen idee.
“Het denken in beelden en vormen is voor mij altijd vanzelfsprekend en natuurlijk geweest”. “Het fascineert mij vooral hoe de natuur alles wat leeft en niet leeft vormgeeft. Van de ribbels op het strand tot de repeterende celstructuren van plant en dier; hoe zijn deze – met het blote oog zichtbare én onzichtbare – structuren opgebouwd?”
“Bij het creëren van mijn beelden maak ik gebruik van een door mijzelf ontwikkelde methode, waarmee ik de structuren kan laten ontstaan. Hieraan is een periode van testen, experimenteren en ontdekken vooraf gegaan.
Ik kan gedeeltelijk invloed uitoefenen op de structuren, waardoor ze hun natuurlijke uitstraling behouden. Deze structuren probeer ik te vangen in strakke, gestileerde, wiskundige vormen, waardoor ik een contrast creëer wat rust brengt in chaos”.
Born in 1987. Contemporary figurative artist creating three-dimensional paintings with her own technique using paper-mache, canvas and oil paint.
The paintings reveal a sculptural vision of form, they surprise with their diversity in terms of structure and message, focusing on showing the aspect of human existence.
The characters in her paintings are static, even rigid, as if frozen in certain poses, thus showing a specific social problem, which is loneliness, limitation, pressure or anonymity. The current subject of the works focuses on issues related to perception and transformation, but above all on empathy and the presentation of various emotional states of a human being. The departure from the traditional range of colors in favor of white allows for perfect accentuation of light and shade. Everything seems to be saturated with symbolic content, the author entrusts her thoughts to the artistic matter and impresses it with her own feelings.
De Franse kunstenaar Ortaire de Coupigny krijgt tegenwoordig de meeste sardineblikjes rechtsreeks van een conservenfabriek. Zodat hij niet eerst alle blikjes zelf hoeft leeg te eten alvorens er een kunstwerk van te maken en zelf bijna te veranderen in een ‘vis’.
De vissen zijn gemaakt van was en beschilderd met verschillende materialen. Voor bijvoorbeeld het zwart van de vissen is gebruik gemaakt van carbon pigmenten.
Als de vissen klaar zijn gaan ze in het blikje op een laagje was. Er worden daarna twee soorten hars op gegoten. De eerste is een epoxy die ervoor zorgt dat de was niet beschadigd en de tweede laag een polyester die een glad resultaat geeft. Het lipje om de blikjes open te maken dienen aan de achterkant als ophangsysteem.
Jan Verschueren (België 1962) is autodidact. Hij is schilder en beeldhouwer en heeft vele Europese solotentoonstellingen op zijn naam staan. Maar hij is ook filosoof lijkt het wel, want lees zijn teksten en weet waarom.
Jan verklaart zijn schrootbeelden als volgt;
“Hoe roest mooi kan zijn. Hoe schoonheid kan roesten. Hoe constructie destructie is. Hoe chaotisch structuren zijn. Hoe structureel chaos is. Hoe men observeert en geobserveerd wordt. Hoe dicht grote idealen bij kleine kantjes liggen. Hoe anekdoten vereeuwigd lijken. Hoe eeuwigheden veranekdotiseren. Hoe humor is. Hoe dicht zwart bij wit ligt. Hoe dicht de beeldhouwer bij zijn lief ligt. Hoe dicht de beeldhouwer bij zijn werk staat.”
Theo Schildkamp: ‘Ik schilder wat mogelijk is, maar niet waarschijnlijk’
Na het behalen van zijn gymnasiumdiploma studeerde Theo Schildkamp aan de Academie van Beeldende Kunsten te Arnhem. Daarna vestigde hij zich als professioneel illustrator, designer en ontwerper.
Apeldoorner van geboorte en opgegroeid te midden van eerst de Veluwse en later de Twentse bossen heeft Theo een sterke band met de natuur, die dan ook een van de belangrijkste inspiratiebronnen van zijn werk is geweest. Planten, dieren en landschappen waren steevast het onderwerp van zijn aquarellen en tekeningen. Toch verliet hij in 2001 Nederland om zich in de Franse Gard Provençal te vestigen. Een tiental jaren geleden begon hij zich, na een succesvolle en productieve carrière, steeds meer toe te leggen op ‘vrij’ schilderen. Hij bevrijdde zich van de wensen en eisen van opdrachtgevers en koos voor een heel persoonlijke stijl en thematiek. De natuur bleef een rol spelen in zijn werk, maar het was de vrouwelijke figuur die er de meest prominente plaats in kreeg.
In 2021 verhuisden Theo en zijn vrouw definitief terug naar Nederland. In aanvankelijk zijn Diepenheimse, maar vanaf juli 2022 Boekelose atelier schildert Theo doeken die vooral internationaal worden geëxposeerd. In Sedona, Arizona USA, heeft hij een permanente expositie.
Carolien Bosch is een creatieve duizendpoot met een grote liefde voor mode en styling. Als kind droomde ze al van een toekomst op het creatieve vlak. Na een opleiding aan de modevakschool werkte ze voor diverse internationale en nationale modemerken.
Naast haar passie voor mode werkt Carolien sinds 2018 als Creative Counselor. In haar bedrijf komen haar kennis, ervaring en creativiteit op het gebied van mode, styling, naai- en handwerk en designadvies bij elkaar. Op dit moment maakt ze collecties voor onder andere Chan.ge Artwear.
Taxidermie, en specifiek het prepareren van vlinders en insecten, begon als een hobby. Als kind was ze al geïnteresseerd in de wondere wereld van vlinders. In de loop der jaren werd het een passie waar ze haar creativiteit in kwijt kan, wat resulteert in prachtige kunstwerken. Met Madame Butterfly brengt ze de vlinders in al hun schoonheid weer tot leven; hun vormen, hun kleuren en hun kwetsbaarheid.
Op spiritueel niveau is de vlinder het symbool van verandering, vrijheid, liefde en transformatie van de levenskwaliteit. Voor Carolien staat de vlinder symbool voor het tot volle bloei komen van de spirituele kwaliteit van leven. Ze ziet het dan ook als een voorrecht dat ze met vlinders mag werken en hun verhaal tot leven kan brengen in de vorm van een kunstwerk.
Al op de middelbare school werd het duidelijk dat het op een creatieve manier uitten van mezelf als een rode draad door mijn leven zou gaan lopen. Tekenen was een examenvak in de door mij gekozen richting waardoor het kunstzinnige zaadje werd geplant. Ik werd nieuwsgierig naar allerlei materialen en ging het experiment aan. Halverwege de jaren 90 ontdekte ik voor het eerst het werken met olieverf. Vanaf dat moment is dat ook het medium waarin ik het liefste werk. De laatste tien jaar combineer ik de olieverf steevast met inkt; twee materialen die elkaar eigenlijk niet dulden. Inkt is in de meeste gevallen verwerkt in de achtergrond en prominent in belijningen aanwezig binnen de compositie op de voorgrond. Ik heb het gevoel dat ik een “handschrift” heb gevonden. Olieverf, Inkt, structuur en scherpe contouren ………… Verweven tot een “Sprengers”. Inspiratie vind ik voornamelijk binnen de natuur en architectuur.
Al een aantal jaren maak ik ook werkjes voor “Pakje Kunst”. Voormalige sigarettenautomaten bevatten in plaats van sigaretten nu pakjes met daarin een klein kunstwerkje. Hoe laagdrempelig wil je het hebben….??
Mijn werk is aangekocht door particulieren en bedrijven. Ook de Gemeente Goirle heeft werk in haar bezit. Daarnaast zijn de schilderijen te huur binnen mijn kleinschalige kunstuitleen.
John Sprengers (1959) woont en werkt in Goirle (NB)
Hazel was born in Amsterdam shortly after her parents migrated there from China. Although she was raised in Holland the Chinese cultural influence on her was huge. Her cultural duality has shaped who she is today, how she sees things and the way in which she expresses herself in photography. Unconsciously the serenity, harmony and imaginary of Chinese art, combined with her awareness of western art have left an impression in her photographic style.
From an early age, she started to play with compact cameras and loved going through her mum’s black and white studio portraits from the sixties. Later she discovered the SLR cameras and found she could play with different objectives, combining apertures and shutter speeds and this opened up a whole new world to her. When the right time came she decided to follow her passion for photography at the Photo Academy in Amsterdam. Her first international exhibition was in 2015 at Arta Gallery, located in Toronto’s historic district, during the most prestigious curated Photo Festival (Contact Photography Festival) in Toronto. As a result of her association with Arta she got in contact with another Toronto Gallery, who also exhibited her work. Following on from this she continues to present her work both in The Netherlands and internationally. She has participated in many other festivals and art fairs including the Affordable Art Fair and was nominated for the ‘Rabo Ontdekt Talent Prijs’. She has also exhibited in Museums such as Hilversum Museum and Museum de Fundatie.
Het werk van Romy van Rijckevorsel is gewaagd, kleurrijk, heel erg uitnodigend voor persoonlijke interpretaties en niet vrijblijvend!
Romy schildert op een eclectische wijze. In haar werk zie je veel verwijzingen naar klassieke kunstenaars. (bijvoorbeeld Gustav Klimt, decoratieve achtergronden, maar ook Egon Schiele). Het is ook eclectisch vanwege de verschillende stijlen: tekenen, graffiti, schilderen en grafische elementen. Al deze elementen worden zeer succesvol gecombineerd tot een organisch geheel waarin ook een eigen handschrift op de loer ligt. Dat is heel slim, want de combinatie van referenties en stijlen kan ook heel snel fout gaan. In Romy’s werk, echter, stopt zij op precies het juiste moment.
De schilderijen zijn zeer postmodern in de zin van "alles is mogelijk" en toch is het is helemaal niet onrustig. Aan de ene kant zijn de werken zeer decoratief en aan de andere kant ook hard en bijna provocerend en vulgair. Toch zijn ze in evenwicht, deels te wijten aan de sterke samenstelling. (Jury rapport Painting of the year 2020, uiteindelijke 9e geworden van de 1250 aanmeldingen).
Geboren in 1958 te Amsterdam.
Marten woont in Winschoten tussen de polders van het Noorderland.
Na enkele jaren bezig geweest te zijn met muziek en conceptuele projecten begon Marten met schilderen. Zijn inspiratie is de enorme weidsheid van het noorden en de wadden. Zijn werk laat de stilte zien die je kunt ervaren als je “in the middle of nowhere” staat.
Als je in het “niets” staat, met de horizon aan alle kanten, dan voel je jezelf pas verbonden met de natuur, met de plaats waar je bent.
De stilte blijft dan niet beperkt tot je oren.
Marten is naast het schilderen een filmmaker van documentaire- en speelfilms. Ook in zijn films laat hij de rust zien die je kunt ervaren als alles wat langzamer gaat, wat stiller is.
“Ik kan kunst op heel veel niveaus en manieren ervaren. Dan kijk ik naar esthetiek en zeggingskracht maar ook naar een bijzondere invalshoeken. Ik maak hedendaagse geëngageerde kunst. Het heeft een zekere urgentie. Het spiegelt ons, mensen en de tijdgeest. Beelden zeggen meer dan woorden en appelleren eigenlijk heel direct aan ons gevoel. Mijn beelden zijn een soort mix van activisme en filosofie, ze willen in dialoog.”
Ik ben geboren in Hoorn (NH) (1970) en sinds 1994 werkzaam als beeldend kunstenaar. Ik ben een multidisciplinaire kunstenaar. Mijn autonome werkgebieden verdelen zich over schilderkunst, collage, installatie, digital art, fotomanipulatie, video art en 3d. Ik werk ook in opdracht en op projectbasis.
Kenmerkend voor mijn autonome werk is de centrale rol voor de mens in vorm en gedrag. Mijn werk is een weerspiegeling van actuele thema’s maar ook het alledaagse en het persoonlijke zijn belangrijke inspiratiebronnen. Ik speel met én doorkruis de werkelijkheid. Door kleine interventies, herhalingen, omkeringen, of het doorbreken van vlakken met architectonische vormen, ontstaat er een nieuw beeld in een enigszins vertrouwd beeld.
Hoewel mijn werk esthetisch is om te zien schuilt er vaak een soort onbehagen in. Schurende esthetiek. Deze tweeledigheid of dubbelheid is ook een terugkerend gegeven. Zie je wat je ziet?
De beelden die ontstaan begeven zich vaak op het snijvlak van fictie, realisme, grafisch en plastisch.
Na de Grafische School en 1 jaar Rietveld Academie ben ik gaan schilderen met olieverf en heb een meerdere cursussen lithografie (steendruk ) gevolgd. Ik ben overgestapt op tekenen en mono prints omdat ik beter overweg kan met dit materiaal. Sinds 2005 maak ik ook droge naald etsen.
Mijn werk is illustratief en dieren (met menselijke trekjes ) spelen daarin een belangrijke rol.
Fantasie en humor zijn voor mij belangrijk en bij ieder werk geef ik de toeschouwer de kans om zijn eigen verhaal erbij te bedenken.
Na de Grafische School en 1 jaar Rietveld Academie ben ik gaan schilderen met olieverf en heb een meerdere cursussen lithografie (steendruk ) gevolgd. Ik ben overgestapt op tekenen en mono prints omdat ik beter overweg kan met dit materiaal. Sinds 2005 maak ik ook droge naald etsen.
Mijn werk is illustratief en dieren (met menselijke trekjes ) spelen daarin een belangrijke rol.
Fantasie en humor zijn voor mij belangrijk en bij ieder werk geef ik de toeschouwer de kans om zijn eigen verhaal erbij te bedenken.
Mots Kocic, geboren en getogen in Joegoslavië, nu Kroatië….Met veel passie werkzaam geweest als meubelmaker, zoals de meeste meubelmakers dat zijn… Inmiddels vrij om zijn vrije tijd te besteden aan wat hij echt mooi vindt: het creëren van gebruiksvoorwerpen van hout met een bijzonder design… Zijn werken worden gekenmerkt door de gedachte dat zoiets nog niet eerder is gemaakt of gezien…
Hij heeft geëxposeerd tijdens diverse tentoonstellingen in Steenwijkerland (“Als je van hout houdt”, “Zevensprong”, enz). Een van zijn kleurrijke ladekasten is gedoneerd aan het ziekenhuis Isala, kinderafdeling…..
In 2019 heeft hij meegedaan met de “Zomerexpo 2019”…..Dit is de lands grootste kunstverkooptentoonstelling…. De tentoonstelling trok 78.000 bezoekers, er kwamen veel enthousiaste reacties en een kwart van de werken werd verkocht. Mots zijn ladekast heeft 3 maanden bij de Fundatie Zwolle gestaan…en veel lovende reacties ontvangen….
Doorgaan zolang het kan om mooie dingen te kunnen maken, in alle vrijheid, is zijn motto!
In haar werk verbeeldt Marianne van den Berg de mens, niet de exacte weergave, maar de herkenning roept zij op.
Haar beelden zijn krachtig en kwetsbaar tegelijk.
Door haar intuïtieve manier van werken heeft zij een pure en hele eigen stijl ontwikkeld.
Kuyper paints abstracts in oil on linen, in a hard-edge style.
Each composition is based on shapes “harvested” from earlier work, rearranging themselves, joining other shapes, transforming into new shapes.
Like DNA. The aim is to imitate Nature by working Like Nature, instead of After Nature.
Confrontation with how the randomness of the self-arranging shapes not just leads to chaos, allows the painter to see dragons & sheep in clouds.
Jozef van den Horst combineert in zijn werk zijn nieuwsgierigheid naar de mogelijkheden van neonglas met zijn Italiaanse inspiratiebronnen.
Jozef gebruikt veel formica in zijn werk. Ooit startte hij met het maken van metaalplastieken, geïnspireerd door de Zwitser Tinguely, die bizarre sculptuurmachines maakte. In die tijd maakte Jozef ook zilveren sieraden en werkte met gasbranders om zilver te solderen. Vanuit zijn vaardigheid van het werken met vuur en branders ontstond de link naar neonsculpturen, waarvoor je neonbuizen eerst in een vlam warm en zacht maakt en dan kunt ombuigen. Het neonglasblazen zorgt ervoor dat de buis rond blijft en niet dubbelklapt of plat wordt.
Jozef: “Door verschillende kleuren glas aan elkaar te smelten, ontstaan verschillende combinaties die ik gebruik in mijn 3Dneon sculpturen.”
“My work is a product of my imagination. I just have to create.”
Steffie de Leeuw is a Dutch artist, designer who lives and works in Amsterdam. After graduating from the University of Amsterdam and the ‘Willem de Kooning’ Art Academy in Rotterdam, Steffie started working in Art, creating oil paintings. Born with a creative background Art has been taught to Steffie from an early age. Her father was a great admirer of art, a huge music lover and a gifted amateur painter and sculptor himself. Her mother, taught her how to appreciate fashion and creating things with fabrics. At the age of ten Steffie was making her own schoolbag on the sewing machine. In her teenage years she was taking pieces of clothing out of her mother and grandmothers wardrobe cutting and sewing them into unique pieces.
She also inherited her love for travel from her parents, as well as her love for nature and wild life. Her surname is de Leeuw (the Lion) and you see these animal and other felines frequently in her work and designs.
In 2000 Steffie graduated from the ‘Willem de Kooning’ Art Academy. In addition to creating numerous art works, Steffie has since produced commissioned work for several well-known retail brands. In 2016 the brand Steffie de Leeuw launched in Amsterdam. Steffie de Leeuw only produces on first-class materials, always trying to minimize the impact on the environment.
Steffie de Leeuw creates art that appeals to the imagination, which everyone can enjoy indefinitely.
I started drawing when I was sixteen. I followed various art courses and later on studied at the Academy of Fine Arts in Belgium, where I specialized in portrait oil painting. After several years I left this classic road and developed a personal style that actually is the opposite of what I was taught. But this new style couldn’t exist without the thorough teaching I went through. It is more a logical development. As a painter I keep learning, which means themes change regularly. I feel very privileged being on this artist path.
In my paintings I use acrylic paint, pastels, oil bars and pencils, and work on canvas or wooden panels. I paint, scratch, draw and repaint again. Underneath my work are lots of layers. It is a time-consuming process. I keep going until I feel the work is balanced. Painting and drawing are both merged in my work, this combination of techniques suits me. A common element in my paintings are the ‘whites’ tones, which if you watch closer, are actually not whites. Underlying colors shine through and give an interesting depth. This way of working gives me an enormous amount of freedom to discover and express myself.
Ruben Koerhuis (1959) heeft zich altijd met beeld bezig gehouden. Eerst als maker van (opdracht)video’s en fotograaf, waarbinnen hij gewend was aan het invullen van een vaststaand kader. Het ‘waarom’ van dat beeld, als bewust onderdeel van een groter geheel, stond daarbij altijd centraal. Dat is terug te vinden in het huidige werk: abstracte beelden met een persoonlijk verhaal. Geen enkel werk is toeval en het is nooit alleen maar vorm. Bij een geslaagd beeld is er een balans tussen het narratief, de emotie, het ambacht, de continuïteit en groei binnen een thema en de blijvende verwondering door het ontdekken en het uitvinden. Terugkerende elementen, zoals lood, koper en leisteen, of de bol en de cirkel, worden gebruikt als thema en verhalenverteller en geven vorm aan basale verlangens of (primaire) gevoelens. Als was het de verstilling van momenten uit het leven van de maker. Werk met een bedoeling. Toch hebben ze generieke titels. Dit is om de toeschouwer niet in een bepaalde kijkrichting te duwen. Voor de maker is het af, voor de nieuwe kijker begint het bij de eerste keer kijken, waarbij de oorsprong er niet toe doet. Hoewel het ook geen geheim is: als er naar gevraagd wordt, krijgt men uiteraard uitleg.
Opgeleid als balletdanseres debuteerde ik als kunstschilder in 1970 via een expositie in Vlissingen.
Aansluitend en parallel maakte ik een reis door het landschap van kunst, mode, vormgeving en cultuur via verschillende ingangen: de journalistiek, studie (kunst)psychologie, publicaties, het maken van postacademische opleidingen voor kunstacademies, lesgeven, lezingen houden en via een eigen school (Livingstonelab).
Om te eindigen waar en hoe ik 30 jaar eerder begon, als full-time kunstschilder. Af en toe sta ik me trouwens wel een uitstapje toe naar de poëzie.
Born in Amsterdam, moving to Calgary, Canada in my early teens, where I was welcomed by the overwhelming nature. The breathtaking Rocky Mountains, and lakes as big as oceans! A few years later while living in Vancouver, British Columbia these feelings of awe and reverence became further intensified and focused living and breathing as I did among the incredible abundance of nature all around. In particular, the sheer energy and strength of color and form in their ever-changing combinations, became a focal point.
Years later I returned back to the Netherlands and brought back these powerful and intense emotions locked up inside of me.
After having met Willem van Oijen from Bevo glass studio, a period of drawing and painting ensued, liberating and interpreting all these so treasured stored images and thoughts.
Working with a kiln one day " fired" the interest in fusing colored glass. This technique enabled me to express into form, the impressions and expressions of the sensation of fusing colors and shapes in various combinations, as it happens naturally in nature all the time.
But for several years now I am drawn to making sculptures in cire perdue. Making a clay or wax model, the various molds that have to be made before the actual firing and preparing of the kiln. The suspense, the waiting period before the piece can be taking out of the kiln, the 3 dimentionality of the pieces, the directness, strength and radiance are both spectacular as exciting for me.
The aspect of applying color has not changed. What has changed though is the subject and the background thought that I depicted herein are on a different plane. The changing and hardening society and the indifference which one presents itself is striking.
In my works I try to create a setting with a “twist” in which I portray situations confronting the beholder with these issues.
Schilderen is voor mij het leven hoe het zich aandient, hoe ik langs de dingen wandel en wat er op mijn pad komt.
Het positieve in het leven is voor mij heel belangrijk. Toch ontkom je er soms niet aan dat er minder leuke dingen op je weg komen. Dan volgt er steevast een vertaling op een doek.
Positief in het leven staan, daar haal ik heel veel energie uit.
Het landelijke waarin ik woon zorgt voor heel veel inspiratie. Hier kan ik ontzettend genieten van de stilte. Ook een krachtig stuk muziek past er op bepaalde momenten bij.
Ik voel me een superrijk mens, dat ik daarmee bezig mag zijn!
Na een proces van experimenteren met verschillende stijlen en technieken heeft Sophia een geheel eigen stijl ontwikkeld. Haar schilderijen kenmerken zich door krachtige composities, waarbij elk vlak een eigen kleur krijgt en deze worden op het laatste moment afgebakend met lijnen. Door het gebruik van lijnen wordt het werk als het ware geabstraheerd. In sommige werken worden de lijnen lichter van kleur om het werk meer diepte te geven. Licht en donker worden weggelaten om zo bij de eenvoud van het thema te blijven.
De thema’s in haar werken worden tegenwoordig bijna realistisch verbeeld. In haar huidige werk worden kleuren steeds meer gemengd. Tijdens het schilderproces zoekt Sophia een balans in haar composities, achtergrond en kleurgebruik. Kleuren worden bijeen gebracht door emotie. Door haar kleurpalet creëert zij haar eigen werkelijkheid waarbij herkenning blijft bestaan.
Inspiratie vindt zij in het leven. Het begint met kijken. Kijken is iets anders dan zien. Inspiratie kan een momentopname zijn, een ingeving, het zien van sterk vereenvoudigde vormen van een stad of in de natuur, een glinstering van water of bijvoorbeeld een prachtige kleur. Inspiratie vind je om je heen. Het verschil tussen kijken en zien geeft het proces beweging en leidt tot het vormen van ideeën en beelden in haar eigen kleurrijke taal.
is autodidact en vanuit zijn eerste expositie Trash & Treasure geheten in 1997 heeft hij onafgebroken gewerkt aan een eigen stijl. Hij is zeer betrokken bij natuur en milieu en daarin ligt de reden dat hij van spullen en materiaal dat is weggegooid of is afgedankt zijn kunst is gaan maken en dat tot op de dag van vandaag nog steeds zo doet.
Naast het creëren van sculpturen en installaties ontwerpt hij ook diverse mode accessoires zoals spectaculaire kronen, zonnebrillen van onder andere meccano en diverse designer handtasjes met led verlichting. Hiermee heeft hij prijzen gewonnen onder andere tijdens het filmfestival in Cannes in 2010, 2011 en 2012.
Ook komen de vrouwelijke vormen op allerlei manieren terug in zijn werk, bijvoorbeeld de bekende ritsen vrouwen in verschillende kleuren en poses en de metalen body’s.
Daarnaast maken de engelenvleugels een belangrijk deel uit van zijn werk. Ze worden gemaakt van metaal, kunststof, glas en licht. Tinus vindt steeds een nieuwe manier om met verschillende technieken een volmaakt geheel te bereiken.
After graduating from the Gerrit Rietveld Academy in 1986, Alexandra Verkerk and other graduates established Ata’nohr, a creative space and community for artists. To this day, Alexandra has remained working in the same studio. Alexandra has produced an extensive oeuvre of artworks using a variety of materials, with an emphasis on oil paintings.
The main theme of her work is the relationship between different spaces and perspectives.
An abstract interpretation of nature, geometry, architecture, interiors and combinations thereof are signature styles in her work. The research of perspective is the main priority, more so than the expression of her refined painting skill.
In recent work, a delicate balance between paint and fabric is realized. The process requires careful planning and consideration. Therefore, the painting blueprint is digitally composed before any paint touches the canvas. This highlights the non-intuitive way of her painting process.
Yann Schuyers (Oss, 1954) ontdekte al vroeg in zijn leven de kunstenaar in zichzelf. Als kind verzorgde hij al handgetekende illustraties voor de schoolkrant. Door zijn creatieve geest raakte Yann al snel geïnteresseerd in fotografie, en maakte hij vormen in gasbeton en zelfs koeienbotten.
“Vormen en kleuren hebben me van jongs af uitgedaagd. Zolang ik me kan herinneren voel ik de behoefte om iets moois te maken, wil ik verhalen vertellen. Niet met woorden, maar met beelden. Ik wil andere mensen laten genieten van mijn verbeelding. Dat is altijd mijn drive geweest. En nog steeds.” – Yann Schuyers
Door de jaren heen heeft Yann zich verdiept in een veelheid aan creatieve werkvormen die hem de mogelijkheid geven te werken met vorm en verbeelding. Vol interesse en bevlogenheid heeft hij zich beziggehouden met fotografie, zeefdrukken, tekenen en schilderen met potlood en acrylverf, digitale kunst en het ontwerpen van tuinen en meubels. Ook heeft Yann met veel plezier zijn expertise en enthousiasme overgedragen aan cursisten van de Vrije Academie.
Als beeldkunstenaar geniet Yann ervan om steeds weer nieuwe technieken en materialen uit te proberen en toe te passen. En net als zijn smaak en interesses blijft zijn werk zich voortdurend ontwikkelen. Daarbij is hij nog altijd gefascineerd door het werk van grote voorgangers als Leonardo da Vinci en Rembrandt van Rijn. Tegelijk wordt hij getriggerd door tijdgenoten en haalt hij inspiratie uit architectuur, design en mode. Maar alles overstijgend is de bezielende inspiratie die hij haalt uit de schoonheid van de vrouw en het vrouwelijk lichaam.
Margot Olde Loohuis (Albergen, 19 april 1973) studeerde in 1997 af aan de CHK Constantijn Huygens in Kampen (thans ArtEZ Zwolle). Sinds 1998 woont en werkt ze in Deventer.
‘Als kind tekende en schilderde ik het liefst. In wezen is er weinig veranderd. Schilderen geeft me een gevoel van avontuur, ik betreed een andere wereld, een ander gevoel en wil dat door mijn schilderijen overbrengen. Het proces en het eindresultaat zijn daar onderdeel van maar het ontdekken is het belangrijkste element.
Sinds 2007 schilder ik vooral water in al zijn aspecten. Ik hou van het karakter dat altijd beweeglijk is, reflecteert, transparant is en het licht breekt. En vanonder de waterspiegel bekeken kwam er nog meer tevoorschijn. Dit vernieuwende perspectief, het tonen van een vaak onzichtbare onderwaterwereld, de vervreemding en de verwondering die het teweeg brengt, werd in de afgelopen jaren een bijna filosofische bron van inspiratie.
© 2022 MicksArt Collectief. Powered by We’R Media